Concerto |
Konzert tedesco, dall'italiano. concerto – concerto, lett. – concorso (voti), dal lat. concerto – gareggiare
Un'opera per molti interpreti, in cui una piccola parte degli strumenti o delle voci partecipanti si oppone alla maggior parte di essi o all'intero ensemble, distinguendosi per tematica. sollievo della musica. suono materiale, colorato, utilizzando tutte le possibilità di strumenti o voci. Dalla fine del 18° secolo i più diffusi sono i concerti per uno strumento solista con orchestra; i concerti per diversi strumenti con un'orchestra sono meno comuni: "doppio", "triplo", "quadruplo" (tedesco: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Le varietà speciali sono k. per uno strumento (senza orchestra), k. per orchestra (senza parti soliste rigorosamente definite), k. per voce (voci) con orchestra, k. per coro a cappella. In passato la musica vocale-polifonica era ampiamente rappresentata. K. e concerto grosso. Prerequisiti importanti per l'emergere di K. erano il multi-coro e il confronto di cori, solisti e strumenti, che furono inizialmente ampiamente utilizzati dai rappresentanti della scuola veneta, l'assegnazione di wok.-instr. composizioni di parti soliste di voci e strumenti. Il primo k. sorse in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. wok. chiesa polifonica. musica (Concerti ecclesiastici per doppio coro A. Banchieri, 16; Mottetti per canto a 17-1595 voci con contrabbasso digitale “Cento concerti ecclesiastici” di L. Viadana, 1-4). In tali concerti, varie composizioni – da grandi, tra cui numerose. wok. e str. parti, fino a numerare solo pochi wok. partiti e la parte del basso generale. Insieme al nome concerto, composizioni dello stesso tipo portavano spesso i nomi motetti, motectae, cantios sacrae e altri. La fase più alta nello sviluppo della chiesa wok. K. polifonico. lo stile rappresenta emerso nel 1602° piano. Cantate del 11° secolo di JS Bach, a cui lui stesso chiamava concerti.
Il genere K. ha trovato ampia applicazione in russo. musica sacra (dalla fine del XVII secolo) – nelle opere polifoniche per coro a cappella, legate al campo del canto in partes. La teoria della "creazione" di tali cristalli è stata sviluppata da NP Diletsky. Rus. I compositori hanno sviluppato notevolmente la tecnica polifonica delle campane delle chiese (funziona per 17, 4, 6, 8 o più voci, fino a 12 voci). Nella biblioteca del Coro sinodale di Mosca c'erano fino a 24 K. dei secoli XVII-XVIII, scritti da V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin e altri. Lo sviluppo del concerto in chiesa continuò alla fine del 500° secolo. MS Berezovsky e DS Bortnyansky, nel cui lavoro prevale lo stile melodico-arioso.
Nel XVII secolo, originario dell'Italia, penetra il principio della “competizione”, “competizione” di più voci soliste (“concerto”) instr. musica – nella suite e in chiesa. sonata, preparando l'apparizione del genere del cinema strumentale (Balletto concertata P. Melli, 17; Sonata concertata D. Castello, 1616). La contrapposizione ("concorso") dell'orchestra (tutti) e dei solisti (solo) o del gruppo di strumenti solisti e dell'orchestra (nel concerto grosso) è alla base di quelli emersi alla fine del XVII secolo. i primi esempi di K. strumentale (Concerti da camera a 1629 con il cembalo G. Bononcini, 17; Concerto da camera a 3 violini e Basso continuo G. Torelli, 1685). Tuttavia, i concerti di Bononchini e Torelli erano solo una forma di transizione dalla sonata alla K., che in realtà si sviluppò al 2° piano. Settecento nell'opera di A. Vivaldi. K. di questo tempo era una composizione in tre parti con due parti estreme veloci e una parte centrale lenta. Le parti veloci erano generalmente basate su un tema (raramente su 1686 argomenti); questo tema è stato eseguito nell'orchestra immutato come un ritornello-ritornello (un allegro monotemico di tipo rondal). Vivaldi ha creato sia concerti grossi che concerti solisti per violino, violoncello, viola d'amore e vari spiriti. Strumenti. La parte dello strumento solista nei concerti solistici all'inizio svolgeva principalmente funzioni vincolanti, ma con l'evoluzione del genere acquisì un carattere concertistico e tematico sempre più pronunciato. indipendenza. Lo sviluppo della musica si basava sull'opposizione di tutti e solo, i cui contrasti erano enfatizzati dalla dinamica. significa. Prevaleva la trama figurativa del movimento fluido di un magazzino puramente omofonico o polifonico. I concerti del solista, di regola, avevano carattere di virtuosismo ornamentale. La parte centrale è stata scritta nello stile ariose (di solito l'aria patetica del solista contro l'accompagnamento cordale dell'orchestra). Questo tipo di K. ricevuto al 1° piano. Distribuzione generale del XVIII secolo. A lui appartengono anche i concerti per clavicembalo creati da JS Bach (alcuni di essi sono arrangiamenti dei suoi concerti per violino e concerti per violino di Vivaldi per 18, 2 e 1 clavicembali). Queste opere di JS Bach, così come K. per clavicembalo e orchestra di GF Handel, segnarono l'inizio dello sviluppo del pianoforte. concerto. Handel è anche l'antenato dell'organo k. Come strumenti solisti, oltre al violino e al clavicembalo, venivano utilizzati il violoncello, la viol d'amour, l'oboe (che spesso serviva come sostituto del violino), la tromba, il fagotto, il flauto traverso, ecc.
