Musica |

greco moysikn, da mousa – musa

Un tipo di arte che riflette la realtà e colpisce una persona attraverso sequenze sonore significative e organizzate in modo speciale per altezza e tempo, costituite principalmente da toni (suoni di una certa altezza, vedi Suono musicale). Esprimendo i pensieri e le emozioni di una persona in una forma udibile, M. funge da mezzo di comunicazione tra le persone e influenza la loro psiche. La possibilità di ciò deriva dalla connessione fisicamente e biologicamente condizionata delle manifestazioni sonore di una persona (così come di molti altri esseri viventi) con la sua mente. vita (soprattutto emotiva) e dall'attività del suono come irritante e segnale di azione. Per molti aspetti, M. è simile al parlato, più precisamente all'intonazione del parlato, dove ext. lo stato di una persona e il suo atteggiamento emotivo nei confronti del mondo sono espressi attraverso cambiamenti di tono e altre caratteristiche del suono della voce durante l'espressione. Questa analogia ci permette di parlare della natura intonazionale di M. (vedi Intonazione). Allo stesso tempo, M. differisce in modo significativo dal discorso, principalmente per le qualità insite in esso come arte. Tra questi: la mediazione del riflesso della realtà, le funzioni utilitaristiche facoltative, il ruolo più importante dell'estetica. funzioni, artt. il valore sia del contenuto che della forma (la natura individuale delle immagini e la loro incarnazione, la manifestazione della creatività, il talento artistico generale e specificamente musicale dell'autore o dell'esecutore, ecc.). Rispetto al mezzo universale della comunicazione sonora umana – la parola, la specificità di M. si manifesta anche nell'impossibilità di esprimere inequivocabilmente concetti specifici, nel rigoroso ordinamento dell'altezza e delle relazioni temporali (ritmiche) dei suoni (a causa dell'altezza fissa e durata di ciascuno di essi), che ne accresce notevolmente l'espressività emotiva ed estetica.

Essendo "l'arte del significato intonato" (BV Asafiev), la musica esiste davvero e funziona nella società solo nel suono dal vivo, nella performance. In alcune arti, M. confina, in primo luogo, a quelle non pittoriche (poesia lirica, architettura, ecc.), cioè tali, per le quali non è necessario riprodurre la struttura materiale di determinati oggetti, e, in secondo luogo, a quelle temporanee quelli (danza, letteratura, teatro, cinema), cioè tali, che si dispiegano nel tempo, e, in terzo luogo, allo spettacolo (la stessa danza, teatro, cinema), cioè che richiedono intermediari tra creatività e percezione. Allo stesso tempo, sia il contenuto che la forma dell'arte sono specifici rispetto ad altri tipi di arte.

Il contenuto di M. è costituito da immagini artistico-intonazionali, cioè catturate in suoni significativi (intonazioni), risultati di riflessione, trasformazione ed estetica. valutazione della realtà oggettiva nella mente di un musicista (compositore, interprete).

Il ruolo dominante nel contenuto di M. è svolto dagli “artt. emozioni” – selezionati in base alle possibilità e agli obiettivi dell'affermazione, ripuliti da momenti casuali e stati e processi emotivi significativi. Il loro posto di primo piano nella musica. il contenuto è predeterminato dalla natura sonora (intonazione) e temporale di M., che gli consente, da un lato, di fare affidamento su migliaia di anni di esperienza nel rivelare esternamente le emozioni delle persone e nel trasferirle ad altri membri della società, principalmente e cap. arr. attraverso i suoni, e dall'altro, per esprimere adeguatamente l'esperienza come movimento, processo con tutti i suoi cambiamenti e sfumature, dinamico. sali e scendi, transizioni reciproche di emozioni e loro collisioni.

Da dic. tipi di emozioni M. tende soprattutto a incarnare gli stati d'animo: gli stati emotivi di una persona, non diretti, a differenza dei sentimenti, a uno specifico. soggetto (sebbene causato da ragioni oggettive): divertimento, tristezza, allegria, sconforto, tenerezza, fiducia, ansia, ecc. M. riflette anche ampiamente gli aspetti emotivi delle qualità intellettuali e volitive di una persona (e i processi corrispondenti): premurosità , determinazione, energia, inerzia, impulsività, moderazione, perseveranza, mancanza di volontà, serietà, frivolezza, ecc. Questo permette a M. di rivelare non solo psicologici. stati delle persone, ma anche dei loro caratteri. Nell'espressione più concreta (ma non tradotta nel linguaggio delle parole), sottilissima e “contagiosa” delle emozioni, M. non conosce eguali. È su questa capacità che si basa la sua diffusa definizione di “linguaggio dell'anima” (AN Serov).

Nella musica Il contenuto comprende anche “Arts. pensieri” selezionati, come le emozioni, e strettamente legati a questi ultimi, “sentiti”. Allo stesso tempo, con i propri mezzi, senza l'aiuto di parole, ecc. vnemuz. fattori, M. non può esprimere tutti i tipi di pensieri. Non è caratterizzata da messaggi-pensiero estremamente concreti, facilmente accessibili per l'espressione a parole, contenenti informazioni su qualsiasi fatto, ed estremamente astratti, che non provocano associazioni emotive e visivo-figurative. Tuttavia, M. è abbastanza accessibile a tali pensieri-generalizzazioni, espressi in concetti relativi alla dinamica. lato sociale e mentale. fenomeni, alle qualità morali, ai tratti caratteriali e agli stati emotivi di una persona e della società. In puro istr. Le opere di grandi compositori di epoche diverse incarnavano profondamente e vividamente le loro idee sull'armonia o la disarmonia del mondo, sulla stabilità o instabilità delle relazioni sociali in una data società, sull'integrità o frammentazione delle società. e la coscienza personale, il potere o l'impotenza di una persona, ecc. Un ruolo enorme nell'incarnazione di pensieri-generalizzazioni astratte è svolto dalla drammaturgia musicale, cioè dal confronto, dalla collisione e dallo sviluppo di immagini musicali. Le maggiori occasioni per esprimere significative idee generalizzatrici delle muse vere e proprie. il mezzo dà il sinfonismo come dialettico. sviluppo di un sistema di immagini, che porta alla formazione di una nuova qualità.

