Lev Nikolaevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Ci sono città con meriti speciali davanti al mondo musicale, ad esempio Odessa. Quanti nomi brillanti hanno donato al palco dei concerti negli anni prebellici. Tbilisi, la città natale di Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze e numerosi altri musicisti di spicco, ha qualcosa di cui essere orgogliosi. Anche Lev Nikolaevich Vlasenko ha iniziato il suo percorso artistico nella capitale della Georgia, una città di lunghe e ricche tradizioni artistiche.

Come spesso accade con i futuri musicisti, la sua prima insegnante è stata sua madre, che una volta ha insegnato da sola al dipartimento di pianoforte del Conservatorio di Tbilisi. Dopo qualche tempo, Vlasenko va dalla famosa insegnante georgiana Anastasia Davidovna Virsaladze, si diploma, studia nella sua classe, una scuola di musica decennale, poi il primo anno del conservatorio. E, seguendo la strada di tanti talenti, si trasferisce a Mosca. Dal 1948 è stato tra gli studenti di Yakov Vladimirovich Flier.

Questi anni non sono facili per lui. È studente di due istituti di istruzione superiore contemporaneamente: oltre al conservatorio, Vlasenko studia (e completa con successo i suoi studi a tempo debito) presso l'Istituto di lingue straniere; Il pianista parla fluentemente inglese, francese, italiano. Eppure il giovane ha abbastanza energia e forza per tutto. Al conservatorio si esibisce sempre più alle feste studentesche, il suo nome diventa noto negli ambienti musicali. Tuttavia, ci si aspetta di più da lui. Infatti, nel 1956 Vlasenko vinse il primo premio al Concorso Liszt di Budapest.

Due anni dopo, partecipa nuovamente al concorso per musicisti. Questa volta, nella sua casa di Mosca, al Primo Concorso Internazionale Čajkovskij, il pianista vinse il secondo premio, lasciando dietro di sé solo Van Cliburn, allora nel pieno del suo enorme talento.

Vlasenko dice: “Poco dopo essermi diplomato al conservatorio, sono stato arruolato nei ranghi dell'esercito sovietico. Per circa un anno non ho toccato lo strumento: ho vissuto con pensieri, azioni, preoccupazioni completamente diversi. E, naturalmente, piuttosto nostalgico per la musica. Quando sono stato smobilitato, mi sono messo al lavoro con un'energia triplicata. Apparentemente, nella mia recitazione c'era allora una sorta di freschezza emotiva, forza artistica non spesa, sete di creatività scenica. Aiuta sempre sul palco: ha aiutato anche me in quel momento.

Il pianista racconta che gli veniva posta la domanda: in quale dei test – a Budapest oa Mosca – ha avuto più difficoltà? “Certo, a Mosca”, ha risposto in questi casi, “Il Concorso Čajkovskij, al quale mi sono esibito, si è tenuto per la prima volta nel nostro paese. Per la prima volta – questo dice tutto. Ha suscitato grande interesse: ha riunito nella giuria i musicisti più importanti, sia sovietici che stranieri, ha attirato il pubblico più vasto, è entrato al centro dell'attenzione di radio, televisione e stampa. È stato estremamente difficile e responsabile suonare in questa competizione: ogni ingresso al pianoforte valeva molta tensione nervosa … "

Le vittorie in rinomati concorsi musicali - e l '"oro" vinto da Vlasenko a Budapest, e il suo "argento" vinto a Mosca sono stati considerati vittorie importanti - gli hanno aperto le porte del grande palcoscenico. Diventa un concertista professionista. Le sue esibizioni sia in patria che in altri paesi attirano numerosi ascoltatori. A lui, tuttavia, non vengono dati solo segni di attenzione come musicista, proprietario di preziose insegne di laureati. L'atteggiamento nei suoi confronti fin dall'inizio è determinato in modo diverso.

Ci sono sulla scena, come nella vita, nature che godono di una simpatia universale: diretta, aperta, sincera. Vlasenko come artista tra loro. Gli credi sempre: se è appassionato di interpretare un'opera, è così veramente appassionato, eccitato - così eccitato; se no, non può nasconderlo. La cosiddetta arte della performance non è il suo dominio. Non agisce e non dissimula; il suo motto potrebbe essere: “Dico quello che penso, esprimo quello che sento”. Hemingway ha parole meravigliose con cui caratterizza uno dei suoi eroi: “Era veramente, umanamente bello dall'interno: il suo sorriso veniva dal cuore stesso o da quella che si chiama l'anima di una persona, e poi veniva allegramente e apertamente al superficie, cioè illuminava il volto” (Hemingway E. Al di là del fiume, all'ombra degli alberi. – M., 1961. S. 47.). Ascoltando Vlasenko nei suoi momenti migliori, capita di ricordare queste parole.

