Dmitri Bashkirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitry Bashkirov

Molti dei giovani musicisti che si sono conosciuti nei primi anni Cinquanta al Conservatorio di Mosca ricordano probabilmente la prima apparizione nei corridoi delle aule di un giovane bruno, magro, dai movimenti impetuosi e dalla mimica vivace su un volto mobile ed espressivo. Si chiamava Dmitry Bashkirov, i suoi compagni iniziarono presto a chiamarlo semplicemente Delik. Di lui si sapeva poco. Si diceva che si fosse diplomato alla scuola di musica decennale di Tbilisi con Anastasia Davidovna Virsaladze. Una volta, a uno degli esami, Alexander Borisovich Goldenweiser lo ascoltò: lo ascoltò, ne fu felicissimo e gli consigliò di completare la sua educazione nella capitale.

Il nuovo allievo di Goldenweiser aveva molto talento; guardandolo – una persona emotiva diretta e rara – non era difficile notarlo: così appassionatamente e disinteressatamente, con un dono di sé così generoso, solo le nature veramente dotate possono reagire all'ambiente come lui …

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov è diventato famoso come concertista nel corso degli anni. Nel 1955 vinse il Gran Premio al concorso M. Long – J. Thibault a Parigi; questo ha lanciato la sua carriera teatrale. Ora ha alle spalle centinaia di esibizioni, è stato applaudito a Novosibirsk e Las Palmas, Chisinau e Filadelfia, nelle piccole città del Volga e nelle grandi sale da concerto di fama mondiale. Il tempo è cambiato molto nella sua vita. Tanto meno nel suo carattere. Lui, come prima, è impulsivo, come se l'argento vivo fosse mutevole e veloce, ogni minuto è pronto a lasciarsi trasportare da qualcosa, a prendere fuoco …

Le proprietà della natura Bashkir, che sono state menzionate, sono chiaramente visibili nella sua arte. I colori di quest'arte non si sono sbiaditi e sbiaditi negli anni, non hanno perso la loro ricchezza, intensità, iridescenza. Il pianista sta suonando, come prima, eccitato; altrimenti come poteva preoccuparsi? Forse non c'era motivo per nessuno di rimproverare all'artista Bashkirov l'indifferenza, l'apatia spirituale, la sazietà per la ricerca creativa. Per questo è troppo irrequieto come persona e artista, costantemente ardente di una sorta di inestinguibile fuoco interiore. Questo potrebbe essere il motivo di alcuni dei suoi fallimenti sul palco. Indubbiamente, invece, è proprio da qui, dall'inquietudine creativa e dalla maggior parte dei suoi successi.

Sulle pagine della stampa critica musicale, Bashkirov è spesso definito un pianista romantico. In effetti, rappresenta chiaramente moderno romanticismo. (VV Sofronitsky, parlando con V. Yu. Delson, ha lasciato cadere: "Dopotutto, esiste anche il romanticismo moderno, e non solo il romanticismo del XIX secolo, sei d'accordo?" (Ricordi di Sofronitsky. S. 199.)). Qualunque compositore interpreti Bashkirov – Bach o Schumann, Haydn o Brahms – sente la musica come se fosse stata creata oggi. Per i frequentatori di concerti del suo genere, l'autore è sempre un contemporaneo: i suoi sentimenti sono vissuti come suoi, i suoi pensieri diventano suoi. Non c'è niente di più estraneo a questi spettatori della stilizzazione, "rappresentazione", un falso per arcaico, una dimostrazione di una reliquia museale. Questa è una cosa: la sensazione musicale dell'artista nostro era nostro giorni. C'è qualcos'altro, che ci permette anche di parlare di Bashkirov come un tipico rappresentante delle arti performative contemporanee.