Nel tentativo di ampliare la portata del mondo delle idee filosofiche e sociali, i compositori si rivolgono spesso alla sintesi della musica con la parola come portatrice di uno specifico contenuto concettuale (vok. e program instr. M., v. Program music), così come con la musica di scena. azione. Grazie alla sintesi con la parola, l'azione e altri fattori non musicali, le possibilità della musica si espandono. In esso si formano nuovi tipi di muse. immagini, to-rye costantemente associati nelle società. coscienza con concetti e idee espressi da altre componenti di sintesi, per poi passare in “puro” M. come portatori degli stessi concetti e idee. Inoltre, i compositori usano simboli sonori (segni convenzionali) che sono sorti nelle società. pratica (vari tipi di segnali, ecc.; questo include anche brani o melodie che esistono in un determinato ambiente sociale e che hanno ricevuto in esso un significato univoco stabile, che sono diventati "emblema musicali" di qualsiasi concetto), oppure creano i propri , nuova musica. segni”. Di conseguenza, il contenuto di M. comprende un vasto e continuamente arricchito cerchio di idee.

Un posto relativamente limitato in M. è occupato dalle immagini visive di specifici fenomeni della realtà, incarnati nella musica. le immagini, cioè nei suoni, to-rye riproducono i segni sensuali di questi fenomeni (vedi pittura sonora). Il piccolo ruolo della rappresentazione nell'arte è oggettivamente dovuto alla capacità molto minore dell'udito, rispetto alla vista, di informare una persona sulle caratteristiche materiali specifiche degli oggetti. Tuttavia, in M. dec. si trovano spesso schizzi di natura e “ritratti”. persone e immagini o "scene" della vita di dec. strati della società di un determinato paese ed epoca. Si presentano come un'immagine (riproduzione) più o meno diretta (sebbene inevitabilmente soggetta alla logica musicale) dei suoni della natura (rumore del vento e dell'acqua, canto degli uccelli, ecc.), di una persona (intonazione del linguaggio, ecc.) e società (suoni non musicali e generi musicali quotidiani che fanno parte della vita pratica), e la ricreazione delle caratteristiche visibili e altre concrete-sensoriali degli oggetti con l'aiuto di associazioni (canto degli uccelli - l'immagine di una foresta), analogie (un'ampia muoversi in una melodia - un'idea di spazio vuoto) e sinestesia - connessioni tra sensazioni uditive e visive, tattili, sensazioni di peso, ecc. (i suoni alti sono leggeri, acuti, leggeri, sottili; i suoni bassi sono scuri, opachi, pesanti , spesso). Le rappresentazioni spaziali, per la presenza di associazioni, analogie e sinestesie, accompagnano necessariamente la percezione di M., tuttavia non sempre significano la presenza in questo prodotto. immagini come immagini visive integrali di oggetti specifici. Se le immagini sono disponibili nella musica. i prodotti, quindi, di regola, servono solo come mezzo aggiuntivo per rivelare il contenuto ideologico ed emotivo, cioè i pensieri e gli stati d'animo delle persone, i loro caratteri e aspirazioni, i loro ideali e le valutazioni della realtà. Quindi, specifico. Oggetto delle riflessioni musicali sono l'atteggiamento (ch. arr. emotivo) di una persona e della società nei confronti del mondo, colto nelle sue dinamiche.

Il contenuto di M. (in una società di classe) è un'unità dell'individuo, della classe e dell'universale. M. esprime sempre non solo l'atteggiamento personale dell'autore nei confronti della realtà, il suo ext. mondiale, ma anche alcuni dei più importanti, tipici. caratteristiche dell'ideologia e, in particolare, della psicologia di un particolare gruppo sociale, incl. il suo sistema di sentimenti, il "tono psicologico" generale, il suo ritmo di vita intrinseco e interiore. ritmo. Allo stesso tempo, spesso trasmette la colorazione emotiva, il ritmo, il ritmo dell'epoca nel suo insieme, pensieri ed emozioni che sono vicini non a uno, ma a più. classi (ad esempio, le idee di trasformazione democratica della società, liberazione nazionale, ecc.) o anche tutte le persone (ad esempio, stati d'animo risvegliati dalla natura, amore e altre esperienze liriche), incarna alti ideali universali. Tuttavia, poiché l'universale nel mondo ideologico ed emotivo di una persona non è separato dal suo essere sociale, allora l'universale in M. acquisisce inevitabilmente un orientamento sociale.

Verissimo e, per di più, tipizzato, cioè unendo una generalizzazione con il socio-storico, nat. e la concretezza psicologica individuale, riflesso degli umori e dei caratteri delle persone in quanto membri del definito. la società funge da manifestazione di realismo nella musica. La completa assenza nella produzione di contenuti ideologici ed emotivi (compreso il mondo mentale dell'uomo), “giochi” privi di senso con i suoni o la loro trasformazione solo in un mezzo fisiologico. le influenze sugli ascoltatori portano tale “costruzione sonora” oltre i limiti di M. come arte.

