Sergei Vasilyevich Rachmaninov |

Sergei Rachmaninov

E avevo una terra natale; Lui è meraviglioso! A. Pleshcheev (da G. Heine)

Rachmaninov è stato creato dall'acciaio e dall'oro; Acciaio nelle sue mani, oro nel suo cuore. I. Hoffmann

"Sono un compositore russo e la mia patria ha lasciato il segno nel mio carattere e nelle mie opinioni". Queste parole appartengono a S. Rachmaninov, il grande compositore, brillante pianista e direttore d'orchestra. Tutti gli eventi più importanti della vita sociale e artistica russa si sono riflessi nella sua vita creativa, lasciando un segno indelebile. La formazione e il fiorire dell'opera di Rachmaninov cadono negli anni 1890-1900, periodo in cui nella cultura russa si svolgevano i processi più complessi, il polso spirituale batteva febbrilmente e nervosamente. Il sentimento acutamente lirico dell'epoca insito in Rachmaninov era invariabilmente associato all'immagine della sua amata Patria, con l'infinità delle sue ampie distese, il potere e la violenta abilità delle sue forze elementali, la delicata fragilità della natura primaverile in fiore.

Il talento di Rachmaninov si è manifestato presto e brillantemente, sebbene fino all'età di dodici anni non abbia mostrato molto zelo per le lezioni di musica sistematiche. Iniziò a imparare a suonare il pianoforte all'età di 4 anni, nel 1882 fu ammesso al Conservatorio di San Pietroburgo, dove, lasciato a se stesso, si scherzò praticamente, e nel 1885 fu trasferito al Conservatorio di Mosca. Qui Rachmaninoff ha studiato pianoforte con N. Zverev, poi A. Siloti; in materie teoriche e composizione – con S. Taneyev e A. Arensky. Vivendo in una pensione con Zverev (1885-89), attraversò una dura, ma molto ragionevole scuola di disciplina del lavoro, che lo trasformò da un disperato pigro e cattivo in una persona eccezionalmente raccolta e volitiva. "Il meglio che c'è in me, glielo devo", così disse in seguito Rachmaninov di Zverev. Al conservatorio, Rachmaninoff è stato fortemente influenzato dalla personalità di P. Tchaikovsky, che, a sua volta, ha seguito lo sviluppo del suo preferito Seryozha e, dopo essersi diplomato al conservatorio, ha contribuito a mettere in scena l'opera Aleko al Teatro Bolshoi, sapendo dal suo propria triste esperienza quanto sia difficile per un musicista alle prime armi fare la propria strada.

Rachmaninov si diplomò al Conservatorio in pianoforte (1891) e composizione (1892) con una gran medaglia d'oro. A quel tempo era già autore di diverse composizioni, tra cui il famoso Preludio in do diesis minore, il romanzo "Nel silenzio della notte segreta", il primo concerto per pianoforte, l'opera "Aleko", scritta come opera di laurea in soli 17 giorni! I Fantasy Pieces che seguirono, op. 3 (1892), Trio Elegiaco “In memoria di un grande artista” (1893), Suite per due pianoforti (1893), Momenti di musica op. 16 (1896), romanzi, opere sinfoniche - "The Cliff" (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) - hanno confermato l'opinione di Rachmaninov come un talento forte, profondo e originale. Le immagini e gli stati d'animo caratteristici di Rachmaninoff appaiono in queste opere in un'ampia gamma - dal tragico dolore del "Momento musicale" in si minore all'apoteosi inno del romanzo "Spring Waters", dalla dura pressione spontanea-volitiva del "Momento musicale" in mi minore al miglior acquerello del romanzo "Isola".

La vita in questi anni è stata difficile. Deciso e potente nelle prestazioni e nella creatività, Rachmaninoff era per natura una persona vulnerabile, che spesso sperimentava insicurezza. Interferito con difficoltà materiali, disordini mondani, vagabondaggio in angoli strani. E sebbene fosse sostenuto da persone a lui vicine, principalmente la famiglia Satin, si sentiva solo. Il forte shock causato dal fallimento della sua Prima Sinfonia, eseguita a San Pietroburgo nel marzo 1897, portò a una crisi creativa. Per diversi anni Rachmaninoff non compose nulla, ma la sua attività di pianista si intensificò e fece il suo debutto come direttore all'Opera privata di Mosca (1897). In questi anni incontra L. Tolstoy, A. Cechov, artisti del Teatro d'Arte, inizia un'amicizia con Fyodor Chaliapin, che Rachmaninov considerava una delle "esperienze artistiche più potenti, profonde e sottili". Nel 1899 Rachmaninoff si esibì per la prima volta all'estero (a Londra) e nel 1900 visitò l'Italia, dove apparvero gli schizzi della futura opera Francesca da Rimini. Un evento gioioso è stata la messa in scena dell'opera Aleko a San Pietroburgo in occasione del centenario di A. Pushkin con Chaliapin nei panni di Aleko. Si stava così preparando gradualmente, e nei primi anni del 100, una svolta interna. c'è stato un ritorno alla creatività. Il nuovo secolo è iniziato con il Secondo Concerto per pianoforte, che ha suonato come un potente allarme. I contemporanei hanno sentito in lui la voce del Tempo con la sua tensione, esplosività e un senso di cambiamenti imminenti. Ora il genere del concerto sta diventando quello principale, è in esso che le idee principali si incarnano con la massima completezza e inclusività. Inizia una nuova fase nella vita di Rachmaninov.