Ha un pianismo preciso e magistralmente realizzato. Si credeva che la musica romantica fosse impulsi sfrenati, esplosioni spontanee di sentimenti, una stravaganza di macchie sonore dai colori vivaci, anche se un po 'informe. Gli intenditori hanno scritto che gli artisti romantici gravitano verso "vago, iridescente, illeggibile e nebbioso", che sono "lontani dal disegno di gioielli di sciocchezze" (Martins KA Tecnica pianistica individuale. – M., 1966. S. 105, 108.). Ora i tempi sono cambiati. Criteri, giudizi, gusti sono stati modificati. Nell'era della registrazione grammofonica inesorabilmente rigorosa, delle trasmissioni radiofoniche e televisive, le “nebulose” sonore e la “vaghezza” non sono perdonate da nessuno, a nessuno e in nessuna circostanza. Bashkirov, un romantico dei nostri giorni, è moderno, tra l'altro, per l'attento "fatto" del suo apparato performativo, l'abile messa a punto di tutti i suoi dettagli e collegamenti.

Ecco perché la sua musica è buona, richiedendo la completezza incondizionata della decorazione esterna, "disegno di gioielli di sciocchezze". L'elenco dei suoi successi esecutivi è aperto da cose come i preludi di Debussy, le mazurche di Chopin, "Fleeting" e la quarta sonata di Prokofiev, "Foglie colorate" di Schumann, Fantasia e romanzo in fa diesis minore, molto da Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Ci sono molte cose interessanti che attirano gli ascoltatori nel suo repertorio classico: Bach (concerto in fa minore), Haydn (sonata in mi bemolle maggiore), Mozart (concerti: Nona, Quattordicesima, Diciassettesima, Ventiquattresima), Beethoven (sonate: “ Lunare”, “Pastorale”, Diciottesimo, concerti: Primo, Terzo, Quinto). In una parola, tutto ciò che vince nella trasmissione teatrale di Bashkirov è dove in primo piano c'è un pattern sonoro elegante e chiaro, un elegante inseguimento di texture strumentali.

(In precedenza si diceva che coloro che suonano il pianoforte, come i pittori, usano diverse tecniche di "scrittura": alcuni come una matita sonora affilata, altri come guazzo o acquerello, e altri ancora come colori ad olio a pedale pesante. Bashkirov è spesso associato con un pianista-incisore: sottile trama sonora su un luminoso sfondo emotivo…)

Come molte persone veramente dotate, Bashkirov sembra essere cambiato dalla felicità creativa. Sa essere autocritico: “Penso di esserci riuscito in questa commedia”, si sente dire dopo il concerto, “ma questa no. L'eccitazione si è messa di mezzo... Qualcosa si è “spostato”, si è rivelato essere fuori “messa a fuoco” – non nel modo in cui era previsto. È noto che l'eccitazione interferisce con tutti: debuttanti e maestri, musicisti, attori e persino scrittori. "Il momento in cui io stesso sono più eccitato non è quello in cui posso scrivere cose che toccano lo spettatore", ha ammesso Stendhal; gli fanno eco in questo molte voci. Eppure, per alcuni, l'eccitazione è irta di grandi ostacoli e problemi, per altri meno. Le nature facilmente eccitabili, nervose ed espansive hanno difficoltà.

Nei momenti di grande eccitazione sul palco, Bashkirov, nonostante la sua volontà, accelera la performance, cade in una certa eccitazione. Questo di solito accade all'inizio delle sue esibizioni. A poco a poco, tuttavia, il suo modo di suonare diventa normale, le forme sonore acquistano chiarezza, linee – sicurezza e precisione; con un orecchio esperto, si può sempre cogliere quando un pianista riesce a far cadere un'ondata di eccessiva ansia da palcoscenico. Un interessante esperimento è stato organizzato per caso in una delle serate di Bashkirov. Ha suonato la stessa musica due volte di seguito: il finale del quattordicesimo concerto per pianoforte di Mozart. La prima volta – un po' frettolosa e concitata, la seconda (per il bis) – più contenuta nel ritmo, con più pacatezza e autocontrollo. È stato interessante osservare come la situazionemeno eccitazione“ha trasformato il gioco, ha dato un risultato artistico diverso e superiore.