M. contenuto disponibile dec. Genere: epico, drammatico, lirico. Allo stesso tempo, però, per la sua natura non pittorica, i testi ad essa più vicini, prevedendo il predominio dell'“espressione di sé” sull'immagine del mondo esterno, degli “autoritratti” psicologici sulle caratteristiche dell'altro le persone. Il contenuto di M. nel suo insieme è dominato da immagini positive che corrispondono all'ideale etico ed estetico dell'autore. Sebbene le immagini negative (e con esse l'ironia, la caricatura e il grottesco) siano entrate anche nel mondo musicale molto tempo fa, e soprattutto ampiamente dall'era del romanticismo, sono comunque rimaste la tendenza principale della musica. contenuto, permane una tendenza all'affermazione, al “canto”, e non alla negazione, alla denuncia. La tendenza di un M. così organico a rivelare ed enfatizzare il meglio di una persona ne accresce l'importanza come portavoce dell'umanesimo. inizio e portatore della funzione morale ed educativa.

L'incarnazione materiale del contenuto di M., il modo della sua esistenza è la musica. forma: un sistema musicale. suoni, in cui si realizzano i pensieri, le emozioni e le rappresentazioni figurative del compositore (vedi Forma musicale). Muse. la forma è secondaria al contenuto e generalmente ad esso subordinata. Allo stesso tempo possiede relazioni. indipendenza, tanto più grande perché l'arte, come tutte le forme d'arte non pittoriche, è molto limitata nell'uso di forme di fenomeni di vita reale e quindi inevitabilmente dà origine a proprie forme su larga scala che non si ripetono naturali quelli. Queste forme speciali sono create per esprimere specifiche. il contenuto musicale, a sua volta, lo influenza attivamente, lo "plasma". La forma musicale (così come qualsiasi artistica) è caratterizzata da una tendenza alla stabilità, stabilità, ripetizione delle strutture e dei singoli elementi, che entra in conflitto con la variabilità, la mobilità e l'originalità delle muse. contenuto. Questa è dialettica. la contraddizione nell'ambito dell'interconnessione e dell'unità si risolve di volta in volta a modo suo nel processo di creazione di muse specifiche. produzione, quando, da un lato, la forma tradizionale viene individuata e aggiornata sotto l'influenza del nuovo contenuto e, dall'altro, il contenuto viene tipizzato e in esso si rivelano e cristallizzano momenti che corrispondono ai caratteri stabili del modulo utilizzato.

Il rapporto in musica. creatività e performance tra stabile e mutevole in modi diversi nella musica. culture di diverso tipo. Nella tradizione orale di M. (folklore di tutti i paesi, prof. rivendicando il principio dell'improvvisazione (ogni volta sulla base di determinate norme stilistiche), la forma rimane aperta, “aperta”. Allo stesso tempo, le strutture tipiche di Nar. musica pl. i popoli sono più stabili delle strutture della musica professionale (vedi Musica popolare). Nella tradizione scritta M. (europea) ogni prodotto. ha una forma chiusa, più o meno stabile, sebbene qui, in alcuni stili, elementi di improvvisazione sono forniti (vedi Improvvisazione).

Oltre alla fissazione materiale del contenuto, la forma in M. svolge anche la funzione della sua trasmissione, “messaggio” alla società. Questa funzione comunicativa determina anche alcuni aspetti essenziali delle muse. forme, e soprattutto – il rispetto dei modelli generali di percezione dell'ascoltatore e (entro certi limiti) della sua tipologia e capacità in una data epoca.

Anche prese separatamente muse. i suoni hanno già delle espressioni primarie. opportunità. Ognuno di loro è in grado di causare fisiologico. una sensazione di piacere o dispiacere, eccitazione o calma, tensione o scarica, così come sinestetico. sensazioni (pesantezza o leggerezza, caldo o freddo, oscurità o luce, ecc.) e le più semplici associazioni spaziali. Queste possibilità sono utilizzate in un modo o nell'altro in qualsiasi musica. prod., ma di solito solo come lato rispetto a quelle risorse psicologiche. e influenze estetiche, che sono contenute negli strati più profondi della forma musicale, dove i suoni agiscono già come elementi di strutture organizzate integrali.

Mantenendo una certa somiglianza con i suoni della vita reale, muse. i suoni allo stesso tempo differiscono fondamentalmente da essi in quanto sono inclusi nei sistemi storicamente stabiliti sviluppati dalle muse. la pratica di una data società (vedi Sistema audio). Ogni musica. il sistema sonoro (tricordo, tetracordo, pentatonico, diatonico, sistema equatoriale a dodici suoni, ecc.) fornisce i presupposti per l'emergere di varie combinazioni stabili di toni che possono essere ripetutamente riprodotte orizzontalmente e verticalmente. Allo stesso modo in ogni cultura vengono selezionati e aggiunti al sistema della durata dei suoni, che consente di formare tipi stabili delle loro sequenze temporali.

In M., oltre ai toni, si usano anche suoni indefiniti. altezza (rumore) o simili, la cui altezza non viene presa in considerazione. Tuttavia, svolgono un ruolo dipendente e secondario, poiché, come mostra l'esperienza, solo la presenza di un'altezza fissa consente alla mente umana di organizzare i suoni, stabilire relazioni tra loro, metterli in un sistema e formarli in modo logicamente organizzato, significativo e , inoltre, strutture sonore sufficientemente sviluppate. Pertanto, le costruzioni dal solo rumore (ad esempio, dai suoni di discorsi "non musicali" o strumenti a percussione senza un'altezza specifica) appartengono alla "pre-musica" (nelle culture primitive) o vanno oltre l'ambito della musica. querela in tal senso, che era radicata nell'ambito storico-sociale. pratica della maggior parte dei popoli per molti anni. secoli.