Il riconoscimento generale in Russia e all'estero riceve la sua attività di pianista e direttore d'orchestra. 2 anni (1904-06) Rachmaninov ha lavorato come direttore d'orchestra al Teatro Bolshoi, lasciando nella sua storia il ricordo delle meravigliose produzioni di opere russe. Nel 1907 partecipa ai Concerti Storici Russi organizzati da S. Diaghilev a Parigi, nel 1909 si esibisce per la prima volta in America, dove esegue il suo Terzo Concerto per pianoforte diretto da G. Mahler. Un'intensa attività concertistica nelle città della Russia e all'estero è stata unita a una creatività non meno intensa, e nella musica di questo decennio (nella cantata "Primavera" - 1902, nei preludi op. 23, nei finali della Seconda Sinfonia e il Terzo Concerto) c'è molto ardente entusiasmo ed entusiasmo. E in composizioni come i romanzi "Lilla", "Va bene qui", nei preludi in re maggiore e sol maggiore, "la musica delle forze cantanti della natura" suonava con sorprendente penetrazione.

Ma negli stessi anni si avvertono anche altri stati d'animo. Tristi pensieri sulla madrepatria e sul suo futuro destino, riflessioni filosofiche sulla vita e sulla morte danno origine alle tragiche immagini della Prima Sonata per pianoforte, ispirata al Faust di Goethe, il poema sinfonico "L'isola dei morti" basato sul dipinto dell'artista svizzero A. Böcklin (1909), molte pagine del Terzo Concerto, romanze op. 26. I cambiamenti interni divennero particolarmente evidenti dopo il 1910. Se nel Terzo Concerto la tragedia viene finalmente superata e il concerto si conclude con un'apoteosi giubilante, allora nelle opere che lo seguono si approfondisce continuamente, dando vita a immagini aggressive, ostili, cupe, stati d'animo depressi. Il linguaggio musicale si fa più complesso, l'ampio respiro melodico così caratteristico di Rachmaninov scompare. Tali sono il poema vocale-sinfonico "The Bells" (su st. E. Poe, tradotto da K. Balmont - 1913); romanzi op. 34 (1912) e op. 38 (1916); Studi-dipinti op. 39 (1917). Tuttavia, fu in quel momento che Rachmaninov creò opere piene di alto significato etico, che divennero la personificazione della bellezza spirituale duratura, il culmine della melodia di Rachmaninov - "Vocalise" e "All-Night Vegil" per coro a cappella (1915). “Fin dall'infanzia, sono stato affascinato dalle magnifiche melodie di Oktoikh. Ho sempre sentito che è necessario uno stile speciale e speciale per la loro elaborazione corale e, mi sembra, l'ho trovato nei Vespri. Non posso fare a meno di confessare. che la prima esecuzione da parte del Coro sinodale di Mosca mi ha dato un'ora del più felice piacere”, ha ricordato Rachmaninov.

Il 24 dicembre 1917 Rachmaninov e la sua famiglia lasciarono la Russia, come risultò, per sempre. Per più di un quarto di secolo ha vissuto in una terra straniera, negli Stati Uniti, e questo periodo è stato per lo più pieno di estenuante attività concertistica, soggetta alle crudeli leggi del music business. Rachmaninov ha utilizzato una parte significativa delle sue tasse per fornire supporto materiale ai suoi compatrioti all'estero e in Russia. Così, l'intera raccolta per lo spettacolo nell'aprile 1922 fu trasferita a beneficio degli affamati in Russia, e nell'autunno del 1941 Rakhmaninov inviò più di quattromila dollari al fondo di aiuti dell'Armata Rossa.

All'estero, Rachmaninoff ha vissuto in isolamento, limitando la sua cerchia di amici agli immigrati dalla Russia. Un'eccezione è stata fatta solo per la famiglia di F. Steinway, il capo dell'azienda di pianoforti, con il quale Rachmaninov aveva rapporti amichevoli.

I primi anni del suo soggiorno all'estero, Rachmaninov non ha lasciato il pensiero della perdita dell'ispirazione creativa. “Dopo aver lasciato la Russia, ho perso la voglia di comporre. Avendo perso la mia patria, ho perso me stesso”. Solo 8 anni dopo aver lasciato l'estero, Rachmaninov torna alla creatività, crea il Quarto concerto per pianoforte (1926), Tre canzoni russe per coro e orchestra (1926), Variazioni su un tema di Corelli per pianoforte (1931), Rapsodia su un tema di Paganini (1934), Terza Sinfonia (1936), “Danze Sinfoniche” (1940). Queste opere sono l'ultima, più alta ascesa di Rachmaninov. Un triste sentimento di perdita irreparabile, un ardente desiderio per la Russia dà origine a un'arte di enorme potere tragico, raggiungendo il suo apice nelle Danze Sinfoniche. E nella brillante Terza Sinfonia, Rachmaninoff incarna per l'ultima volta il tema centrale del suo lavoro: l'immagine della Patria. Il pensiero intenso severamente concentrato dell'artista lo evoca dal profondo dei secoli, sorge come un ricordo infinitamente caro. In un complesso intreccio di diversi temi, episodi, emerge un'ampia prospettiva, viene ricreata un'epopea drammatica del destino della Patria, che si conclude con una vittoriosa affermazione di vita. Quindi attraverso tutte le opere di Rachmaninoff porta l'inviolabilità dei suoi principi etici, l'alta spiritualità, la fedeltà e l'inevitabile amore per la Patria, la cui personificazione era la sua arte.