Al 2° piano. Il 18° secolo formò un classico, un tipo di k. strumentale solista, chiaramente cristallizzato nei classici viennesi.
In K. fu stabilita la forma della sonata-sinfonia. ciclo, ma in una peculiare rifrazione. Il ciclo dei concerti, di regola, era composto da sole 3 parti; mancava la 3a parte di un ciclo completo di quattro movimenti, cioè il minuetto o (più tardi) scherzo (più tardi, lo scherzo è talvolta incluso in K. – invece della parte lenta, come, ad esempio, nel 1a K. per violino e orchestra di Prokofiev, o come parte di un ciclo completo di quattro movimenti, come, ad esempio, nei concerti per pianoforte e orchestra di A. Litolf, I. Brahms, nella 1a K. per violino e orchestra Shostakovich). Alcune caratteristiche sono state stabilite anche nella costruzione delle singole parti di K. Nella prima parte è stato applicato il principio della doppia esposizione: all'inizio i temi delle parti principali e laterali suonavano nell'orchestra nella parte principale. chiavi, e solo dopo che nella 1a esposizione sono stati presentati con il ruolo principale del solista – il tema principale nello stesso principale. tonalità, e quella laterale – in un'altra, corrispondente allo schema della sonata allegro. Il confronto, la competizione tra il solista e l'orchestra è avvenuta principalmente in fase di sviluppo. Rispetto ai campioni preclassici, il principio stesso dell'esecuzione da concerto è cambiato in modo significativo, un taglio è diventato più strettamente connesso alla tematica. sviluppo. K. prevedeva l'improvvisazione del solista sui temi della composizione, il cosiddetto. cadenza, che si trovava al passaggio al codice. In Mozart la trama di K., rimanendo prevalentemente figurativa, è melodica, trasparente, plastica, in Beethoven è carica di tensione secondo la drammatizzazione generale dello stile. Sia Mozart che Beethoven evitano qualsiasi cliché nella costruzione dei loro dipinti, deviando spesso dal principio della doppia esposizione sopra descritto. I concerti di Mozart e Beethoven costituiscono le vette più alte nello sviluppo di questo genere.
Nell'era del romanticismo, c'è un allontanamento dal classico. il rapporto delle parti in k. I romantici hanno creato una parte k. di due tipi: una forma piccola – la cosiddetta. un pezzo da concerto (in seguito chiamato anche concertino) e una grande forma, corrispondente nella costruzione a un poema sinfonico, in una parte traducendo le caratteristiche di un ciclo sonata-sinfonico in quattro parti. Nella classica intonazione e tematica K.. le connessioni tra le parti, di regola, erano assenti, nel romantico. K. il monotematismo, le connessioni leitmotiv, il principio di "attraverso lo sviluppo" hanno acquisito il significato più importante. Vividi esempi di romanticismo. poetico in una parte K. è stato creato da F. Liszt. Romantico. reclamo al 1° piano. Nell'Ottocento si sviluppò un particolare tipo di virtuosismo colorato e decorativo, che divenne uno stilemi dell'intera corrente del romanticismo (N. Paganini, F. Liszt e altri).
