Georg Friedrich Händel |

Georg Friedrich Händel

GF Handel è uno dei più grandi nomi nella storia dell'arte musicale. Il grande compositore dell'Illuminismo, aprì nuove prospettive nello sviluppo del genere dell'opera e dell'oratorio, anticipò molte idee musicali dei secoli successivi: il dramma operistico di KV Gluck, il pathos civico di L. Beethoven, la profondità psicologica di romanticismo. È un uomo di forza interiore e convinzione uniche. "Puoi disprezzare chiunque e qualsiasi cosa", disse B. Shaw, "ma non sei in grado di contraddire Handel". "... Quando la sua musica risuona sulle parole "seduto sul suo trono eterno", l'ateo è senza parole".

L'identità nazionale di Handel è contestata da Germania e Inghilterra. Handel è nato in Germania, la personalità creativa del compositore, i suoi interessi artistici e la sua abilità si sono sviluppati sul suolo tedesco. La maggior parte della vita e dell'opera di Händel, la formazione di una posizione estetica nell'arte della musica, in consonanza con il classicismo illuminista di A. Shaftesbury e A. Paul, un'intensa lotta per la sua approvazione, sconfitte di crisi e successi trionfanti sono collegati a Inghilterra.

Handel è nato a Halle, figlio di un barbiere di corte. Le prime abilità musicali manifestate furono notate dall'elettore di Halle, il duca di Sassonia, sotto la cui influenza il padre (che intendeva fare del figlio un avvocato e non attribuiva grande importanza alla musica come futura professione) diede al ragazzo lo studio il miglior musicista della città F. Tsakhov. Buon compositore, musicista erudito, familiare con le migliori composizioni del suo tempo (tedesco, italiano), Tsakhov rivelò a Handel una ricchezza di stili musicali diversi, instillò un gusto artistico e contribuì a elaborare la tecnica del compositore. Gli scritti dello stesso Tsakhov ispirarono in gran parte Handel a imitare. Formatosi presto come persona e come compositore, Händel era già conosciuto in Germania all'età di 11 anni. Mentre studiava legge all'Università di Halle (dove entrò nel 1702, compiendo la volontà del padre, che era già morto per quel tempo), Handel servì contemporaneamente come organista in chiesa, compose e insegnò a cantare. Ha sempre lavorato duro e con entusiasmo. Nel 1703, spinto dal desiderio di migliorarsi, ampliare i settori di attività, Händel parte per Amburgo, uno dei centri culturali della Germania del XIX secolo, città che ospita il primo teatro lirico pubblico del paese, in competizione con i teatri di Francia e Italia. Era l'opera che attirò Händel. Il desiderio di sentire l'atmosfera del teatro musicale, di conoscere praticamente la musica d'opera, lo fa entrare nella modesta posizione di secondo violinista e clavicembalista nell'orchestra. La ricca vita artistica della città, la collaborazione con importanti personaggi musicali dell'epoca – R. Kaiser, compositore d'opera, poi direttore del teatro dell'opera, I. Mattheson – critico, scrittore, cantante, compositore – ebbero un enorme impatto su Händel. L'influenza del Kaiser si trova in molte delle opere di Händel, e non solo nelle prime.

Il successo delle prime produzioni operistiche ad Amburgo (Almira – 1705, Nero – 1705) ispira il compositore. Il suo soggiorno ad Amburgo è però di breve durata: il fallimento del Kaiser porta alla chiusura del teatro dell'opera. Handel va in Italia. Visitando Firenze, Venezia, Roma, Napoli, il compositore studia nuovamente, assorbendo un'ampia varietà di impressioni artistiche, principalmente operistiche. La capacità di Händel di percepire l'arte musicale multinazionale era eccezionale. Passano solo pochi mesi, e padroneggia lo stile dell'opera italiana, inoltre, con tale perfezione che supera molte autorità riconosciute in Italia. Nel 1707 Firenze mise in scena la prima opera italiana di Händel, Rodrigo, e 2 anni dopo Venezia mise in scena la successiva, Agrippina. Le opere ottengono riconoscimenti entusiastici dagli italiani, ascoltatori molto esigenti e viziati. Handel diventa famoso: entra nella famosa Accademia Arcadica (insieme ad A. Corelli, A. Scarlatti, B. Marcello), riceve l'ordine di comporre musica per le corti dell'aristocrazia italiana.

