Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |
Claudio Monteverdi
Monteverdi. Cantate Domino
Monteverdi difende i diritti dei sentimenti e della libertà nella musica. Nonostante le proteste dei difensori delle regole, rompe le catene in cui la musica si è impigliata e vuole che d'ora in poi segua solo i dettami del cuore. R. Rollan
L'opera del compositore d'opera italiano C. Monteverdi è uno dei fenomeni unici nella cultura musicale del XIX secolo. Nel suo interesse per l'uomo, nelle sue passioni e sofferenze, Monteverdi è un vero artista del Rinascimento. Nessuno dei compositori di quel tempo riuscì a esprimere in musica il tragico sentimento della vita in modo tale, ad avvicinarsi alla comprensione della sua verità, a rivelare in questo modo la natura primordiale dei personaggi umani.
Monteverdi è nato nella famiglia di un medico. I suoi studi musicali furono guidati da M. Ingenieri, musicista esperto, maestro di banda del Duomo di Cremona. Ha sviluppato la tecnica polifonica del futuro compositore, lo ha introdotto alle migliori opere corali di G. Palestrina e O. Lasso. Moiteverdi iniziò a comporre presto. Già all'inizio del 1580. furono pubblicate le prime raccolte di opere polifoniche vocali (madrigali, mottetti, cantate), e alla fine di questo decennio divenne un famoso compositore in Italia, membro dell'Accademia di Site Cecilia a Roma. Dal 1590 Monteverdi prestò servizio nella cappella di corte del duca di Mantova (prima come orchestrale e cantante, poi come maestro di banda). La rigogliosa e ricca corte Vincenzo Gonzaga attirò le migliori forze artistiche dell'epoca. Con ogni probabilità, Monteverdi potrebbe incontrare il grande poeta italiano T. Tasso, l'artista fiammingo P. Rubens, membri della famosa camerata fiorentina, gli autori delle prime opere – J. Peri, O. Rinuccini. Accompagnando il Duca in frequenti viaggi e campagne militari, il compositore viaggiò a Praga, Vienna, Innsbruck e Anversa. Nel febbraio 1607 va in scena a Mantova con grande successo la prima opera di Monteverdi, Orfeo (libretto di A. Strigio). Monteverdi ha trasformato un'opera pastorale destinata alle feste di palazzo in un vero dramma sulla sofferenza e il tragico destino di Orfeo, sulla bellezza immortale della sua arte. (Monteverdi e Striggio hanno mantenuto la versione tragica dell'epilogo del mito: Orfeo, lasciando il regno dei morti, viola il divieto, guarda indietro a Euridice e la perde per sempre.) "Orfeo" si distingue per una ricchezza di mezzi sorprendente per un antico lavoro. Declamazioni espressive e un'ampia cantilena, cori ed ensemble, balletto, una parte orchestrale sviluppata servono a incarnare un'idea profondamente lirica. Fino ad oggi è sopravvissuta solo una scena della seconda opera di Monteverdi, Arianna (1608). Questo è il famoso "Lamento di Arianna" ("Lasciami morire …"), che è servito da prototipo per molte arie di lamento (arie di lamento) nell'opera italiana. (Il lamento di Arianna è noto in due versioni: per voce sola e nella forma di un madrigale a cinque voci.)
Nel 1613 Monteverdi si trasferì a Venezia e fino alla fine della sua vita rimase al servizio di Kapellmeister nella Cattedrale di San Marco. La ricca vita musicale di Venezia ha aperto nuove opportunità per il compositore. Monteverdi scrive opere, balletti, intermezzi, madrigali, musiche per feste di chiesa e di corte. Una delle opere più originali di questi anni è la scena drammatica “Il duello di Tancredi e Clorinda” tratta dal testo del poema “Gerusalemme Liberata” di T. Tasso, che unisce lettura (la parte del Narratore), recitazione (la parti recitative di Tancredi e Clorinda) e un'orchestra che raffigura lo svolgimento del duello, rivela la natura emotiva della scena. A proposito del “Duello” Monteverdi scrisse del nuovo stile del concitato (eccitato, agitato), contrapponendolo allo stile “morbido, moderato” che prevaleva in quel momento.
Molti dei madrigali di Monteverdi si distinguono anche per il loro carattere fortemente espressivo e drammatico (l'ultima, ottava raccolta di madrigali, 1638, fu creata a Venezia). In questo genere di musica vocale polifonica si è formato lo stile del compositore e ha avuto luogo la selezione dei mezzi espressivi. Il linguaggio armonico dei madrigali è particolarmente originale (audaci confronti tonali, accordi cromatici, dissonanti, ecc.). Tra il 1630 e l'inizio degli anni '40. l'opera operistica di Monteverdi raggiunge il suo apice ("Ritorno di Ulisse in patria" - 1640, "Adone" - 1639, "Le nozze di Enea e Lavinia" - 1641; le ultime 2 opere non sono state conservate).