Le interpretazioni di Bashkirov hanno poco in comune con i soliti stampini, campioni di performance familiari; questo è il loro ovvio vantaggio. Possono essere (e sono) controverse, ma non incolori, troppo soggettive, ma non insipide. Ai concerti dell'artista è quasi impossibile incontrare persone indifferenti, non gli vengono rivolte quelle lodi educate e insignificanti che di solito si fanno alla mediocrità. L'arte di Bashkirov viene accolta con calore ed entusiasmo, oppure, con non meno fervore e interesse, discutono con il pianista, in qualche modo in disaccordo con lui e in disaccordo con lui. Come artista, ha familiarità con l'“opposizione” creativa; in linea di principio, questo può e deve essere accreditato.

Alcuni dicono: nel gioco di Bashkirov, dicono, c'è molto esterno; a volte è teatrale, pretenzioso… Probabilmente, in tali affermazioni, a parte differenze di gusti del tutto naturali, c'è un malinteso sulla natura stessa della sua performance. È possibile non tenere conto delle singole caratteristiche tipologiche di questo o quell'artistico | personalità? Bashkirov il concertante – tale è la sua natura – “guardava” sempre efficacemente dall'esterno; si è rivelato brillantemente e brillantemente nell'esterno; quello che sarebbe uno spettacolo teatrale o uno strimpellare per un altro, ha solo un'espressione organica e naturale del suo "io" creativo. (Il teatro mondiale ricorda Sarah Bernhardt con i suoi modi di scena quasi eccentrici, ricorda la modesta, a volte poco appariscente esteriormente Olga Osipovna Sadovskaya - in entrambi i casi era vera, grande arte.) conducono a un sottotesto distante, quasi indistinguibile. Se dobbiamo assumere la posizione di un critico, allora piuttosto in un'altra occasione.

Sì, l'arte del pianista regala al pubblico emozioni aperte e forti. Ottima qualità! Sul palco del concerto, spesso ne incontri una carenza, piuttosto che un eccesso. (Di solito "falliscono" nella manifestazione dei sentimenti, e non viceversa.) Tuttavia, nei suoi stati psicologici - eccitazione estatica, impulsività, ecc. - Bashkirov era talvolta, almeno prima, in qualche modo uniforme. Si può citare come esempio la sua interpretazione della sonata in si bemolle minore di Glazunov: mancava di ampiezza epica. O il Secondo Concerto di Brahms – dietro i fuochi d'artificio abbaglianti e luminosi delle passioni, negli anni passati, la riflessione introspettiva dell'artista non si è sempre sentita in esso. Dalle interpretazioni di Bashkirov c'era un'espressione rovente, una corrente di alta tensione nervosa. E l'ascoltatore a volte cominciava a provare una brama di modulazioni in altre tonalità emotive più lontane, in altre sfere di sentimenti più contrastanti.

Tuttavia, parlando ora di prima l'ex. Le persone che conoscono bene le arti dello spettacolo di Bashkirov trovano costantemente in lui cambiamenti, cambiamenti e interessanti trasformazioni artistiche. O si può vedere la selezione del repertorio dell'artista più accurata, oppure vengono rivelati metodi di espressività precedentemente sconosciuti (negli ultimi anni, ad esempio, le parti lente dei cicli di sonate classiche in qualche modo suonavano particolarmente pulite e piene di sentimento). Indubbiamente, la sua arte si arricchisce di nuove scoperte, sfumature emotive più complesse e varie. Ciò si può vedere, in particolare, nell'esecuzione da parte di Bashkirov dei concerti di KFE , Fantasia e Sonata in do minore di Mozart, versione per pianoforte del Concerto per violino op. 1987 di Beethoven, ecc.)

Bashkirov è un grande conversatore. È naturalmente curioso e curioso; è interessato a molte cose; oggi, come in gioventù, guarda da vicino tutto ciò che è connesso con l'arte, con la vita. Inoltre, Bashkirov sa formulare in modo chiaro e chiaro i suoi pensieri: non è un caso che abbia pubblicato diversi articoli sui problemi dell'esecuzione musicale.