O. Averyanova

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Caratteristiche della creatività

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, insieme a Scriabin, è una delle figure centrali della musica russa del 1900. Il lavoro di questi due compositori ha attirato un'attenzione particolarmente particolare dei contemporanei, ne hanno discusso animatamente, sono iniziate aspre discussioni stampate attorno alle loro opere individuali. Nonostante tutta la diversità dell'aspetto individuale e della struttura figurativa della musica di Rachmaninov e Scriabin, i loro nomi apparivano spesso fianco a fianco in queste controversie e venivano confrontati tra loro. C'erano ragioni puramente esterne per un simile confronto: entrambi erano allievi del Conservatorio di Mosca, diplomatisi quasi contemporaneamente e studiati con gli stessi insegnanti, entrambi si sono subito distinti tra i loro coetanei per la forza e la luminosità del loro talento, ricevendo riconoscimenti non solo come compositori di grande talento, ma anche come pianisti eccezionali.

Ma c'erano anche molte cose che li separavano e talvolta li collocavano su fronti diversi della vita musicale. L'audace innovatore Scriabin, che ha aperto nuovi mondi musicali, si è opposto a Rachmaninov come artista dal pensiero più tradizionale che ha basato il suo lavoro sulle solide basi del patrimonio classico nazionale. "G. Rachmaninoff, ha scritto uno dei critici, è il pilastro attorno al quale si raggruppano tutti i campioni della vera direzione, tutti coloro che hanno a cuore le fondamenta poste da Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov e Čajkovskij.

Tuttavia, nonostante tutta la differenza nelle posizioni di Rachmaninov e Scriabin nella loro realtà musicale contemporanea, furono accomunati non solo dalle condizioni generali per l'educazione e la crescita di una personalità creativa nella loro giovinezza, ma anche da alcune caratteristiche più profonde di comunanza . "Un talento ribelle e irrequieto": così Rakhmaninov è stato definito una volta dalla stampa. Fu questa irrequieta impulsività, l'eccitazione del tono emotivo, caratteristica del lavoro di entrambi i compositori, a renderla particolarmente cara e vicina agli ampi circoli della società russa all'inizio del XIX secolo, con le loro ansiose aspettative, aspirazioni e speranze .

"Scriabin e Rachmaninoff sono i due 'dominatori dei pensieri musicali' del moderno mondo musicale russo <...> Ora condividono l'egemonia tra loro nel mondo musicale", ha ammesso LL Sabaneev, uno dei più zelanti apologeti del primo e un altrettanto ostinato avversario e detrattore del secondo. Un altro critico, più moderato nei suoi giudizi, ha scritto in un articolo dedicato a una descrizione comparativa dei tre rappresentanti più eminenti della scuola musicale di Mosca, Taneyev, Rachmaninov e Scriabin: il tono della vita moderna, febbrilmente intensa. Entrambe sono le migliori speranze della Russia moderna”.

Per molto tempo ha dominato la visione di Rachmaninov come uno dei più stretti eredi e successori di Čajkovskij. L'influenza dell'autore di The Queen of Spades ha indubbiamente svolto un ruolo significativo nella formazione e nello sviluppo del suo lavoro, il che è del tutto naturale per un laureato al Conservatorio di Mosca, studente di AS Arensky e SI Taneyev. Allo stesso tempo, ha anche percepito alcune delle caratteristiche della scuola di compositori di "Pietroburgo": il lirismo eccitato di Čajkovskij è combinato in Rachmaninov con la dura grandezza epica di Borodin, la profonda penetrazione di Mussorgsky nel sistema dell'antico pensiero musicale russo e la percezione poetica della natura nativa di Rimsky-Korsakov. Tuttavia, tutto ciò che è stato appreso da insegnanti e predecessori è stato profondamente ripensato dal compositore, obbedendo alla sua forte volontà creativa e acquisendo un nuovo carattere individuale completamente indipendente. Lo stile profondamente originale di Rachmaninov ha una grande integrità interna e organicità.

Se cerchiamo parallelismi con lui nella cultura artistica russa di inizio secolo, allora questa è, prima di tutto, la linea Cechov-Bunin in letteratura, i paesaggi lirici di Levitan, Nesterov, Ostroukhov in pittura. Questi parallelismi sono stati ripetutamente notati da vari autori e sono diventati quasi stereotipati. È noto con quale ardente amore e rispetto Rakhmaninov ha trattato il lavoro e la personalità di Cechov. Già negli ultimi anni della sua vita, leggendo le lettere dello scrittore, si rammaricava di non averlo incontrato più da vicino ai suoi tempi. Il compositore è stato associato a Bunin per molti anni da reciproca simpatia e opinioni artistiche comuni. Sono stati uniti e legati da un amore appassionato per la loro nativa natura russa, per i segni di una vita semplice che sta già lasciando nelle immediate vicinanze di una persona al mondo che lo circonda, l'atteggiamento poetico del mondo, colorato da profonde il lirismo penetrante, la sete di liberazione spirituale e di liberazione dai ceppi che costringono la libertà della persona umana.