In ogni data musica. in un'opera, i toni formano un proprio sistema di sequenze orizzontali e (nella polifonia) connessioni verticali (consonanze), che ne costituiscono la forma (vedi Melodia, Armonia, Polifonia). In questa forma, si dovrebbe distinguere tra il lato esterno (fisico) e quello interno ("linguistico"). Il lato esterno prevede il cambio di timbri, la direzione della melodia. movimento e il suo andamento (liscio, spasmodico), dinamico. curva (cambiamenti di volume, vedi Dinamica), tempo, carattere generale del ritmo (vedi Ritmo). Questo lato delle forme musicali è percepito in modo simile al parlato in un linguaggio sconosciuto, che può avere un impatto emotivo sull'ascoltatore (a livello fisiologico e mentale inferiore) con il suo suono generale, senza comprenderne il contenuto. Il lato interiore ("linguistico") della musica. le forme sono la sua intonazione. composizione, cioè gli accoppiamenti sonori significativi in ​​essa inclusi (svolti melodici, armonici e ritmici), già padroneggiati in precedenza dalle società. coscienza (o simili a quelle padroneggiate), i cui potenziali significati sono generalmente noti agli ascoltatori. Questo lato delle forme musicali è percepito in modo simile al parlato in una lingua familiare, influenzando non solo il suo suono, ma anche il suo significato.

M. di ogni nazione in ogni epoca è caratterizzato da un certo. un complesso di tipi stabili di combinazioni sonore (intonazioni) insieme alle regole (norme) per il loro utilizzo. Un tale complesso può essere chiamato (metaforicamente) muse. “lingua” di questa nazione ed epoca. A differenza del linguaggio verbale (verbale), è privo di determinate creature. segni di un sistema di segni, perché, in primo luogo, i suoi elementi non sono formazioni stabili specifiche (segni), ma solo tipi di combinazioni sonore e, in secondo luogo, ciascuno di questi elementi ha più di una definizione. valore, ma un insieme di valori potenziali, il cui campo non ha confini stabiliti con precisione, in terzo luogo, la forma di ogni elemento è inseparabile dai suoi valori, non può essere né sostituito da un altro, né modificato in modo significativo senza cambiare il valore; pertanto, in M. è impossibile trasferire da una musa. lingua ad un altro.

Il campo dei valori potenziali di qualsiasi elemento musicale-linguistico dipende, da un lato, dal suo fisico. proprietà (acustiche) e, d'altra parte, dall'esperienza del suo utilizzo nelle società musicali. pratica e le sue connessioni, come risultato di questa esperienza, con altri fenomeni. Tali sono i vnemuz. associazioni (con i suoni della parola, della natura, ecc., e attraverso di essi con le corrispondenti immagini di persone e fenomeni naturali) e intramusicali, che a loro volta si suddividono in associazioni extratestuali (con altre opere musicali) e intra-testo (sorgono all'interno di una data opera sulla base di vari tipi di connessioni intonazionali, somiglianze tematiche, ecc.). Nella formazione della semantica. possibilità diff. elementi musicali. Il linguaggio gioca un ruolo enorme nell'esperienza del loro uso ripetuto nel M. quotidiano, così come in M. con la parola e il palcoscenico. azione, dove il loro forte legame si forma con le situazioni della vita e con quegli elementi di contenuto che si incarnano al di fuori della musa. significa.

Agli elementi ripetitivi della musica. forme, semantica. le opportunità di to-rykh dipendono dalle tradizioni del loro uso nelle società musicali. pratica, appartengono non solo ai tipi di intonazioni (le “parole”) musicali, ma anche a tale unità di espressioni musicali. significa, quali sono i generi (marcia, ballo, canto, ecc., vedi Genere musicale). Pentola. I significati di ogni genere sono in gran parte determinati dalle sue funzioni quotidiane primarie, cioè dal suo posto nella pratica della vita.

Il compositore può utilizzare nelle sue opere. come modelli generali di musica. “lingua” della nazione e dell'epoca, così come i suoi elementi specifici. Allo stesso tempo, certi elementi passano all'interno di uno stile dato da un'opera all'altra e da un autore all'altro senza esserlo. cambiamenti (sviluppo di svolte melodiche e armoniche, cadenze, formule ritmiche di generi quotidiani, ecc.). Altri servono solo come prototipi per la creazione di nuovi, in ogni caso, originali elementi delle muse. forme (queste sono le svolte primarie dei temi – i loro “grani”, così come le intonazioni culminanti). Quando accendi qualsiasi elemento della musica. linguaggio in opera, il campo dei suoi significati cambia: da un lato, si restringe per il ruolo concretizzante delle muse. contesto, nonché parole o scene. l'azione (nei generi sintetici), invece, è in espansione per l'emergere di connessioni intratestuali. Utilizzando gli elementi e le regole delle muse esistenti. lingue, modificandole, creandone di nuove, il compositore forma così la propria musica individuale, in qualche modo unica. il linguaggio di cui ha bisogno per incarnare il proprio contenuto originale.

Muse. lingue differenti. epoche, nazioni, compositori sono insolitamente diversi, ma tutti hanno anche alcuni principi generali per l'organizzazione dei toni: altezza e tempo. Nella stragrande maggioranza delle culture e degli stili musicali, le relazioni di altezza dei toni sono organizzate sulla base del modo e le relazioni temporali sono organizzate sulla base del metro. Tasto e metro servono allo stesso tempo come generalizzazioni dell'intero ritmo di intonazione precedente. pratiche e regolatori di ulteriore creatività, che dirigono il flusso degli accoppiamenti sonori generati dalla coscienza del compositore lungo un determinato canale. Dispiegamento coerente e significativo (in monofonia) delle relazioni d'alta quota e temporali delle muse. suoni basati su tasto e metro formano una melodia, che è la più importante di esprimere. mezzo di M., la sua anima.