Tuttavia, la parola principale nell'arte di Händel va detta in Inghilterra, dove fu invitato per la prima volta nel 1710 e dove si stabilì definitivamente nel 1716 (nel 1726, accettando la cittadinanza inglese). Da quel momento inizia una nuova fase nella vita e nell'opera del grande maestro. L'Inghilterra con le sue prime idee educative, esempi di alta letteratura (J. Milton, J. Dryden, J. Swift) si è rivelata l'ambiente fertile in cui sono state rivelate le potenti forze creative del compositore. Ma per la stessa Inghilterra, il ruolo di Händel è stato pari a un'intera epoca. La musica inglese, che nel 1695 perse il suo genio nazionale G. Purcell e si fermò nello sviluppo, salì di nuovo alle vette del mondo solo con il nome di Handel. Il suo percorso in Inghilterra, però, non fu facile. Gli inglesi salutarono Handel all'inizio come un maestro dell'opera in stile italiano. Qui sconfisse rapidamente tutti i suoi rivali, sia inglesi che italiani. Già nel 1713 il suo Te Deum veniva rappresentato in occasione dei festeggiamenti dedicati alla conclusione della Pace di Utrecht, onore che nessuno straniero aveva ricevuto in precedenza. Nel 1720, Händel assume la guida dell'Accademia dell'Opera Italiana a Londra e diventa così il capo del Teatro dell'Opera nazionale. Nascono i suoi capolavori d'opera – “Radamist” – 1720, “Otto” – 1723, “Julius Caesar” – 1724, “Tamerlano” – 1724, “Rodelinda” – 1725, “Admet” – 1726. In queste opere Handel va oltre la cornice dell'opera seria italiana contemporanea e crea (il proprio tipo di performance musicale con personaggi ben definiti, profondità psicologica e intensità drammatica dei conflitti. La nobile bellezza delle immagini liriche delle opere di Händel, il potere tragico dei culmini non hanno avuto eguali in l'arte operistica italiana del loro tempo.Le sue opere erano alle soglie dell'imminente riforma operistica, che Händel non solo sentì, ma anche largamente attuata (molto prima di Gluck e Rameau).Allo stesso tempo, la situazione sociale nel paese , la crescita dell'autocoscienza nazionale, stimolata dalle idee dell'Illuminismo, la reazione al predominio ossessivo dell'opera italiana e dei cantanti italiani danno origine a un atteggiamento negativo nei confronti dell'opera nel suo insieme. Su di essa si creano opuscoli opere straniere, il tipo stesso di opera, il suo carattere è ridicolizzato. e, artisti capricciosi. Come parodia, la commedia satirica inglese The Beggar's Opera di J. Gay e J. Pepush apparve nel 1728. E sebbene le opere londinesi di Händel si stiano diffondendo in tutta Europa come capolavori di questo genere, il declino del prestigio dell'opera italiana nel suo insieme è riflessa in Händel. Il teatro viene boicottato, il successo delle singole produzioni non cambia il quadro generale.

Nel giugno 1728 l'Accademia cessò di esistere, ma l'autorità di Händel come compositore non cadde con questo. Il re inglese Giorgio II gli ordina degli inni in occasione dell'incoronazione, che viene eseguita nell'ottobre 1727 nell'Abbazia di Westminster. Allo stesso tempo, con la sua caratteristica tenacia, Händel continua a lottare per l'opera. Si reca in Italia, recluta una nuova compagnia e nel dicembre 1729, con l'opera Lothario, apre la stagione della seconda accademia lirica. Nell'opera del compositore è tempo di nuove ricerche. “Poros” (“Por”) – 1731, “Orlando” – 1732, “Partenope” – 1730. “Ariodant” – 1734, “Alcina” – 1734 – in ciascuna di queste opere il compositore aggiorna l'interpretazione dell'opera-seria genere in modi diversi – introduce il balletto (“Ariodant”, “Alcina”), la trama “magica” satura di un contenuto profondamente drammatico, psicologico (“Orlando”, “Alcina”), nel linguaggio musicale raggiunge la massima perfezione – semplicità e profondità espressiva. C'è anche una svolta da un'opera seria a un'opera lirico-comica in “Partenope” con la sua morbida ironia, leggerezza, grazia, in “Faramondo” (1737), “Serse” (1737). Lo stesso Handel definì una delle sue ultime opere, Imeneo (Hymeneus, 1738), un'operetta. Estenuante, non senza sfumature politiche, la lotta di Händel per il teatro dell'opera finisce con una sconfitta. La Seconda Accademia dell'Opera fu chiusa nel 1737. Proprio come prima, nell'Opera del mendicante, la parodia non era priva del coinvolgimento della musica ampiamente nota di Händel, così ora, nel 1736, una nuova parodia dell'opera (The Wantley Dragon) menziona indirettamente Il nome di Handel. Il compositore sopporta duramente il crollo dell'Accademia, si ammala e non lavora per quasi 8 mesi. Tuttavia, la straordinaria vitalità nascosta in lui si fa nuovamente sentire. Handel torna all'attività con nuova energia. Crea i suoi ultimi capolavori operistici – “Imeneo”, “Deidamia” – e con essi completa il lavoro sul genere operistico, al quale ha dedicato più di 30 anni della sua vita. L'attenzione del compositore è concentrata sull'oratorio. Mentre era ancora in Italia, Händel iniziò a comporre cantate, musica sacra corale. Più tardi, in Inghilterra, Handel scrisse inni corali, cantate festive. I cori di chiusura nelle opere, anche gli ensemble hanno svolto un ruolo nel processo di affinamento della scrittura corale del compositore. E l'opera stessa di Händel è, in relazione al suo oratorio, il fondamento, la fonte di idee drammatiche, immagini musicali e stile.