"Ho sempre detto", ha osservato una volta Dmitry Alexandrovich in una conversazione, "che nella creatività scenica la cosa principale e più importante è determinata dal magazzino stesso del talento dell'artista - il suo caratteristiche e proprietà personali individuali. È a questo che si collega l'approccio dell'esecutore a determinati fenomeni artistici, l'interpretazione di singole opere. La critica e parte del pubblico, a volte, non tengono conto di questa circostanza – giudicando astrattamente il gioco dell'artista, in base a come loro dal Mi piacerebbe sentire la musica che viene riprodotta. Questo è completamente falso.

Nel corso degli anni, in genere, credo sempre meno nell'esistenza di alcune formule congelate e univoche. Ad esempio – come è necessario (o, al contrario, non necessario) interpretare questo o quell'autore, questo o quel saggio. La pratica dimostra che le decisioni sulle prestazioni possono essere molto diverse e ugualmente convincenti. Anche se questo non significa, ovviamente, che l'artista abbia diritto all'ostinazione o all'arbitrarietà stilistica.

Un'altra domanda. È necessario al momento della maturità, avendo alle spalle 20-30 anni di esperienza professionale, suonare il pianoforte? Scopri di piùche in gioventù? O viceversa: è più ragionevole ridurre l'intensità dei carichi di lavoro con l'età? Ci sono diversi punti di vista e punti di vista su questo. "Mi sembra che la risposta qui possa essere solo puramente individuale", crede Bashkirov. “Ci sono artisti che chiamiamo virtuosi nati; hanno certamente bisogno di meno sforzi per mantenersi in buona forma. E ce ne sono altri. Coloro a cui non è mai stato dato niente del genere, ovviamente, senza sforzo. Naturalmente, devono lavorare instancabilmente per tutta la vita. E negli anni successivi ancor più che in gioventù.

In realtà, devo dire che tra i grandi musicisti, non ho quasi mai incontrato quelli che, con il passare degli anni, con l'età, indebolirebbero le loro pretese su se stessi. Di solito accade il contrario”.

Dal 1957 Bashkirov insegna al Conservatorio di Mosca. Inoltre, nel tempo, il ruolo e l'importanza della pedagogia per lui stanno aumentando sempre di più. “Nella mia giovinezza, ho spesso ostentato che, dicono, avevo tempo per tutto, sia per insegnare che per prepararmi per i concerti. E che l'uno non solo non è di intralcio all'altro, ma forse anche viceversa: l'uno sostiene, rafforza l'altro. Oggi, non lo discuterei... Il tempo e l'età fanno ancora i loro aggiustamenti – non puoi valutare qualcosa in modo diverso. Al giorno d'oggi tendo a pensare che l'insegnamento crei certe difficoltà all'esecuzione concertistica, la limiti. Ecco un conflitto che cerchi costantemente di risolvere e, sfortunatamente, non sempre con successo.

Naturalmente, ciò che è stato detto sopra non significa che io metta in discussione la necessità o l'opportunità del lavoro pedagogico per me stesso. Non c'è modo! È diventata una parte così importante e integrante della mia esistenza che non ci sono dilemmi al riguardo. Sto solo affermando i fatti così come sono.

Attualmente, Bashkirov tiene circa 55 concerti a stagione. Questa cifra è abbastanza stabile per lui e praticamente non è cambiata da diversi anni. “So che ci sono persone che si esibiscono molto di più. Non vedo nulla di sorprendente in questo: ognuno ha diverse riserve di energia, resistenza, forza fisica e mentale. La cosa principale, penso, non è quanto giocare, ma come. Cioè, il valore artistico delle esibizioni è importante prima di tutto. Perché il senso di responsabilità per quello che fai sul palco è in costante crescita.