Combinando la musica di sottofondo principale. espressività (intonazione, altezza, organizzazione ritmica e sintattica), la melodia le implementa in una forma concentrata e individualizzata. Sollievo e originalità melodica. materiale servono come criteri essenziali per il valore delle muse. opere, contribuiscono in modo significativo alla sua percezione e memorizzazione.

In ogni data musica. un'opera di singoli elementi della sua forma si forma nel processo di combinazione e subordinazione di una struttura generale, costituita da un insieme di strutture private. Questi ultimi includono strutture melodiche, ritmiche, armoniche, materiche, timbriche, dinamiche, tempo, ecc. Di particolare importanza è la tematica. struttura, i cui elementi sono muse. temi insieme a diff. tipi e fasi del loro cambiamento e sviluppo. Nella maggior parte degli stili musicali, sono i temi i principali vettori materiali delle muse. immagini e, di conseguenza, tematiche. struttura musicale. forme nei mezzi. il grado funge da manifestazione esterna della struttura figurativa del contenuto. Entrambi, fondendosi, costituiscono figurativo-tematici. la struttura dell'opera.

Tutte le strutture private delle muse. le forme sono collegate e coordinate sintatticamente. struttura (unendo motivi, frasi, frasi, periodi) e compositiva (unendo parti, sezioni, parti, ecc.). Le ultime due strutture formano le muse. forma nel senso stretto della parola (in altre parole, la composizione di un'opera musicale). A causa della relativa indipendenza particolarmente ampia della forma nell'arte come forma d'arte non pittorica, in essa si sono sviluppati tipi stabili e relativamente durevoli di strutture compositive: tipiche muse. forme (nel senso stretto del termine) capaci di incarnare una vastissima gamma di immagini. Questi sono quelli che esistono in Europa. M. già da diversi anni. secoli forme in due e tre parti, variazioni, rondò, sonata allegro, fuga, ecc.; ci sono forme tipiche nella musica. culture dell'Oriente. Ciascuno di essi riflette generalmente i tipi caratteristici e più comuni di movimento nella natura, nella società e nella coscienza umana (la formazione dei fenomeni, la loro ripetizione, il cambiamento, lo sviluppo, il confronto, la collisione, ecc.). Ciò determina il suo significato potenziale, che viene specificato in modi diversi nelle varie opere. Lo schema tipico si realizza ogni volta in modo nuovo, trasformandosi in una composizione unica di quest'opera.

Come il contenuto, la musica. la forma si dispiega nel tempo, essendo un processo. Ogni elemento di ogni struttura gioca un ruolo in questo processo, svolge un certo. funzione. Le funzioni dell'elemento nella musica. la forma può essere multipla (multifunzionalità) e mutevole (variabilità delle funzioni). Elementi sec. le strutture (così come i toni – negli elementi) si connettono e funzionano sulla base delle muse. logica, che è specifica. rifrazione dei modelli generali dell'essere umano. attività. In ogni stile musicale (vedi Stile musicale) forma la propria varietà di muse. logica, riflettendo e riassumendo la pratica creativa di quest'epoca, nat. scuola, una delle sue correnti o un singolo autore.

Sia il contenuto di M. che la sua forma si stanno gradualmente sviluppando. Le loro opportunità interne si rivelano sempre più pienamente e progressivamente si arricchiscono sotto l'influenza di fattori esterni e, soprattutto, dei cambiamenti nella vita sociale. M. include continuamente nuovi temi, immagini, idee, emozioni, che danno origine a nuove forme. Allo stesso tempo, gli elementi obsoleti di contenuto e forma stanno scomparendo. Tuttavia, tutto ciò che è prezioso creato a Mosca resta da vivere sotto forma di opere che compongono il classico. patrimonio, e come tradizione creativa adottata nelle epoche successive.

L'attività musicale umana è suddivisa in tre varietà principali: creatività (vedi Composizione), performance (vedi Performance musicale) e percezione (vedi Psicologia musicale). Corrispondono a tre fasi dell'esistenza delle muse. opere: creazione, riproduzione, ascolto. In ogni fase, il contenuto e la forma dell'opera appaiono in una forma speciale. Nella fase della creazione, quando nella mente del compositore allo stesso tempo. il contenuto dell'autore (ideale) e la forma dell'autore (materiale) sono sviluppati, il contenuto esiste in una forma reale e la forma esiste solo in una potenziale. Quando l'opera si realizza in performance (nelle culture musicali scritte, questa è solitamente preceduta da una codifica condizionale della forma musicale sotto forma di notazione musicale, vedi Scrittura musicale), allora la forma viene aggiornata, passa in uno stato sonoro. Allo stesso tempo, sia il contenuto che la forma cambiano leggermente, vengono trasformati dall'esecutore secondo la sua visione del mondo, estetica. ideali, esperienza personale, temperamento, ecc. Questo mostra la sua percezione e interpretazione individuale dell'opera. Esistono varianti performanti di contenuto e forma. Infine, gli ascoltatori saltano il prodotto percepito. attraverso il prisma delle loro opinioni, gusti, vita e muse. sperimentare e attraverso questo di nuovo in qualche modo trasformarlo. Nascono varianti di contenuto e forma dell'ascoltatore, derivate da quelle che si esibiscono e, attraverso di esse, dal contenuto dell'autore e dalla forma dell'autore. Quindi, in tutte le fasi della musica. l'attività è creativa. carattere, anche se in misura diversa: l'autore crea M., l'esecutore lo ricrea e lo ricrea attivamente, mentre l'ascoltatore lo percepisce più o meno attivamente.