Nel 1738, uno dopo l'altro, nacquero 2 brillanti oratori – “Saul” (settembre – 1738) e “Israele in Egitto” (ottobre – 1738) – gigantesche composizioni piene di potenza vittoriosa, maestosi inni in onore della forza dell'uomo spirito e prodezza. 1740 - un periodo brillante nel lavoro di Handel. Il capolavoro segue il capolavoro. "Messia", "Sansone", "Belshazzar", "Ercole" - ora oratori di fama mondiale - furono creati in un inedito sforzo di forze creative, in un brevissimo periodo di tempo (1741-43). Tuttavia, il successo non arriva immediatamente. L'ostilità da parte dell'aristocrazia inglese, il sabotare l'esecuzione di oratori, le difficoltà finanziarie, il lavoro oberato di lavoro portano di nuovo alla malattia. Da marzo a ottobre 1745, Händel fu in una grave depressione. E ancora una volta vince l'energia titanica del compositore. Anche la situazione politica nel Paese sta cambiando radicalmente: di fronte alla minaccia di un attacco a Londra da parte dell'esercito scozzese, si mobilita un senso di patriottismo nazionale. La grandezza eroica degli oratori di Händel risulta essere in sintonia con l'umore degli inglesi. Ispirato dalle idee di liberazione nazionale, Händel scrisse 2 grandiosi oratori: Oratorio for the Case (1746), che chiedeva la lotta contro l'invasione, e Judas Maccabee (1747), un potente inno in onore degli eroi che sconfiggono i nemici.

Handel diventa l'idolo dell'Inghilterra. Le trame bibliche e le immagini di oratori acquistano in questo momento un significato speciale di espressione generalizzata di alti principi etici, eroismo e unità nazionale. Il linguaggio degli oratori di Händel è semplice e maestoso, attira a sé, fa male al cuore e lo cura, non lascia nessuno indifferente. Gli ultimi oratori di Handel – “Theodora”, “The Choice of Hercules” (entrambi del 1750) e “Jephthae” (1751) – rivelano una tale profondità del dramma psicologico che non era disponibile per nessun altro genere musicale del tempo di Handel.

Nel 1751 il compositore divenne cieco. Sofferente, irrimediabilmente malato, Händel rimane all'organo mentre esegue i suoi oratori. Fu sepolto, come desiderava, a Westminster.

L'ammirazione per Handel è stata vissuta da tutti i compositori, sia nel XIX che nel XIX secolo. Handel idolatrava Beethoven. Nel nostro tempo, la musica di Handel, che ha un enorme potere di impatto artistico, acquisisce un nuovo significato e significato. Il suo potente pathos è in sintonia con il nostro tempo, fa appello alla forza dello spirito umano, al trionfo della ragione e della bellezza. Le celebrazioni annuali in onore di Handel si tengono in Inghilterra, Germania, attirando artisti e ascoltatori da tutto il mondo.

Y. Evdokimov

Caratteristiche della creatività

L'attività creativa di Händel fu tanto lunga quanto fruttuosa. Ha portato un numero enorme di opere di vari generi. Ecco l'opera con le sue varietà (seria, pastorale), la musica corale – profana e spirituale, numerosi oratori, musica vocale da camera e, infine, raccolte di brani strumentali: clavicembalo, organo, orchestrale.