Oggi, continua Dmitry Aleksandrovich, è molto difficile occupare un posto degno sulla scena musicale e performativa internazionale. Bisogno di giocare abbastanza spesso; giocare in diverse città e paesi; eseguire vari programmi. E, naturalmente, dai tutto. ad un livello professionale piuttosto elevato. Solo in tali condizioni l'artista, come si suol dire, sarà in vista. Certo, per chi si occupa di pedagogia, questo è più difficile che per un non insegnante. Pertanto, molti giovani spettatori essenzialmente ignorano l'insegnamento. E da qualche parte si possono capire – vista la competizione sempre crescente nel mondo artistico…”

Tornando alla conversazione sul proprio lavoro pedagogico, Bashkirov afferma che in generale si sente completamente felice. Felice perché ha studenti, comunicazione creativa con la quale gli ha portato – e continua a regalare – grande gioia. “Se guardi il meglio di loro, devi ammettere che il percorso verso la fama non è stato disseminato di rose per nessuno. Se hanno ottenuto qualcosa, è principalmente grazie ai loro sforzi. E la capacità di autosviluppo creativo (che considero il più importante per un musicista). Mio fattibilità artistica hanno dimostrato non dal numero di serie di questa o quella competizione, ma dal fatto che suonano oggi sui palcoscenici di molti paesi del mondo.

Vorrei spendere una parola speciale su alcuni dei miei studenti. Abbastanza brevemente. Letteralmente in poche parole.

Dmitrij Alekseev. Mi piace dentro Conflitto internoche io, come suo maestro, conosco bene. Conflitto nel miglior senso della parola. Potrebbe non essere molto visibile a prima vista, piuttosto nascosto che vistoso, ma esiste, esiste e questo è molto importante. Alekseev è chiaramente consapevole dei suoi punti di forza e di debolezza, capisce che la lotta tra loro e significa andare avanti nella nostra professione. Questo movimento può fluire con lui, come con gli altri, in modo fluido e uniforme, oppure può assumere la forma di crisi e scoperte inaspettate in nuove sfere creative. Non importa come. È importante che il musicista vada avanti. Di Dmitry Alekseev, mi sembra, questo si può dire senza timore di esagerare. Il suo alto prestigio internazionale non è casuale.

Nikolaj Demidenko. C'era un atteggiamento un po 'condiscendente nei suoi confronti una volta. Alcuni non credevano nel suo futuro artistico. Cosa posso dire di questo? È noto che alcuni artisti maturano prima, più velocemente (a volte maturano anche troppo velocemente, come alcuni smanettoni che si esauriscono per il momento, per il momento), per altri questo processo procede più lentamente, con più calma. Ci vogliono anni per svilupparsi completamente, maturare, stare in piedi, tirare fuori il meglio che hanno... Oggi Nikolay Demidenko ha una pratica ricca, suona molto in varie città del nostro paese e all'estero. Non riesco ad ascoltarlo molto spesso, ma quando vado alle sue esibizioni, vedo che molte cose che fa ora non sono proprio le stesse di prima. A volte quasi non riconosco nella sua interpretazione di quei lavori che abbiamo passato in classe. E per me, come insegnante, questa è la ricompensa più grande...

Sergej Erokhin. All'VIII Concorso Ciajkovskij era tra i vincitori, ma la situazione in questo concorso era molto difficile per lui: si era appena smobilitato dai ranghi dell'esercito sovietico e, naturalmente, era ben lungi dall'essere la sua migliore forma creativa. Nel tempo trascorso dalla competizione, Sergei ha ottenuto, mi sembra, un grandissimo successo. Permettetemi di ricordarvi almeno il suo secondo premio al concorso a Santander (Spagna), di cui ha scritto uno degli influenti giornali di Madrid: "Le esibizioni di Sergey Erokhin valevano non solo il primo premio, ma l'intero concorso". Insomma, non ho dubbi che Sergei abbia un brillante futuro artistico. Del resto è nato, secondo me, non per le competizioni, ma per il palcoscenico.

Alexander Bonduryansky. Si dedicò interamente alla musica da camera. Per diversi anni, Alexander si è esibito come parte del Moscow Trio, cementandolo con la sua volontà, entusiasmo, devozione, dedizione e alta professionalità. Seguo con interesse le sue attività, mi convinco ancora e ancora quanto sia importante per un musicista trovare la propria strada. Mi piacerebbe pensare che il punto di partenza dell'interesse di Bonduryansky per la musica da camera sia stata la sua osservazione del mio lavoro creativo congiunto in trio con I. Bezrodny e M. Khomitser.

Eiro Heinonen. A casa, in Finlandia, è uno dei più famosi pianisti e insegnanti (ora è professore alla Sibelius Academy di Helsinki). Ricordo con piacere i miei incontri con lui.