La fonte di ispirazione per Rachmaninov era una varietà di impulsi provenienti dalla vita reale, dalla bellezza della natura, dalle immagini della letteratura e della pittura. "... Trovo", ha detto, "che le idee musicali nascono in me con maggiore facilità sotto l'influenza di certe impressioni extra-musicali". Ma allo stesso tempo, Rachmaninov si è sforzato non tanto per un riflesso diretto di alcuni fenomeni della realtà per mezzo della musica, per "dipingere nei suoni", ma per l'espressione della sua reazione emotiva, sentimenti ed esperienze che sorgono sotto l'influenza di vari impressioni ricevute esternamente. In questo senso si può parlare di lui come uno dei rappresentanti più eclatanti e tipici del realismo poetico del '900, la cui tendenza principale è stata formulata con successo da VG Korolenko: “Non ci limitiamo a riflettere i fenomeni così come sono e fanno non creare un'illusione per capriccio mondo inesistente. Creiamo o manifestiamo una nuova relazione dello spirito umano con il mondo circostante che nasce in noi.

Una delle caratteristiche più caratteristiche della musica di Rachmaninov, che attira l'attenzione prima di tutto quando la si conosce, è la melodia più espressiva. Tra i suoi contemporanei, si distingue per la sua capacità di creare melodie di grande respiro, di ampio e lungo dispiegamento, unendo la bellezza e la plasticità del disegno con un'espressione luminosa e intensa. Il melodismo, la melodiosità è la qualità principale dello stile di Rachmaninov, che determina in gran parte la natura del pensiero armonico del compositore e la trama delle sue opere, sature, di regola, di voci indipendenti, che si spostano in primo piano o scompaiono in un denso denso tessuto sonoro.

Rachmaninoff ha creato il suo tipo di melodia molto speciale, basato su una combinazione delle tecniche caratteristiche di Čajkovskij: sviluppo melodico dinamico intenso con il metodo delle trasformazioni varianti, eseguito in modo più fluido e calmo. Dopo un rapido decollo o una lunga e intensa ascesa verso l'alto, la melodia, per così dire, si congela al livello raggiunto, ritornando invariabilmente a un suono a lungo cantato, o lentamente, con sporgenze impennate, ritorna alla sua altezza originale. La relazione inversa è possibile anche quando una permanenza più o meno lunga in una limitata zona di alta quota viene improvvisamente interrotta dal corso della melodia per un ampio intervallo, introducendo una sfumatura di tagliente espressione lirica.

In una tale compenetrazione di dinamica e statica, LA Mazel vede uno dei tratti più caratteristici della melodia di Rachmaninov. Un altro ricercatore attribuisce un significato più generale al rapporto di questi principi nell'opera di Rachmaninov, indicando l'alternanza di momenti di "frenata" e "svolta" alla base di molte delle sue opere. (VP Bobrovsky esprime un'idea simile, osservando che "il miracolo dell'individualità di Rachmaninov risiede nell'unità organica unica di due tendenze dirette in modo opposto e la loro sintesi insita solo in lui" - un'aspirazione attiva e una tendenza a "stare a lungo su ciò che è stato raggiunto."). Un debole per il lirismo contemplativo, un'immersione prolungata in uno stato d'animo, come se il compositore volesse fermare il tempo fugace, si combinava con un'energia enorme e impetuosa verso l'esterno, una sete di autoaffermazione attiva. Da qui la forza e la nitidezza dei contrasti nella sua musica. Ha cercato di portare ogni sentimento, ogni stato d'animo all'estremo grado di espressione.

Nelle melodie liriche di Rachmaninov che si dispiegano liberamente, con il loro respiro lungo e ininterrotto, si sente spesso qualcosa di simile all'ampiezza "inevitabile" della persistente canzone popolare russa. Allo stesso tempo, tuttavia, la connessione tra la creatività di Rachmaninov e la scrittura di canzoni popolari era di natura molto indiretta. Solo in rari casi isolati il ​​​​compositore ricorreva all'uso di autentiche melodie popolari; non cercava una somiglianza diretta delle sue melodie con quelle popolari. “In Rachmaninov”, osserva giustamente l'autore di un'opera speciale sulla sua melodica, “raramente appare direttamente una connessione con certi generi di arte popolare. In particolare, il genere sembra spesso dissolversi nel "sentimento" generale del folk e non è, come era con i suoi predecessori, l'inizio cementificante dell'intero processo di formazione e divenire di un'immagine musicale. Ripetutamente, l'attenzione è stata attirata su tali tratti caratteristici della melodia di Rachmaninov, che la avvicinano alla canzone popolare russa, come la fluidità del movimento con una predominanza di movimenti graduali, diatonicismo, abbondanza di giri frigi, ecc. Profondamente e organicamente assimilato dal compositore, queste caratteristiche diventano una proprietà inalienabile dello stile del suo singolo autore, acquisendo una speciale colorazione espressiva peculiare solo a lui.

L'altro lato di questo stile, irresistibilmente impressionante come la ricchezza melodica della musica di Rachmaninov, è un ritmo insolitamente energico, imperiosamente conquistatore e allo stesso tempo flessibile, a volte stravagante. Sia i contemporanei del compositore che i ricercatori successivi hanno scritto molto su questo ritmo specificamente Rachmaninoff, che attira involontariamente l'attenzione dell'ascoltatore. Spesso è il ritmo che determina il tono principale della musica. AV Ossovsky notò nel 1904 riguardo all'ultimo movimento della Seconda Suite per due pianoforti che Rachmaninov in essa “non aveva paura di approfondire l'interesse ritmico della forma della Tarantella a un'anima inquieta e oscurata, non estranea agli attacchi di una sorta di demonismo a volte."