Handel ha dedicato oltre trent'anni della sua vita all'opera. È sempre stata al centro degli interessi del compositore e lo ha attratto più di ogni altro genere musicale. Figura su larga scala, Händel comprese perfettamente il potere dell'influenza dell'opera come genere musicale e teatrale drammatico; 40 opere – questo è il risultato creativo del suo lavoro in questo settore.

Handel non era un riformatore dell'opera seria. Quello che cercava era la ricerca di una direzione che poi portasse nella seconda metà del XIX secolo alle opere di Gluck. Tuttavia, in un genere che già in gran parte non soddisfa le esigenze moderne, Händel è riuscito a incarnare ideali elevati. Prima di rivelare l'idea etica nei poemi epici popolari degli oratori biblici, ha mostrato la bellezza dei sentimenti e delle azioni umane nelle opere.

Per rendere la sua arte accessibile e comprensibile, l'artista ha dovuto trovare altre forme e un linguaggio democratico. In determinate condizioni storiche, queste proprietà erano più inerenti all'oratorio che all'opera seria.

Il lavoro sull'oratorio significò per Handel una via d'uscita da un vicolo cieco creativo e da una crisi ideologica e artistica. Allo stesso tempo, l'oratorio, strettamente attiguo al tipo dell'opera, offriva le massime opportunità per utilizzare tutte le forme e le tecniche della scrittura operistica. Fu nel genere dell'oratorio che Handel creò opere degne del suo genio, opere veramente grandiose.

L'oratorio, a cui Händel si rivolse negli anni '30 e '40, non era un genere nuovo per lui. Le sue prime opere di oratorio risalgono al periodo del suo soggiorno ad Amburgo e in Italia; i successivi trenta furono composti durante la sua vita creativa. È vero, fino alla fine degli anni '30 Händel prestò relativamente poca attenzione all'oratorio; solo dopo aver abbandonato l'opera seria iniziò a sviluppare questo genere in modo profondo e completo. Pertanto, le opere dell'oratorio dell'ultimo periodo possono essere considerate il completamento artistico del percorso creativo di Händel. Tutto ciò che per decenni era maturato e covato nelle profondità della coscienza, che era stato parzialmente realizzato e migliorato nel processo di lavoro sull'opera e sulla musica strumentale, ha ricevuto nell'oratorio l'espressione più completa e perfetta.

L'opera italiana ha portato Handel alla padronanza dello stile vocale e di vari tipi di canto solista: recitativo espressivo, ariose e forme di canto, arie patetiche e virtuose. Passioni, inni inglesi aiutarono a sviluppare la tecnica della scrittura corale; le composizioni strumentali, e in particolare orchestrali, hanno contribuito alla capacità di utilizzare i mezzi colorati ed espressivi dell'orchestra. Pertanto, l'esperienza più ricca ha preceduto la creazione di oratori, le migliori creazioni di Händel.

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Una volta, in una conversazione con uno dei suoi ammiratori, il compositore disse: “Sarei infastidito, mio ​​signore, se dessi alle persone solo piacere. Il mio obiettivo è renderli i migliori”.

La selezione dei soggetti negli oratori avveniva nel pieno rispetto delle umane convinzioni etiche ed estetiche, con quei compiti responsabili che Handel attribuiva all'art.

Le trame per gli oratori Handel attingevano da una varietà di fonti: storiche, antiche, bibliche. La maggiore popolarità durante la sua vita e il massimo apprezzamento dopo la morte di Händel furono le sue opere successive su temi tratti dalla Bibbia: “Saulo”, “Israele in Egitto”, “Sansone”, “Messia”, “Giuda Maccabeo”.

Non si deve pensare che Handel, trascinato dal genere dell'oratorio, sia diventato un compositore religioso o ecclesiastico. Ad eccezione di alcune composizioni scritte in occasioni speciali, Handel non ha musica sacra. Scrisse oratori in termini musicali e drammatici, destinandoli al teatro e alla rappresentazione scenica. Solo su forte pressione del clero Händel abbandonò il progetto originale. Volendo sottolineare la natura secolare dei suoi oratori, iniziò ad eseguirli sul palco dei concerti e creò così una nuova tradizione di esecuzione pop e concertistica di oratori biblici.