Dannazione Thai Sean. Ho studiato con lui quando era uno studente laureato al Conservatorio di Mosca; incontrato con lui più tardi. Ho avuto impressioni estremamente piacevoli dai contatti con Sean – una persona e un artista. È intelligente, intelligente, affascinante e incredibilmente talentuoso. C'è stato un tempo in cui ha vissuto qualcosa come una crisi: si è trovato in uno spazio chiuso di un unico stile, e anche lì a volte sembrava poco vario e sfaccettato … Sean ha ampiamente superato questo periodo di crisi; la profondità dell'esecuzione del pensiero, la scala dei sentimenti, il dramma apparso nel suo modo di suonare … Ha un magnifico presente pianistico e, senza dubbio, un futuro non meno invidiabile.

Oggi nella mia classe ci sono altri giovani musicisti interessanti e promettenti. Ma stanno ancora crescendo. Pertanto, mi asterrò dal parlarne.

Come ogni insegnante di talento, Bashkirov ha il suo stile di lavoro con gli studenti. Non gli piace rivolgersi a categorie e concetti astratti in classe, non gli piace allontanarsi molto dal lavoro studiato. Usa raramente, nelle sue stesse parole, parallelismi con altre arti, come fanno alcuni dei suoi colleghi. Parte dal fatto che la musica, la più universale di tutte le forme d'arte, ha le sue leggi, le sue “regole”, la sua specificità artistica; quindi, tenta di condurre lo studente ad una soluzione puramente musicale attraverso la sfera non musicale sono in qualche modo artificiali. Quanto alle analogie con la letteratura, la pittura, ecc., possono solo dare uno slancio alla comprensione dell'immagine musicale, ma non sostituirla con qualcos'altro. Succede che queste analogie e parallelismi causino anche qualche danno alla musica – la semplificano … “Penso che sia meglio spiegare allo studente cosa vuoi con l'aiuto delle espressioni facciali, il gesto di un direttore e, naturalmente, un'esibizione dal vivo su la tastiera.

Tuttavia, puoi insegnare in questo modo e in quel modo... Di nuovo, non può esserci una formula unica e universale in questo caso.

Ritorna costantemente e con insistenza su questo pensiero: non c'è niente di peggio del pregiudizio, del dogmatismo, dell'unidimensionalità nell'approccio all'arte. “Il mondo della musica, in particolare della performance e della pedagogia, è infinitamente vario. Qui possono e devono convivere pienamente le più diverse aree di valori, verità artistiche e specifiche soluzioni creative. Succede che alcune persone argomentano così: mi piace – significa che è buono; Se non ti piace, allora è decisamente brutto. Tale logica, per così dire, mi è profondamente estranea. Cerco di renderlo estraneo anche ai miei studenti.

… Sopra, Bashkirov ha parlato del conflitto interno del suo allievo Dmitry Alekseev – conflitto “nel miglior senso della parola”, che “significa andare avanti nella nostra professione”. Coloro che conoscono da vicino Dmitry Alexandrovich concorderanno sul fatto che, prima di tutto, tale conflitto è evidente in lui stesso. Era lei che, unita a un capzioso rigore verso se stesso (Una volta, 7-8 anni fa, Bashkirov disse che si dava qualcosa come voti per le esibizioni: “I punti, a dire il vero, di solito sono bassi … In un anno tu devo fare decine di concerti, ma sono veramente soddisfatto al massimo di pochi...” A questo proposito, mi viene involontariamente in mente un episodio che GG Neuhaus amava ricordare: “Leopold Godovsky, il mio glorioso maestro, una volta mi disse: “Io ha tenuto in questa stagione 83 concerti, e sai di quanti mi ha fatto piacere? – tre! (Neigauz GG Riflessioni, ricordi, diari // Articoli selezionati. Lettere ai genitori. P. 107).) – e lo ha aiutato a diventare una delle figure più importanti del pianismo della sua generazione; è lei che porterà all'artista, senza dubbio, molte altre scoperte creative.

G. Cypin, 1990