E un'altra cosa impressiona il pubblico quando incontra un pianista: il suo palco socievolezza. Sono pochi quelli che si chiudono sul palco, si chiudono in se stessi per l'eccitazione? Altri sono freddi, frenati per natura, questo si fa sentire nella loro arte: loro, secondo un'espressione comune, sono poco “socievoli”, tengono l'ascoltatore come a distanza da se stessi. Con Vlasenko, per le peculiarità del suo talento (sia artistico che umano), è facile, come da sé, stabilire un contatto con il pubblico. Le persone che lo ascoltano per la prima volta a volte esprimono sorpresa: l'impressione è che lo conoscano da tempo e bene come artista.

Coloro che conoscevano da vicino l'insegnante di Vlasenko, il professor Yakov Vladimirovich Flier, sostengono che avevano molto in comune: un brillante temperamento pop, generosità di sfoghi emotivi, un modo di suonare audace e travolgente. Lo era davvero. Non è un caso che, arrivato a Mosca, Vlasenko sia diventato uno studente di Flier, e uno degli studenti più vicini; in seguito la loro relazione si trasformò in amicizia. Tuttavia, la parentela delle nature creative dei due musicisti era evidente anche dal loro repertorio.

I veterani delle sale da concerto ricordano bene come un tempo Flier brillava nei programmi di Liszt; c'è uno schema nel fatto che Vlasenko abbia debuttato anche con le opere di Liszt (concorso nel 1956 a Budapest).

“Amo questo autore”, dice Lev Nikolaevich, “la sua orgogliosa posa artistica, il nobile pathos, la spettacolare toga del romanticismo, lo stile di espressione oratorio. Avvenne così che nella musica di Liszt riuscivo sempre facilmente a ritrovarmi… Ricordo che fin da giovane la suonavo con particolare piacere.

Vlasenko, però, non solo iniziato da Liszt fino al grande palco dei concerti. E oggi, molti anni dopo, le opere di questo compositore sono al centro dei suoi programmi: da studi, rapsodie, trascrizioni, brani del ciclo "Anni di peregrinazioni" a sonate e altre opere di grande formato. Quindi, un evento notevole nella vita filarmonica di Mosca nella stagione 1986/1987 fu l'esecuzione di Vlasenko di entrambi i concerti per pianoforte, "Danza della morte" e "Fantasia su temi ungheresi" di Liszt; accompagnato da un'orchestra diretta da M. Pletnev. (Questa serata è stata dedicata al 175° anniversario della nascita del compositore.) Il successo di pubblico è stato veramente grande. E non c'è da stupirsi. Brillante bravura pianistica, esaltazione generale del tono, "discorso" ad alto volume sul palco, affresco, stile di esecuzione potente: tutto questo è il vero elemento di Vlasenko. Qui il pianista appare dal lato più vantaggioso per se stesso.

C'è un altro autore che non è meno vicino a Vlasenko, così come lo stesso autore era vicino al suo insegnante, Rachmaninov. Sui poster di Vlasenko puoi vedere concerti per pianoforte, preludi e altri brani di Rachmaninoff. Quando un pianista è "a tempo", è davvero bravo in questo repertorio: inonda il pubblico con un'ampia marea di sentimenti, "travolge", come ha detto uno dei critici, con passioni acute e forti. Possiede magistralmente Vlasenko e spessi timbri "violoncello" che giocano un ruolo così importante nella musica per pianoforte di Rachmaninov. Ha mani pesanti e morbide: la pittura sonora con “olio” è più vicina alla sua natura della “grafica” sonora arida; – si potrebbe dire, seguendo l'analogia iniziata con la pittura, che gli è più conveniente un pennello largo che una matita appuntita. Ma, probabilmente, la cosa principale in Vlasenko, dal momento che parliamo delle sue interpretazioni delle commedie di Rachmaninov, è che lui in grado di abbracciare la forma musicale nel suo insieme. Abbracciarsi liberamente e con naturalezza, senza farsi distrarre, magari, da qualche piccola cosa; questo è esattamente il modo in cui, tra l'altro, si sono esibiti Rachmaninov e Flier.