La percezione di M. è un complesso processo multilivello, anche fisico. ascoltando M., la sua comprensione, esperienza e valutazione. L'udito fisico è una percezione sensoriale diretta del lato esterno (suono) delle muse. forme, accompagnate da fisiologiche. impatto. Comprendere e sperimentare è la percezione dei significati delle muse. forme, cioè il contenuto di M., attraverso la comprensione delle sue strutture. La condizione per la percezione a questo livello è una conoscenza preliminare (almeno in modo generale) del corrispondente. linguaggio musicale e l'assimilazione della logica della musica. pensiero insito in questo stile, che permette all'ascoltatore non solo di confrontare ogni momento dello spiegamento delle muse. forme con le precedenti, ma anche per prevedere (“anticipare”) la direzione di un ulteriore movimento. A questo livello si realizza l'impatto ideologico ed emotivo di M. sull'ascoltatore.

Ulteriori fasi di percezione della musica. le opere che vanno oltre i limiti del suo reale suono nel tempo sono, da un lato, la formazione dell'atteggiamento dell'ascoltatore nei confronti della percezione (basato sulle circostanze dell'audizione imminente, sulla conoscenza preliminare del genere dell'opera, sul nome della sua autore, ecc.), e, dall'altro, la successiva comprensione di ciò che è stato ascoltato, la sua riproduzione nella memoria (“after-hearing”) o nel proprio. l'esecuzione (ad esempio, cantando almeno singoli frammenti e voci) e la valutazione finale (mentre la valutazione preliminare si è formata già durante la sonorizzazione del M.).

La capacità dell'ascoltatore di percepire significativamente (capire e sperimentare) questa o quella musica. l'opera, il contenuto della sua percezione e valutazione dipendono sia dall'oggetto (opera) che dal soggetto (ascoltatore), più precisamente dal rapporto tra bisogni e interessi spirituali, estetici. ideali, il grado di arte. lo sviluppo, l'esperienza dell'ascoltatore musicale e le qualità interne del lavoro. A loro volta, i bisogni e gli altri parametri dell'ascoltatore sono formati dall'ambiente sociale e dalla sua musica personale. l'esperienza fa parte del pubblico. Pertanto, la percezione della musica è socialmente condizionata tanto quanto la creatività o la performance (il che non esclude la certa importanza delle capacità innate e delle proprietà psicologiche individuali per tutti i tipi di attività musicali). In particolare, i fattori sociali svolgono un ruolo di primo piano nella formazione di interpretazioni (interpretazioni) e valutazioni delle muse sia individuali che di massa. lavori. Queste interpretazioni e valutazioni sono storicamente mutevoli, riflettono differenze nel significato e nel valore oggettivi della stessa opera per epoche e gruppi sociali diversi (a seconda della sua rispondenza alle esigenze oggettive del tempo e ai bisogni della società).

Tre tipi fondamentali di attività musicali sono strettamente interconnessi, formando un'unica catena. Ogni collegamento successivo riceve materiale dal precedente e ne sperimenta l'influenza. C'è anche un feedback tra di loro: la performance stimola (ma, in una certa misura, limita) la creatività ai suoi bisogni e capacità; società. la percezione influenza direttamente la performance (attraverso le reazioni del pubblico nel suo contatto diretto e dal vivo con l'esecutore e in altri modi) e indirettamente sulla creatività (poiché il compositore si concentra volontariamente o involontariamente sull'uno o sull'altro tipo di percezione musicale e fa affidamento sul linguaggio musicale che si è sviluppato in una certa società).

Insieme ad attività come la distribuzione e la propaganda di M. con l'aiuto di decomp. media, ricerca musicale scientifica (vedi Musicologia, Etnografia musicale, Estetica musicale), critica (vedi Critica musicale), formazione del personale, leadership organizzativa, ecc., e le istituzioni ad esse corrispondenti, i soggetti di questa attività e i valori generati da esso, creatività, performance e percezione formano un sistema – le muse. la cultura della società. Nella cultura musicale sviluppata, la creatività è rappresentata da molte varietà che si intersecano, il to-rye può essere differenziato secondo dec. segni.

1) Per tipo di contenuto: M. lirico, epico, drammatico, nonché eroico, tragico, umoristico, ecc.; in un altro aspetto: musica seria e musica leggera.

2) Per scopo esecutivo: musica vocale e musica strumentale; in un aspetto diverso – solistico, d'insieme, orchestrale, corale, misto (con eventuale ulteriore chiarimento delle composizioni: ad esempio, per un'orchestra sinfonica, per un'orchestra da camera, per il jazz, ecc.).

3) Per sintesi con altri tipi di arte e con la parola: M. teatrale (vedi Musica teatrale), coreografico (vedi Musica da ballo), programma strumentale, melodramma (lettura su musica), vocale con parole. M. fuori sintesi – vocalizzazioni (canto senza parole) e strumentale “puro” (senza programma).

4) Secondo le funzioni vitali: musica applicata (con successiva differenziazione in musica di produzione, musica militare, musica di segnalazione, musica di intrattenimento, ecc.) e musica non applicata.