Nel 1642 va in scena a Venezia L'incoronazione di Poppea di Monteverdi (libretto di F. Businello tratto dagli Annali di Tacito). L'ultima opera del compositore 75enne è diventata un vero e proprio apice, frutto del suo percorso creativo. Specifici personaggi storici della vita reale agiscono in esso - l'imperatore romano Nerone, noto per la sua astuzia e crudeltà, il suo maestro - il filosofo Seneca. Molto in The Coronation suggerisce analogie con le tragedie del brillante contemporaneo del compositore, W. Shakespeare. Apertura e intensità delle passioni, contrasti netti, veramente "shakespeariani" di scene sublimi e di genere, commedia. Così, l'addio di Seneca agli studenti - il tragico culmine dell'oaera - è sostituito da un allegro interludio di un paggio e una cameriera, e poi inizia una vera e propria orgia - Nerone ei suoi amici deridono il maestro, ne celebrano la morte.
"La sua unica legge è la vita stessa", ha scritto R. Rolland su Monteverdi. Con il coraggio delle scoperte, il lavoro di Monteverdi era molto in anticipo sui tempi. Il compositore prevedeva un futuro molto lontano del teatro musicale: il realismo della drammaturgia operistica di WA Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Forse è per questo che il destino delle sue opere è stato così sorprendente. Per molti anni sono rimasti nell'oblio e sono tornati in vita solo ai nostri tempi.
I. Okhalova
Figlio di un medico e primogenito di cinque fratelli. Ha studiato musica con MA Ingenieri. All'età di quindici anni pubblicò Melodie spirituali, nel 1587 – il primo libro di madrigali. Nel 1590, alla corte del duca di Mantova, Vincenzo Gonzaga divenne violista e cantore, poi capo della cappella. Accompagna il duca in Ungheria (durante la campagna di Turchia) e nelle Fiandre. Nel 1595 sposa la cantante Claudia Cattaneo, che gli darà tre figli; morirà nel 1607 poco dopo il trionfo dell'Orfeo. Dal 1613 – incarico a vita di capo cappella nella Serenissima; la composizione di musica sacra, gli ultimi libri di madrigali, opere drammatiche, in gran parte perdute. Intorno al 1632 prese il sacerdozio.
L'opera operistica di Monteverdi ha fondamenta molto solide, essendo il frutto di precedenti esperienze nella composizione di madrigali e di musica sacra, generi nei quali il maestro cremonese raggiunse risultati incomparabili. Le tappe principali della sua attività teatrale – almeno, in base a quanto ci è pervenuto – sembrano essere due periodi nettamente distinti: la Mantova di inizio secolo e quella veneziana, che ne cade a metà.
Indubbiamente “Orpheus” è l'affermazione più eclatante in Italia dello stile vocale e drammatico del primo Seicento. Il suo significato è determinato dalla teatralità, una grande saturazione di effetti, anche orchestrali, richiami sensibili e incantesimi, in cui la recitazione del canto fiorentino (molto arricchita di alti e bassi emotivi) sembra lottare con numerosi inserti madrigalici, così che il canto di Orfeo è un esempio quasi classico della loro competizione.
Nelle ultime opere del periodo veneziano, scritte più di trent'anni dopo, si avvertono i vari mutamenti stilistici avvenuti nel melodramma italiano (soprattutto dopo il fiorire della scuola romana) e i corrispondenti mutamenti nei mezzi espressivi, tutti presentati e combinato con grande libertà in una tela drammatica molto ampia, persino prodiga. Gli episodi corali vengono rimossi o significativamente ridotti, arioso e recitativo vengono combinati in modo flessibile e funzionale a seconda delle esigenze del dramma, mentre altre forme più sviluppate e simmetriche, con movimenti ritmici più netti, vengono introdotte nell'architettura teatrale, anticipando la successiva tecnica di autonomizzazione il linguaggio operistico, introduzione, per così dire, modelli e schemi formali, più indipendenti dalle sempre mutevoli esigenze del dialogo poetico.
Tuttavia, Monteverdi, ovviamente, non ha corso il rischio di allontanarsi dal testo poetico, poiché è sempre stato fedele alle sue idee sulla natura e lo scopo della musica come servitore della poesia, aiutando quest'ultima nella sua eccezionale capacità di esprimere sentimenti umani.
Non dimentichiamo che a Venezia il compositore trovò un'atmosfera favorevole per un libretto con trame storiche che avanzavano sulla via della ricerca della “verità”, o comunque con trame propizie alla ricerca psicologica.
Memorabile è la piccola opera da camera di Monteverdi “Il duello di Tancredi e Clorinda” su testo di Torquato Tasso – appunto un madrigale in stile pittorico; collocata in casa del conte Girolamo Mocenigo durante il carnevale del 1624, emozionò il pubblico, “quasi strappandole le lacrime”. Si tratta di un misto di oratorio e balletto (gli eventi sono rappresentati in pantomima), in cui il grande compositore stabilisce un legame stretto, persistente e preciso tra poesia e musica nello stile della più pura recitazione melodiosa. Il più grande esempio di poesia messa in musica, musica quasi colloquiale, "Duel" include momenti fantastici e sublimi, mistici e sensuali in cui il suono diventa quasi un gesto figurativo. Nel finale una breve serie di accordi si trasforma in una radiosa “maggiore”, in cui la modulazione si esaurisce senza il necessario tono di testa, mentre la voce esegue una cadenza su una nota non compresa nell'accordo, poiché in questo momento si apre un'immagine di un mondo nuovo e diverso. Il pallore della morente Clorinda significa beatitudine.
G. Marchesi (tradotto da E. Greceanii)