Il ritmo appare in Rachmaninov come portatore di un efficace principio volitivo che dinamizza il tessuto musicale e introduce un lirico "flusso di sentimenti" nella corrente principale di un insieme armonioso architettonicamente completo. BV Asafiev, confrontando il ruolo del principio ritmico nelle opere di Rachmaninov e Čajkovskij, ha scritto: “Tuttavia, in quest'ultimo, la natura fondamentale della sua sinfonia“ irrequieta ”si è manifestata con particolare forza nella drammatica collisione dei temi stessi. Nella musica di Rachmaninov, molto appassionata nella sua integrità creativa, l'unione del magazzino lirico-contemplativo del sentimento con il magazzino organizzativo volitivo dell'io del compositore-esecutore risulta essere quella "sfera individuale" della contemplazione personale, che era controllato dal ritmo nel senso del fattore volitivo…”. Lo schema ritmico in Rachmaninov è sempre delineato in modo molto chiaro, indipendentemente dal fatto che il ritmo sia semplice, uniforme, come i battiti pesanti e misurati di una grande campana, o complesso, intricatamente fiorito. Preferito dal compositore, soprattutto nelle opere degli anni '1910, l'ostinato ritmico conferisce al ritmo un significato non solo formativo, ma in alcuni casi anche tematico.

Nel campo dell'armonia, Rachmaninoff non è andato oltre il classico sistema maggiore-minore nella forma che ha acquisito nell'opera dei compositori romantici europei, Čajkovskij e rappresentanti del Mighty Handful. La sua musica è sempre tonalmente definita e stabile, ma nell'usare i mezzi dell'armonia tonale classico-romantica, era caratterizzato da alcuni tratti caratteristici con i quali non è difficile stabilire la paternità dell'una o dell'altra composizione. Tra queste speciali caratteristiche individuali del linguaggio armonico di Rachmaninov vi sono, ad esempio, la ben nota lentezza del movimento funzionale, la tendenza a rimanere a lungo in una tonalità e talvolta l'indebolimento della gravità. Si richiama l'attenzione sull'abbondanza di complesse formazioni multi-tert, file di accordi non decimali e non decimali, spesso con un significato più colorato, fonico che funzionale. La connessione di questo tipo di armonie complesse viene eseguita principalmente con l'aiuto della connessione melodica. Il predominio dell'elemento melodico-canto nella musica di Rachmaninov determina l'alto grado di saturazione polifonica del suo tessuto sonoro: singoli complessi armonici sorgono costantemente come risultato del libero movimento di voci “cantanti” più o meno indipendenti.

C'è una svolta armonica preferita di Rachmaninov, che ha usato così spesso, specialmente nelle composizioni del primo periodo, che ha persino ricevuto il nome di "armonia di Rachmaninov". Questo turnover si basa su un accordo di settima introduttiva ridotta di un minore armonico, solitamente utilizzato nella forma di un terzkvartakkord con sostituzione di II grado III e risoluzione in una triade tonica nella terza posizione melodica.

Il passaggio a un quarto ridotto che sorge in questo caso nella voce melodica evoca un struggente sentimento dolente.

Come una delle caratteristiche straordinarie della musica di Rachmaninov, numerosi ricercatori e osservatori hanno notato la sua colorazione minore predominante. Tutti e quattro i suoi concerti per pianoforte, tre sinfonie, entrambe le sonate per pianoforte, la maggior parte degli studi-immagini e molte altre composizioni sono state scritte in minore. Anche il maggiore spesso acquista una colorazione minore a causa di alterazioni decrescenti, deviazioni tonali e l'uso diffuso di gradini laterali minori. Ma pochi compositori hanno raggiunto una tale varietà di sfumature e gradi di concentrazione espressiva nell'uso della tonalità minore. L'osservazione di LE Gakkel che negli studi-dipinti op. 39 "data la più ampia gamma di colori minori dell'essere, sfumature minori del sentimento della vita" può essere esteso a una parte significativa di tutto il lavoro di Rachmaninoff. Critici come Sabaneev, che nutriva un'ostilità prevenuta nei confronti di Rachmaninov, lo definirono "un piagnucolone intelligente", la cui musica riflette "la tragica impotenza di un uomo privo di forza di volontà". Nel frattempo, il denso minore "oscuro" di Rachmaninov suona spesso coraggioso, protestante e pieno di tremenda tensione volitiva. E se le note dolenti vengono colte dall'orecchio, allora questo è il "nobile dolore" dell'artista patriota, quel "gemito soffocato per la terra natale", che fu ascoltato da M. Gorky in alcune delle opere di Bunin. Come questo scrittore a lui vicino nello spirito, Rachmaninov, nelle parole di Gorky, “pensava alla Russia nel suo insieme”, rimpiangendo le sue perdite e provando ansia per il destino del futuro.