Infine c'è il compositore, che, secondo Vlasenko, negli anni gli è diventato quasi il più vicino. Questo è Beethoven. In effetti, le sonate di Beethoven, principalmente Patetica, Lunare, Seconda, Diciassettesima, Appassionata, Bagatelle, cicli di variazione, Fantasia (Op. 77), hanno costituito la base del repertorio di Vlasenko degli anni Settanta e Ottanta. Un dettaglio interessante: non riferendosi a se stesso come uno specialista in lunghe conversazioni sulla musica - a coloro che sanno come e amano interpretarlo a parole, Vlasenko, tuttavia, ha parlato più volte con storie su Beethoven alla televisione centrale.

"Con l'età, trovo in questo compositore sempre più attraente per me", dice il pianista. "Per molto tempo ho avuto un sogno: suonare un ciclo di cinque dei suoi concerti per pianoforte". Lev Nikolaevich ha realizzato questo sogno, e in modo eccellente, in una delle ultime stagioni.

Ovviamente Vlasenko, come dovrebbe fare un artista ospite professionista, si rivolge a un'ampia varietà di musica. Il suo arsenale esecutivo comprende Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Ciajkovskij, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich... Tuttavia, il suo successo in questo repertorio, dove qualcosa gli è più vicino e qualcosa di più, non è lo stesso, non è sempre stabile e Anche. Tuttavia, non bisogna sorprendersi: Vlasenko ha uno stile di esecuzione abbastanza definito, la cui base è un virtuosismo ampio e travolgente; suona davvero come un uomo: forte, chiaro e semplice. Da qualche parte convince, e completamente, da qualche parte non del tutto. Non è un caso che se dai un'occhiata più da vicino ai programmi di Vlasenko, noterai che si avvicina a Chopin con cautela...

Parlando di thо eseguito dall'artista, è impossibile non notare il maggior successo nei suoi programmi degli ultimi anni. Ecco la sonata in si minore di Liszt e gli studi-dipinti di Rachmaninov, la terza sonata di Scriabin e la sonata di Ginastera, le immagini di Debussy e la sua isola della gioia, il rondò in mi bemolle maggiore di Hummel e il Cordova di Albeniz… Dal 1988, i poster di Vlasenko sono stati per vedere la seconda sonata di BA Arapov, da lui recentemente appreso, così come Bagatelles, op. 126 Beethoven, Preludi op. 11 e 12 Scriabin (anche nuove opere). Nelle interpretazioni di queste e di altre opere, forse, sono particolarmente evidenti i tratti dello stile moderno di Vlasenko: la maturità e la profondità del pensiero artistico, unite a un sentimento musicale vivo e forte che non si è affievolito nel tempo.

Dal 1952 Lev Nikolaevich insegna. Dapprima alla Moscow Choir School, poi alla Gnessin School. Dal 1957 è tra i docenti del Conservatorio di Mosca; nella sua classe, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko e altri pianisti hanno ricevuto un biglietto per la vita scenica. M. Pletnev ha studiato con Vlasenko per diversi anni – nel suo ultimo anno al conservatorio e come assistente tirocinante. Forse queste erano le pagine più luminose ed emozionanti della biografia pedagogica di Lev Nikolaevich …

Insegnare significa rispondere costantemente ad alcune domande, risolvere numerosi e inaspettati problemi che la vita, la pratica educativa e la gioventù studentesca pongono. Cosa, ad esempio, dovrebbe essere preso in considerazione quando si seleziona un repertorio educativo e pedagogico? Come costruisci i rapporti con gli studenti? come condurre una lezione in modo che sia il più efficace possibile? Ma forse la più grande ansia nasce per qualsiasi insegnante di conservatorio in relazione alle esibizioni pubbliche dei suoi allievi. E gli stessi giovani musicisti cercano con insistenza una risposta dai professori: cosa serve per il successo sul palco? è possibile in qualche modo prepararlo, "fornirlo"? Allo stesso tempo, verità ovvie – come il fatto che, dicono, il programma deve essere sufficientemente appreso, tecnicamente “fatto”, e che “tutto deve funzionare e venire fuori” – poche persone possono essere soddisfatte. Vlasenko sa che in questi casi si può dire qualcosa di veramente utile e necessario solo sulla base della propria esperienza. Solo se inizi dall'esperienza e dall'esperienza da lui. In realtà, questo è esattamente ciò che si aspettano da lui coloro a cui insegna. "L'arte è l'esperienza della vita personale, raccontata in immagini, in sensazioni", ha scritto AN Tolstoy, " esperienza personale che pretende di essere una generalizzazione» (Tolstykh VI Arte e moralità. – M., 1973. S. 265, 266.). L'arte di insegnare, ancora di più. Pertanto, Lev Nikolaevich si riferisce volentieri alla propria pratica esecutiva - sia in classe, tra studenti, sia in conversazioni e interviste pubbliche:

“Alcune cose imprevedibili e inspiegabili accadono costantemente sul palco. Ad esempio, posso arrivare in sala da concerto ben riposato, preparato per l'esibizione, fiducioso in me stesso – e il clavierabend passerà senza molto entusiasmo. E viceversa. Posso salire sul palco in uno stato tale che sembra che non sarò in grado di estrarre una sola nota dallo strumento - e il gioco improvvisamente "andrà". E tutto diventerà facile, piacevole … Qual è il problema qui? Non lo so. E probabilmente nessuno lo sa.

Sebbene ci sia qualcosa da prevedere per facilitare i primi minuti della tua permanenza sul palco – e sono i più difficili, irrequieti, inaffidabili… – penso che sia ancora possibile. Ciò che conta, ad esempio, è la costruzione stessa del programma, il suo layout. Ogni artista sa quanto sia importante, e proprio in relazione al problema del benessere del pop. In linea di principio, tendo ad iniziare un concerto con un brano in cui mi sento il più calmo e fiducioso possibile. Quando suono, cerco di ascoltare il più da vicino possibile il suono del pianoforte; adattarsi all'acustica della stanza. In breve, mi sforzo di entrare pienamente, immergermi nel processo performativo, interessarmi a quello che faccio. Questa è la cosa più importante: interessarsi, lasciarsi trasportare, concentrarsi completamente sul gioco. Quindi l'eccitazione inizia a diminuire gradualmente. O forse smetti semplicemente di notarlo. Da qui è già un passo verso lo stato creativo richiesto.

Vlasenko attribuisce grande importanza a tutto ciò che in un modo o nell'altro precede un discorso pubblico. “Ricordo che una volta stavo parlando di questo argomento con la meravigliosa pianista ungherese Annie Fischer. Ha una routine speciale il giorno del concerto. Non mangia quasi niente. Un uovo sodo senza sale, e basta. Questo la aiuta a trovare sul palco lo stato psico-fisiologico necessario: nervosamente ottimista, gioiosamente eccitata, forse anche un po' esaltata. Appare quella speciale sottigliezza e nitidezza dei sentimenti, che è assolutamente necessaria per un concertista.

Tutto questo, tra l'altro, è facilmente spiegabile. Se una persona è piena, di solito tende a cadere in uno stato compiacentemente rilassato, non è vero? Di per sé può essere sia piacevole che “comodo”, ma non è molto adatto per esibirsi davanti a un pubblico. Perché solo uno che è internamente elettrizzato, che ha tutte le sue corde spirituali che vibrano tese, può evocare una risposta dal pubblico, spingerlo all'empatia...

Pertanto, a volte accade la stessa cosa, come ho già detto sopra. Sembrerebbe che tutto favorisca una performance di successo: l'artista si sente bene, è internamente calmo, equilibrato, quasi fiducioso nelle proprie capacità. E il concerto è incolore. Non c'è corrente emotiva. E anche il feedback degli ascoltatori, ovviamente...

Insomma, è necessario eseguire il debug, riflettere sulla routine quotidiana alla vigilia dello spettacolo - in particolare, la dieta - è necessario.

Ma, ovviamente, questo è solo un aspetto della questione. Piuttosto esterno. In linea di massima, tutta la vita di un artista – idealmente – dovrebbe essere tale da essere sempre, in ogni momento, pronto a rispondere con la sua anima al sublime, spiritualizzato, poeticamente bello. Probabilmente, non c'è bisogno di dimostrare che una persona interessata all'arte, appassionata di letteratura, poesia, pittura, teatro, sia molto più disposta a sentimenti elevati di una persona media, i cui interessi sono tutti concentrati nella sfera dell'ordinario, materiale, quotidiano.

I giovani artisti spesso sentono prima delle loro esibizioni: “Non pensare al pubblico! Interferisce! Pensa sul palco solo a quello che stai facendo tu stesso…”. Vlasenko dice al riguardo: "È facile consigliare …". Egli è ben consapevole della complessità, ambiguità, dualità di questa situazione:

“C'è un pubblico per me personalmente durante una performance? La noto? Sì e no. Da un lato, quando entri completamente nel processo di esecuzione, è come se non pensassi al pubblico. Ti dimentichi completamente di tutto tranne quello che fai alla tastiera. Eppure… Ogni concertista ha un certo sesto senso – “un senso del pubblico”, direi. E quindi, la reazione di chi è in sala, l'atteggiamento delle persone nei tuoi confronti e il tuo gioco, la senti costantemente.