Dopo Beethoven, c'erano due varietà (due tipi) di K.: "virtuoso" e "sinfonico". Nel virtuoso K. instr. il virtuosismo e l'esecuzione concertistica sono alla base dello sviluppo della musica; sul 1° piano non è tematico. sviluppo, e il principio di contrasto tra cantilena e motilità, decomp. tipi di trama, timbri, ecc. In molti virtuosi K. tematici. lo sviluppo è del tutto assente (concerti per violino di Viotti, concerti per violoncello di Romberg) o occupa una posizione subordinata (1a parte del 1° concerto per violino e orchestra di Paganini). Nella K. sinfonica, lo sviluppo della musica si basa sulla sinfonia. drammaturgia, principi tematici. sviluppo, sull'opposizione figurativamente-tematica. sfere. L'introduzione della drammaturgia simbolica in K. è dovuta alla sua convergenza con la sinfonia in senso figurativo, artistico, ideologico (concerti di I. Brahms). Entrambi i tipi di K. differiscono nella drammaturgia. componenti delle funzioni principali: il virtuoso K. è caratterizzato dalla completa egemonia del solista e dal ruolo subordinato (di accompagnamento) dell'orchestra; per K. sinfonico – drammaturgia. l'attività dell'orchestra (lo sviluppo del materiale tematico è svolto congiuntamente dal solista e dall'orchestra), portando ad una relativa uguaglianza tra la parte del solista e l'orchestra. In K. sinfonico il virtuosismo è diventato un mezzo di dramma. sviluppo. La sinfonia abbracciava in esso anche un elemento virtuoso specifico del genere come la cadenza. Se nel virtuoso K. la cadenza doveva mostrare tecnica. l'abilità del solista, nella sinfonia si unì allo sviluppo generale della musica. Fin dai tempi di Beethoven, gli stessi compositori iniziarono a scrivere cadenze; nel 5°p. La cadenza del concerto di Beethoven diventa organica. parte della forma del lavoro.
Una chiara distinzione tra virtuosistico e sinfonico k. non è sempre possibile. Si è diffuso il tipo K., in cui le qualità concertistiche e sinfoniche sono in stretta unità. Ad esempio, nei concerti di F. Liszt, PI Tchaikovsky, AK Glazunov, SV Rachmaninov sinfonico. la drammaturgia si unisce al brillante carattere virtuoso della parte solista. Nel 20° secolo il predominio dell'esecuzione concertistica virtuosa è tipico dei concerti di SS Prokofiev, B. Bartok, il predominio del sinfonico. qualità si osservano, ad esempio, nel 1° concerto per violino di Shostakovich.
Avendo avuto un'influenza significativa sulla sinfonia, la sinfonia, a sua volta, è stata influenzata dalla sinfonia. Alla fine del 19° secolo. è emersa una speciale varietà di sinfonie da "concerto", presentata dall'opera. R. Strauss ("Don Chisciotte"), NA Rimsky-Korsakov ("Capriccio spagnolo"). Nel 20° secolo sono apparsi anche parecchi concerti per orchestra basati sul principio dell'esecuzione concertistica (ad esempio, nella musica sovietica, del compositore azero S. Gadzhibekov, del compositore estone J. Ryaets e altri).
Praticamente i K. sono creati per tutta l'Europa. strumenti – pianoforte, violino, violoncello, viola, contrabbasso, legni e ottoni. RM Gliere possiede il famosissimo K. per voce e orchestra. gufi. i compositori hanno scritto K. per nar. strumenti – balalaika, domra (KP Barchunova e altri), tar armeno (G. Mirzoyan), kokle lettone (J. Medin), ecc. Nei gufi il genere musicale K. si è diffuso in decomp. forme tipiche ed è ampiamente rappresentato nel lavoro di molti compositori (SS Prokofiev, DD Shostakovich, AI Khachaturian, DB Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, TN Khrennikov, SF Tsintsadze e altri).
Riferimenti: Orlov GA, Concerto per pianoforte sovietico, L., 1954; Khokhlov Yu., Concerto per violino sovietico, M., 1956; Alekseev A., Concerto e generi da camera di musica strumentale, nel libro: Storia della musica sovietica russa, vol. 1, M., 1956, pp. 267-97; Raaben L., Concerto strumentale sovietico, L., 1967.
LH Raaben