L'immagine creativa di Rachmaninov nelle sue caratteristiche principali è rimasta integra e stabile per tutto il percorso di mezzo secolo del compositore, senza subire fratture e cambiamenti taglienti. Principi estetici e stilistici, appresi in gioventù, fu fedele negli ultimi anni della sua vita. Tuttavia, possiamo osservare una certa evoluzione nel suo lavoro, che si manifesta non solo nella crescita dell'abilità, nell'arricchimento della tavolozza sonora, ma influenza anche parzialmente la struttura figurativa ed espressiva della musica. Su questo percorso si delineano chiaramente tre grandi periodi, sebbene disuguali sia per durata che per grado di produttività. Sono delimitati l'uno dall'altro da cesure temporanee più o meno lunghe, fasce di dubbio, riflessione ed esitazione, quando dalla penna del compositore non è uscita una sola opera compiuta. Il primo periodo, che cade negli anni '90 del XIX secolo, può essere definito un periodo di sviluppo creativo e maturazione del talento, che è andato ad affermare il suo percorso attraverso il superamento delle influenze naturali in tenera età. Le opere di questo periodo spesso non sono ancora abbastanza indipendenti, imperfette nella forma e nella consistenza. (Alcuni di essi (Primo concerto per pianoforte, Trio elegiaco, brani per pianoforte: Melody, Serenade, Humoresque) furono successivamente rivisti dal compositore e la loro struttura fu arricchita e sviluppata.), sebbene in alcune delle loro pagine (i momenti migliori dell'opera giovanile "Aleko", il Trio elegiaco in memoria di PI Tchaikovsky, il famoso preludio in do diesis minore, alcuni momenti musicali e romanze), l'individualità del compositore è già stato rivelato con sufficiente certezza.

Una pausa inaspettata arriva nel 1897, dopo l'esecuzione infruttuosa della Prima Sinfonia di Rachmaninov, un'opera in cui il compositore ha investito molto lavoro ed energia spirituale, che è stata fraintesa dalla maggior parte dei musicisti e condannata quasi all'unanimità sulle pagine della stampa, persino ridicolizzata da parte di alcuni critici. Il fallimento della sinfonia ha causato a Rachmaninoff un profondo trauma mentale; secondo la sua stessa, successiva confessione, "era come un uomo che ha avuto un ictus e che per molto tempo ha perso sia la testa che le mani". I tre anni successivi furono anni di silenzio creativo quasi completo, ma allo stesso tempo riflessioni concentrate, una rivalutazione critica di tutto ciò che era stato fatto in precedenza. Il risultato di questo intenso lavoro interno del compositore su se stesso fu un'impennata creativa insolitamente intensa e luminosa all'inizio del nuovo secolo.

Durante i primi tre o quattro anni del XXIII secolo, Rakhmaninov creò una serie di opere di vari generi, notevoli per la loro profonda poesia, freschezza e immediatezza di ispirazione, in cui la ricchezza dell'immaginazione creativa e l'originalità della "calligrafia" dell'autore sono combinati con l'alto artigianato rifinito. Tra questi il ​​Secondo Concerto per pianoforte, la Seconda Suite per due pianoforti, la sonata per violoncello e pianoforte, la cantata “Primavera”, i Dieci Preludi op. 23, l'opera "Francesca da Rimini", alcuni dei migliori esempi dei testi vocali di Rachmaninov ("Lilla", "Estratto da A. Musset"), Questa serie di opere ha stabilito la posizione di Rachmaninov come uno dei più grandi e interessanti compositori russi del nostro tempo, portandogli un ampio riconoscimento nei circoli dell'intellighenzia artistica e tra le masse di ascoltatori.

Un periodo di tempo relativamente breve dal 1901 al 1917 fu il più fruttuoso del suo lavoro: in questo decennio e mezzo furono scritte la maggior parte delle opere mature e indipendenti nello stile delle opere di Rachmaninov, che divennero parte integrante dei classici musicali nazionali. Quasi ogni anno ha portato nuove opere, la cui apparizione è diventata un evento notevole nella vita musicale. Con l'incessante attività creativa di Rachmaninov, il suo lavoro non è rimasto invariato durante questo periodo: a cavallo dei primi due decenni, in esso si notano i sintomi di un cambiamento di produzione. Senza perdere le sue qualità "generiche" generali, diventa più severo nel tono, gli stati d'animo inquietanti si intensificano, mentre l'effusione diretta del sentimento lirico sembra rallentare, i colori chiari e trasparenti appaiono meno spesso sulla tavolozza sonora del compositore, il colore generale della musica scurisce e si addensa. Questi cambiamenti sono evidenti nella seconda serie di preludi per pianoforte, op. 32, due cicli di studi-dipinti, e in particolare grandi composizioni monumentali come "The Bells" e "All-Night Vegil", che pongono domande profonde e fondamentali sull'esistenza umana e sullo scopo della vita di una persona.

L'evoluzione vissuta da Rachmaninov non è sfuggita all'attenzione dei suoi contemporanei. Uno dei critici ha scritto di The Bells: “Rakhmaninov sembra aver iniziato a cercare nuovi stati d'animo, un nuovo modo di esprimere i suoi pensieri … Qui senti il ​​​​nuovo stile rinato di Rachmaninov, che non ha nulla in comune con lo stile di Čajkovskij. "

Dopo il 1917 inizia una nuova pausa nell'opera di Rachmaninov, questa volta molto più lunga della precedente. Solo dopo un intero decennio il compositore tornò a comporre musica, dopo aver arrangiato tre canti popolari russi per coro e orchestra e completato il Quarto Concerto per pianoforte, iniziato alla vigilia della prima guerra mondiale. Nel corso degli anni '30 ne scrisse (salvo alcune trascrizioni da concerto per pianoforte) solo quattro, comunque significative per l'idea di opere maggiori.