5) A seconda delle condizioni sonore: M. per ascolto speciale. un ambiente in cui gli ascoltatori sono separati dagli interpreti (M. “presentato”, secondo G. Besseler), e M. per la performance di massa e l'ascolto in una situazione di vita ordinaria (M. “everyday”). A sua volta, il primo si divide in spettacolare e concerto, il secondo – in massa-domestico e rituale. Ognuna di queste quattro varietà (gruppi di generi) può essere ulteriormente differenziata: spettacolare – su M. per muse. teatro, teatro di prosa e cinema (vedi Musica da film), concerto – di musica sinfonica, da camera e musica leggera. musica, messa-quotidiana – su M. per canto e per movimento, rituale – su M. riti cultuali (vedi Musica sacra) e profani. Infine, all'interno di entrambi gli ambiti della musica di massa quotidiana, sulla stessa base, in relazione alla funzione vitale, i generi canori (inno, ninna nanna, serenata, barcarolle, ecc.), i generi di danza (hopak, valzer, polacca, ecc.). ) e marcia (marcia di combattimento, marcia funebre, ecc.).

6) Per tipo di composizione e musica. lingua (insieme ai mezzi performativi): varia monologa o ciclica. generi all'interno di varietà (gruppi di generi) identificati in base alle condizioni sonore. Ad esempio, tra le spettacolari M. – opera, balletto, operetta, ecc., tra il concerto – oratorio, cantata, romanza, sinfonia, suite, ouverture, poesia, instr. concerto, sonata solista, trio, quartetto, ecc., tra i cerimoniali – inni, corale, messa, requiem, ecc. A loro volta, all'interno di questi generi, si possono distinguere unità di genere più frazionarie secondo gli stessi criteri, ma con un diverso livello: ad esempio, aria, ensemble, coro nell'opera, operetta, oratorio e cantata, adagio e variazione solista nel balletto, andante e scherzo in sinfonia, sonata, str. ensemble, ecc. A causa della loro connessione con fattori non musicali e intramusicali stabili come la funzione vitale, le circostanze dell'esecuzione e il tipo di struttura, i generi (e i gruppi di generi) hanno anche una grande stabilità, durata, a volte persistendo per diversi anni. epoche. Allo stesso tempo, a ciascuna di esse viene assegnata una certa sfera di contenuto e alcune caratteristiche delle muse. le forme. Tuttavia, con un cambiamento nell'ambiente storico generale e nelle condizioni per il funzionamento di M. nella società, anche i generi si evolvono. Alcuni di loro si trasformano, altri scompaiono, lasciando il posto a nuovi. (In particolare, nel XX secolo, lo sviluppo della radio, del cinema, della televisione e di altri mezzi tecnici di diffusione dei media ha contribuito alla formazione di nuovi generi.) Di conseguenza, ogni epoca e nat. la cultura musicale si caratterizza per il suo “fondo di genere”.

7) Per stili (storici, nazionali, di gruppo, individuali). Come il genere, lo stile è un concetto generale che copre un gran numero di muse. fenomeni che sono per certi aspetti simili (cap. arr. secondo il tipo di pensiero musicale in essi incarnato). Allo stesso tempo, gli stili, di regola, sono molto più mobili, più mutevoli dei generi. Se la categoria del genere riflette la comunanza delle muse. opere dello stesso tipo appartenenti a stili ed epoche diverse, quindi nella categoria dello stile – la comunità di opere di generi diversi appartenenti alla stessa epoca. In altre parole, il genere dà una generalizzazione storico-musicale. processo in sequenza, diacronia e stile – in simultaneità, sincronia.

L'esecuzione, come la creatività, si divide in vocale e strumentale e, inoltre, per strumenti e secondo la composizione di ensemble o orchestre; da gruppi di genere (musico-teatrale, concertistico, ecc.), talvolta anche da sottogruppi (sinfonici, da camera, pop) e da otd. generi (opera, balletto, canto, ecc.); per stili.

La percezione è suddivisa in varietà a seconda del grado di concentrazione ("percezione di sé" - inclusa nella propria performance; percezione "concentrata" - tutta concentrata sul mezzo percepito e non accompagnata da altra attività; "accompagnamento" - accompagnata dall'attività di CL ); in base all'orientamento dell'ascoltatore all'uno o all'altro tipo di contenuto M. (M. serio o leggero), a un certo gruppo di genere o anche a un gruppo separato. genere (ad esempio, per una canzone), per un certo stile; dalla capacità di comprendere e valutare adeguatamente il M. di un determinato genere e stile (abile, dilettante, incompetente). In accordo con ciò, c'è una divisione degli ascoltatori in strati e gruppi, determinata in definitiva da fattori sociali: la musica. educazione in una determinata società. ambiente, l'assimilazione delle sue richieste e dei suoi gusti, le sue circostanze abituali di percezione di M., ecc. (vedi Educazione musicale, Educazione musicale). Un certo ruolo è svolto anche dalla differenziazione della percezione in base a quella psicologica. segni (analiticità o sinteticità, predominanza di un inizio razionale o emotivo, uno o l'altro atteggiamento, un sistema di aspettative rispetto a M. e all'arte in generale).

M. svolge importanti funzioni sociali. Rispondendo alle diverse esigenze della Compagnia, entra in contatto con il dec. tipi di persone. attività – materiale (partecipazione ai processi lavorativi e rituali correlati), cognitiva e valutativa (riflessione sulla psicologia sia delle singole persone che dei gruppi sociali, espressione della loro ideologia), spirituale e trasformativa (impatto ideologico, etico ed estetico), comunicativa (comunicazione tra le persone). Società particolarmente grandi. Il ruolo di M. come mezzo di educazione spirituale di una persona, formazione di credenze, morale. qualità, gusti e ideali estetici, lo sviluppo delle emozioni. reattività, sensibilità, gentilezza, senso della bellezza, stimolazione della creatività. abilità in tutti gli ambiti della vita. Tutte queste funzioni sociali di M. formano un sistema, che cambia a seconda del sociale-storico. condizioni.