Anche l'appello alla Bibbia, alle trame dell'Antico Testamento, non era dettato da motivi religiosi. È noto che nell'era del medioevo i movimenti sociali di massa erano spesso vestiti in veste religiosa, marciando sotto il segno della lotta per le verità ecclesiastiche. I classici del marxismo danno a questo fenomeno una spiegazione esaustiva: nel medioevo «i sentimenti delle masse si nutrivano esclusivamente di cibo religioso; pertanto, per provocare un movimento tempestoso, era necessario presentare loro gli interessi propri di queste masse in abiti religiosi ”(Marx K., Engels F. Soch., 2a ed., vol. 21, p. 314. ).

Dalla Riforma, e poi dalla rivoluzione inglese del XIX secolo, procedendo sotto vessilli religiosi, la Bibbia è diventata quasi il libro più popolare venerato in qualsiasi famiglia inglese. Le tradizioni e le storie bibliche sugli eroi dell'antica storia ebraica erano abitualmente associate agli eventi della storia del proprio paese e del proprio popolo e gli "abiti religiosi" non nascondevano gli interessi, i bisogni e i desideri reali delle persone.

L'uso delle storie bibliche come trame per la musica profana non solo ha ampliato la gamma di queste trame, ma ha anche posto nuove esigenze, incomparabilmente più serie e responsabili, e ha dato all'argomento un nuovo significato sociale. Nell'oratorio è stato possibile andare oltre i limiti dell'intrigo amoroso-lirico, vicende amorose standard, generalmente accettate nell'opera seria moderna. I temi biblici non consentivano l'interpretazione della frivolezza, dell'intrattenimento e della distorsione, che nelle opere serie erano soggette a miti antichi o episodi di storia antica; infine, le leggende e le immagini da tempo familiari a tutti, utilizzate come materiale per la trama, hanno permesso di avvicinare il contenuto delle opere alla comprensione di un vasto pubblico, per sottolineare la natura democratica del genere stesso.

Indicativo dell'autocoscienza civica di Händel è la direzione in cui è avvenuta la selezione dei soggetti biblici.

L'attenzione di Händel è fissata non al destino individuale dell'eroe, come nell'opera, non alle sue esperienze liriche o avventure amorose, ma alla vita delle persone, a una vita piena di pathos di lotta e di azioni patriottiche. In sostanza, le tradizioni bibliche servivano come forma condizionale in cui era possibile glorificare in immagini maestose la meravigliosa sensazione di libertà, il desiderio di indipendenza e glorificare le azioni altruistiche degli eroi popolari. Sono queste idee che costituiscono il vero contenuto degli oratori di Händel; così furono percepiti dai contemporanei del compositore, furono compresi anche dai musicisti più avanzati delle altre generazioni.

VV Stasov scrive in una delle sue recensioni: “Il concerto si è concluso con il coro di Händel. Chi di noi non l'ha sognato più tardi, come una specie di colossale, sconfinato trionfo di un intero popolo? Che natura titanica era questo Handel! E ricorda che ci sono diverse dozzine di cori come questo”.

La natura epico-eroica delle immagini predeterminava le forme ei mezzi della loro incarnazione musicale. Handel padroneggiò l'abilità di un compositore d'opera a un livello elevato e fece di tutte le conquiste della musica d'opera la proprietà di un oratorio. Ma a differenza dell'opera seria, con la sua dipendenza dal canto solista e la posizione dominante dell'aria, il coro si è rivelato il fulcro dell'oratorio come forma per trasmettere i pensieri e i sentimenti delle persone. Sono i cori che conferiscono agli oratori di Händel un aspetto maestoso e monumentale, contribuendo, come scrisse Čajkovskij, "all'effetto travolgente di forza e potenza".

Padroneggiando la tecnica virtuosa della scrittura corale, Handel ottiene una varietà di effetti sonori. Liberamente e con flessibilità, usa i cori nelle situazioni più contrastanti: quando esprime dolore e gioia, entusiasmo eroico, rabbia e indignazione, quando raffigura un luminoso idillio pastorale e rurale. Ora porta il suono del coro a una potenza grandiosa, poi lo riduce a un pianissimo trasparente; a volte Handel scrive cori in un ricco magazzino di accordi armonici, combinando le voci in una massa densa e compatta; le ricche possibilità della polifonia servono come mezzo per migliorare il movimento e l'efficacia. Gli episodi polifonici e accordiali seguono alternativamente, oppure entrambi i principi – polifonico e cordale – sono combinati.

Secondo PI Ciajkovskij, “Handel era un maestro inimitabile della capacità di gestire le voci. Senza forzare affatto i mezzi vocali corali, senza mai andare oltre i limiti naturali dei registri vocali, ha estratto dal coro effetti di massa così eccellenti che altri compositori non hanno mai ottenuto…”.