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In un ambiente di ricerche complesse, spesso contraddittorie, un'aspra e intensa lotta di direzioni, un crollo delle consuete forme di coscienza artistica che caratterizzarono lo sviluppo dell'arte musicale nella prima metà del XIX secolo, Rachmaninoff rimase fedele al grande classico tradizioni della musica russa da Glinka a Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov e i loro studenti e seguaci più vicini e diretti di Taneyev, Glazunov. Ma non si è limitato al ruolo di custode di queste tradizioni, ma le ha percepite attivamente e creativamente, affermando il loro potere vivo e inesauribile, la capacità di ulteriore sviluppo e arricchimento. Artista sensibile e impressionabile, Rachmaninov, nonostante la sua adesione ai precetti dei classici, non è rimasto sordo ai richiami della modernità. Nel suo atteggiamento nei confronti delle nuove tendenze stilistiche del XIX secolo, c'è stato un momento non solo di confronto, ma anche di una certa interazione.

Nell'arco di mezzo secolo, l'opera di Rachmaninov ha subito un'evoluzione significativa, e le opere non solo degli anni Trenta, ma anche degli anni Dieci differiscono significativamente sia nella loro struttura figurativa che nel linguaggio, mezzo di espressione musicale dai primi, non ancora opuse completamente indipendenti dalla fine del precedente. secoli. In alcuni di essi il compositore entra in contatto con l'impressionismo, il simbolismo, il neoclassicismo, sebbene in modo profondamente peculiare percepisca individualmente gli elementi di queste tendenze. Con tutti i cambiamenti e le svolte, l'immagine creativa di Rachmaninov è rimasta internamente molto integra, conservando quelle caratteristiche fondamentali e determinanti che la sua musica deve la sua popolarità alla più ampia gamma di ascoltatori: lirismo appassionato, accattivante, veridicità e sincerità di espressione, visione poetica del mondo .

Yu. Avanti

Direttore Rachmaninov

Rachmaninov è passato alla storia non solo come compositore e pianista, ma anche come eccezionale direttore d'orchestra del nostro tempo, sebbene questo lato della sua attività non sia stato così lungo e intenso.

Rachmaninov fece il suo debutto come direttore d'orchestra nell'autunno del 1897 alla Mamontov Private Opera di Mosca. Prima di allora, non doveva dirigere un'orchestra e studiare direzione d'orchestra, ma il brillante talento del musicista ha aiutato Rachmaninoff ad apprendere rapidamente i segreti della maestria. Basti ricordare che riuscì a malapena a completare la prima prova: non sapeva che i cantanti dovevano indicare le presentazioni; e pochi giorni dopo, Rachmaninov aveva già svolto perfettamente il suo lavoro, dirigendo l'opera Sansone e Dalila di Saint-Saens.

"L'anno della mia permanenza all'opera Mamontov è stato di grande importanza per me", ha scritto. "Lì ho acquisito la tecnica di un vero direttore d'orchestra, che in seguito mi è stata di grande aiuto." Durante la stagione di lavoro come secondo direttore del teatro, Rachmaninov ha diretto venticinque spettacoli di nove opere: "Sansone e Dalila", "Sirena", "Carmen", "Orfeo" di Gluck, "Rogneda" di Serov, " Mignon” di Tom, “Askold's Grave”, “The Enemy strength”, “May night”. La stampa ha subito notato la chiarezza dello stile del suo direttore, la naturalezza, la mancanza di atteggiamenti, un ferreo senso del ritmo trasmesso agli esecutori, il gusto delicato e un meraviglioso senso dei colori orchestrali. Con l'acquisizione dell'esperienza, queste caratteristiche di Rachmaninoff come musicista hanno cominciato a manifestarsi al meglio, integrate dalla fiducia e dall'autorità nel lavorare con solisti, coro e orchestra.

Negli anni successivi Rachmaninov, impegnato nella composizione e nell'attività pianistica, diresse solo occasionalmente. Il periodo di massimo splendore del suo talento di direttore d'orchestra cade nel periodo 1904-1915. Da due stagioni lavora al Teatro Bolshoi, dove riscuote particolare successo la sua interpretazione di opere russe. Gli eventi storici nella vita del teatro sono chiamati dalla critica lo spettacolo dell'anniversario di Ivan Susanin, che ha diretto in onore del centenario della nascita di Glinka, e la Settimana di Ciajkovskij, durante la quale Rachmaninov ha diretto La dama di picche, Eugene Onegin, Oprichnik e balletti.

Successivamente, Rachmaninov ha diretto l'esibizione de La dama di picche a San Pietroburgo; i revisori hanno convenuto che è stato lui il primo a comprendere e trasmettere al pubblico l'intero significato tragico dell'opera. Tra i successi creativi di Rachmaninov al Teatro Bolshoi c'è anche la sua produzione di Pan Voevoda di Rimsky-Korsakov e le sue opere The Miserly Knight e Francesca da Rimini.