Sai cosa è più importante per me durante un concerto? E il più rivelatore? Silenzio. Perché tutto può essere organizzato: sia la pubblicità, sia l'occupazione dei locali, e applausi, fiori, congratulazioni e chi più ne ha più ne metta, tutto tranne il silenzio. Se la sala si è congelata, ha trattenuto il respiro, significa che qualcosa sta realmente accadendo sul palco, qualcosa di significativo, eccitante...

Quando durante il gioco sento di aver catturato l'attenzione del pubblico, mi dà un'enorme esplosione di energia. Serve come una specie di droga. Tali momenti sono una grande felicità per l'esecutore, l'ultimo dei suoi sogni. Tuttavia, come ogni grande gioia, questo accade di rado.

Succede che a Lev Nikolayevich venga chiesto: crede nell'ispirazione scenica? certo, la stessa parola "ispirazione" » completamente consumata, stampata, consumata dall'uso frequente. Con tutto ciò, credetemi, ogni artista è pronto quasi a pregare per l'ispirazione. La sensazione qui è unica: come se tu fossi l'autore della musica che viene eseguita; come se tutto in esso fosse stato creato da te stesso. E quante cose nuove, inaspettate, di vero successo nascono in questi momenti sul palco! E letteralmente in ogni cosa – nella colorazione del suono, nel fraseggio, nelle sfumature ritmiche, ecc.

Dirò questo: è del tutto possibile tenere un buon concerto professionalmente solido anche in assenza di ispirazione. Ci sono un numero qualsiasi di tali casi. Ma se l'ispirazione arriva all'artista, il concerto può diventare indimenticabile…”

Come sai, non ci sono modi affidabili per evocare l'ispirazione sul palco. Ma è possibile creare condizioni che, in ogni caso, gli sarebbero favorevoli, preparerebbero il terreno appropriato, ritiene Lev Nikolayevich.

“Prima di tutto, qui è importante una sfumatura psicologica. Devi sapere e credere: quello che puoi fare sul palco, nessun altro lo farà. Che non sia così dappertutto, ma solo in un certo repertorio, nelle opere di uno o due o tre autori – non importa, non è questo il punto. La cosa principale, ripeto, è la sensazione stessa: il modo in cui giochi, l'altro non giocherà. Lui, questo immaginario “altro”, può avere una tecnica più forte, un repertorio più ricco, un'esperienza più ampia – qualsiasi cosa. Ma lui, però, non canterà la frase come fai tu, non troverà una sfumatura sonora così interessante e sottile...

La sensazione di cui sto parlando ora deve essere familiare a un concertista. Ispira, solleva, aiuta nei momenti difficili sul palco.

Penso spesso al mio insegnante Yakov Vladimirovich Flier. Ha sempre cercato di rallegrare gli studenti, facendoli credere in se stessi. Nei momenti di dubbio, quando non tutto andava bene con noi, in qualche modo infondeva buon umore, ottimismo e buon umore creativo. E questo ha portato a noi, allievi della sua classe, un indubbio vantaggio.

Penso che quasi ogni artista che si esibisce su un grande palco da concerto sia convinto nel profondo della sua anima di suonare un po' meglio degli altri. O, comunque, forse sa giocare meglio... E non c'è da biasimare nessuno per questo, c'è un motivo per questo autoadattamento.

… Nel 1988 si è svolto a Santander (Spagna) un grande festival musicale internazionale. Ha attirato l'attenzione speciale del pubblico - tra i partecipanti c'erano I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy e altri importanti artisti europei e d'oltremare. I concerti di Lev Nikolaevich Vlasenko si sono svolti con vero successo nell'ambito di questo festival musicale. I critici hanno parlato con ammirazione del suo talento, abilità, della sua felice capacità di "lasciarsi trasportare e affascinare …". Le esibizioni in Spagna, come le altre tournée di Vlasenko nella seconda metà degli anni Ottanta, hanno confermato in modo convincente che l'interesse per la sua arte non si era attenuato. È ancora in un posto di rilievo nella vita concertistica moderna, sovietica e straniera. Ma mantenere questo posto è molto più difficile che conquistarlo.

G. Cypin, 1990