I cori negli oratori di Handel sono sempre una forza attiva che dirige lo sviluppo musicale e drammatico. Pertanto, i compiti compositivi e drammatici del coro sono eccezionalmente importanti e vari. Negli oratori, dove il personaggio principale è il popolo, aumenta soprattutto l'importanza del coro. Questo può essere visto nell'esempio dell'epopea corale "Israele in Egitto". In Sansone, le parti dei singoli eroi e persone, cioè arie, duetti e cori, sono distribuite in modo uniforme e si completano l'una con l'altra. Se nell'oratorio "Samson" il coro trasmette solo i sentimenti o gli stati dei popoli in guerra, allora in "Judas Maccabee" il coro svolge un ruolo più attivo, partecipando direttamente agli eventi drammatici.

Il dramma e il suo sviluppo nell'oratorio sono conosciuti solo attraverso mezzi musicali. Come dice Romain Rolland, nell'oratorio "la musica funge da propria decorazione". Come per sopperire alla mancanza di decoro decorativo e di rappresentazione teatrale dell'azione, all'orchestra vengono assegnate nuove funzioni: dipingere con i suoni ciò che sta accadendo, l'ambiente in cui si svolgono gli eventi.

Come nell'opera, la forma del canto solista nell'oratorio è l'aria. Tutta la varietà di tipi e tipi di arie che si sono sviluppate nel lavoro delle varie scuole d'opera, Handel trasferisce all'oratorio: grandi arie di carattere eroico, arie drammatiche e lugubri, vicine al lamento operistico, brillante e virtuosismo, in cui il la voce compete liberamente con lo strumento solista, pastorale con colore chiaro trasparente, infine, costruzioni di canto come l'arietta. C'è anche una nuova varietà di canto solista, che appartiene a Handel, un'aria con un coro.

L'aria da capo predominante non esclude molte altre forme: qui c'è un dispiegamento libero del materiale senza ripetizione, e un'aria in due parti con una giustapposizione contrastante di due immagini musicali.

In Handel l'aria è inseparabile dall'insieme compositivo; è una parte importante della linea generale di sviluppo musicale e drammatico.

Utilizzando negli oratori i contorni esterni delle arie d'opera e persino le tecniche tipiche dello stile vocale operistico, Handel attribuisce al contenuto di ogni aria un carattere individuale; subordinando le forme operistiche del canto solistico a uno specifico disegno artistico e poetico, evita lo schematismo delle opere seria.

La scrittura musicale di Händel è caratterizzata da un vivido rigonfiamento di immagini, che ottiene grazie ai dettagli psicologici. A differenza di Bach, Handel non aspira all'introspezione filosofica, alla trasmissione di sottili sfumature di pensiero o di sentimenti lirici. Come scrive la musicologa sovietica TN Livanova, la musica di Händel trasmette "sentimenti grandi, semplici e forti: il desiderio di vincere e la gioia della vittoria, la glorificazione dell'eroe e il luminoso dolore per la sua gloriosa morte, la beatitudine della pace e della tranquillità dopo il duro battaglie, la beata poesia della natura”.

Le immagini musicali di Händel sono per lo più scritte in “grandi tratti” con contrasti nettamente enfatizzati; i ritmi elementari, la chiarezza dello schema melodico e l'armonia conferiscono loro un rilievo scultoreo, la luminosità della pittura di poster. La severità del modello melodico, il contorno convesso delle immagini musicali di Händel furono successivamente percepite da Gluck. Il prototipo di molte delle arie e dei ritornelli delle opere di Gluck si trova negli oratori di Handel.

Temi eroici, monumentalità delle forme si combinano in Handel con la massima chiarezza del linguaggio musicale, con la più rigorosa economia di fondi. Beethoven, studiando gli oratori di Händel, disse con entusiasmo: "Ecco chi devi imparare da mezzi modesti per ottenere effetti sorprendenti". La capacità di Händel di esprimere pensieri grandi e nobili con severa semplicità è stata notata da Serov. Dopo aver ascoltato il coro di "Judas Maccabee" in uno dei concerti, Serov ha scritto: "Quanto sono lontani i compositori moderni da tale semplicità di pensiero. Tuttavia, è vero che questa semplicità, come abbiamo già detto in occasione della Pastoral Symphony, si trova solo in geni di prima grandezza, che, senza dubbio, fu Handel.

V. Galatskaja

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