Sul palco sinfonico, Rachmaninov fin dai primi concerti si è dimostrato un maestro completo di grandi dimensioni. L'epiteto "brillante" ha certamente accompagnato le recensioni delle sue esibizioni come direttore d'orchestra. Molto spesso, Rachmaninoff è apparso allo stand del direttore nei concerti della Società Filarmonica di Mosca, così come con le orchestre Siloti e Koussevitzky. Nel 1907-1913 diresse molto all'estero - nelle città di Francia, Olanda, Stati Uniti, Inghilterra, Germania.

Il repertorio di Rachmaninov come direttore d'orchestra era insolitamente sfaccettato in quegli anni. Ha saputo penetrare nei più diversi stili e caratteri dell'opera. Naturalmente, la musica russa era la più vicina a lui. Ha fatto rivivere sul palco la Sinfonia del Bogatyr di Borodin, quasi dimenticata a quel tempo, ha contribuito alla popolarità delle miniature di Lyadov, che ha eseguito con eccezionale brillantezza. La sua interpretazione della musica di Čajkovskij (in particolare la 4a e 5a sinfonia) è stata caratterizzata da un significato e una profondità straordinari; nelle opere di Rimsky-Korsakov, è stato in grado di dispiegare la gamma di colori più brillante per il pubblico, e nelle sinfonie di Borodin e Glazunov, ha affascinato il pubblico con ampiezza epica e drammatica integrità interpretativa.

Uno degli apici dell'arte della direzione di Rachmaninov fu l'interpretazione della sinfonia in sol minore di Mozart. Il critico Wolfing ha scritto: “Cosa significano molte sinfonie scritte e stampate prima dell'esecuzione di Rachmaninov della sinfonia in sol moll di Mozart! … Il genio artistico russo per la seconda volta ha trasformato e mostrato la natura artistica dell'autore di questa sinfonia. Possiamo parlare non solo del Mozart di Pushkin, ma anche del Mozart di Rachmaninov…”

Insieme a questo, troviamo molta musica romantica nei programmi di Rachmaninov – per esempio, la Sinfonia Fantastica di Berlioz, le sinfonie di Mendelssohn e Franck, l'ouverture dell'Oberon di Weber e frammenti delle opere di Wagner, la poesia di Liszt e la Lyric Suite di Grieg… E accanto ad essa – una magnifica performance autori moderni - poesie sinfoniche di R. Strauss, opere degli impressionisti: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … E, naturalmente, Rachmaninov era un interprete insuperabile delle sue stesse composizioni sinfoniche. Il noto musicologo sovietico V. Yakovlev, che ha ascoltato Rachmaninov più di una volta, ricorda: “Non solo il pubblico e i critici, i membri esperti dell'orchestra, i professori, gli artisti hanno riconosciuto la sua leadership come il punto più alto di quest'arte … I suoi metodi di lavoro erano ridotto non tanto a uno spettacolo, ma a osservazioni separate, spiegazioni meschine, spesso cantava o in una forma o nell'altra spiegava ciò che aveva considerato in precedenza. Tutti quelli che erano presenti ai suoi concerti ricordano quei gesti ampi e caratteristici di tutta la mano, non provenienti solo dal pennello; a volte questi suoi gesti erano ritenuti eccessivi dai membri dell'orchestra, ma gli erano familiari e capiti da loro. Non c'era artificiosità nei movimenti, nelle pose, nessun effetto, nessun disegno a mano. C'era una passione sconfinata, preceduta da pensiero, analisi, comprensione e comprensione dello stile dell'esecutore.

Aggiungiamo che il direttore d'orchestra Rachmaninov era anche un insuperabile suonatore d'insieme; i solisti nei suoi concerti erano artisti come Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals e negli spettacoli d'opera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Dopo il 1913, Rachmaninoff si rifiutò di eseguire opere di altri autori e diresse solo le proprie composizioni. Solo nel 1915 deviò da questa regola dirigendo un concerto in memoria di Scriabin. Tuttavia, anche in seguito la sua reputazione di direttore d'orchestra era insolitamente alta in tutto il mondo. Basti pensare che subito dopo il suo arrivo negli Stati Uniti nel 1918, gli fu offerta la direzione delle più grandi orchestre del paese – a Boston e Cincinnati. Ma in quel periodo non poteva più dedicarsi alla direzione, costretto a svolgere un'intensa attività concertistica come pianista.

Solo nell'autunno del 1939, quando fu organizzato a New York un ciclo di concerti dalle opere di Rachmaninov, il compositore accettò di dirigerne uno. La Philadelphia Orchestra ha quindi eseguito la Terza Sinfonia e le campane. Ha ripetuto lo stesso programma nel 1941 a Chicago, e un anno dopo ha diretto la performance di "Isle of the Dead" e "Symphonic Dances" a Egan Arbor. Il critico O. Daune ha scritto: “Rakhmaninov ha dimostrato di avere la stessa abilità e controllo sull'esecuzione, la musicalità e il potere creativo, guidando l'orchestra, che mostra quando suona il pianoforte. Il carattere e lo stile del suo modo di suonare, così come la sua direzione, colpiscono con calma e sicurezza. È la stessa completa assenza di ostentazione, lo stesso senso di dignità e di palese moderazione, la stessa mirabile forza imperiosa. Le registrazioni di The Island of the Dead, Vocalise e della Terza Sinfonia effettuate in quel periodo ci hanno conservato le prove dell'arte della direzione del geniale musicista russo.

L. Grigoriev, J. Platek