Storia della musica. Per quanto riguarda l'origine di M. nel XIX secolo. e furono avanzate ipotesi di inizio Novecento, secondo cui le origini di M. sarebbero state le intonazioni del discorso emotivamente eccitato (G. Spencer), il canto degli uccelli e i richiami amorosi degli animali (C. Darwin), i ritmi della il lavoro dei primitivi (K. Bucher), i loro segnali sonori (K. Stumpf), la magia. incantesimi (J. Combarier). Secondo la moderna scienza materialistica basata sull'archeologia. e dati etnografici, nella società primitiva vi era un lungo processo di graduale “maturazione” di M. all'interno del pratico. attività delle persone e il sincretico primitivo che non ne è ancora emerso. complesso - pre-arte, che ospitava gli embrioni di M., danza, poesia e altri tipi di arte e serviva agli scopi della comunicazione, dell'organizzazione del lavoro congiunto e dei processi rituali e dell'impatto emotivo sui partecipanti al fine di educare le qualità spirituali necessario per la squadra. Inizialmente caotico, disorganizzato, che copriva un'ampia gamma di successioni di un gran numero di suoni di altezza indefinita (imitazione del canto degli uccelli, ululati di animali, ecc.) sono stati sostituiti da melodie e melodie, composte solo da pochi. toni differenziati dal logico. valore in riferimento (stabile) e lato (instabile). Ripetizione multipla di melodico e ritmico. formule radicate nelle società. pratica, ha portato ad una graduale presa di coscienza e assimilazione delle possibilità della logica. organizzazione dei suoni. Si formarono i più semplici sistemi sonori musicali (gli strumenti musicali giocarono un ruolo importante nel loro consolidamento), tipi elementari di metro e modo. Ciò ha contribuito alla consapevolezza iniziale delle potenziali espressioni. possibilità di toni e loro combinazioni.

Durante il periodo di decomposizione del primitivo sistema comunale (tribale), quando l'art. l'attività è gradualmente separata da quella pratica e sincretica. Il complesso pre-artistico si sta progressivamente disintegrando, e anche l'arte nasce come entità indipendente. tipo di reclamo. Nei miti di diversi popoli legati a questo tempo, l'idea di M. come una forza potente in grado di influenzare la natura, domare gli animali selvatici, curare una persona dalle malattie, ecc. Con la crescita della divisione del lavoro e l'emergere delle classi, inizialmente una musica unica e omogenea. la cultura che appartiene all'intera società si divide in cultura delle classi dirigenti e cultura degli oppressi (il popolo), oltre che professionale e non professionale (dilettante). Da questo momento in poi, inizia ad essere indipendente. l'esistenza della musica folklore come causa popolare non professionale. Muse. la creatività delle masse popolari diventa in futuro il fondamento delle muse. la cultura della società nel suo insieme, la fonte più ricca di immagini ed esprimere. fondi per il prof. compositori.

Muse. cultura della schiavitù e delle prime faide. stati del mondo antico (Egitto, Sumer, Assiria, Babilonia, Siria, Palestina, India, Cina, Grecia, Roma, stati della Transcaucasia e dell'Asia centrale) è già caratterizzato dalla vasta attività del prof. musicisti (di solito combinando un compositore e un interprete), che prestavano servizio nei templi, alle corti dei sovrani e della nobiltà, partecipavano ad azioni rituali di massa, società. feste, ecc. M. conserva il cap. arr. pratiche pratiche materiali e spirituali ereditate dalla società primitiva e ad essa direttamente associate. partecipazione al lavoro, alla vita quotidiana, alla vita militare, ai riti civili e religiosi, all'educazione dei giovani, ecc. Tuttavia, per la prima volta, si delinea una separazione dell'estetica. funzioni, compaiono i primi campioni di musica, destinati solo all'ascolto (ad esempio, canti e spettacoli strumentali eseguiti in Grecia in concorsi di musicisti). Vari si stanno sviluppando. canto (epico e lirico) e danza. generi, in molti dei quali la poesia, il canto e la danza conservano la loro unità originaria. M. ha un ruolo importante nel teatro. rappresentazioni, in particolare in greco. tragedia (Eschilo, Sofocle, Euripide non furono solo drammaturghi, ma anche musicisti). Diverse muse stanno migliorando, acquisendo una forma e una costruzione stabili. strumenti (tra cui arpa, lira, fiato antico e percussioni). Appaiono i primi sistemi di scrittura M. (cuneiforme, geroglifico o alfabetico), sebbene predominano. la forma della sua conservazione e diffusione rimane orale. Appaiono le prime estetiche musicali. e insegnamenti e sistemi teorici. Molti filosofi dell'antichità scrivono di M. (in Cina – Confucio, in Grecia – Pitagora, Eraclito, Democrito, Platone, Aristotele, Aristosseno, a Roma – Lucrezio Caro). M. è considerata in pratica e in teoria un'attività vicina alla scienza, all'artigianato e alla religione. culto, come “modello” del mondo, che contribuisce alla conoscenza delle sue leggi, e come mezzo più forte per influenzare la natura (magia) e l'uomo (formazione delle qualità civiche, educazione morale, guarigione, ecc.). A questo proposito, viene stabilita una rigorosa regolamentazione pubblica (in alcuni paesi – anche statale) dell'uso di M. di diverse tipologie (fino alle singole modalità).

Nell'era del Medioevo in Europa c'è una musa. cultura di un nuovo tipo – feudale, che unisce il prof. arte, musica amatoriale e folklore. Poiché la chiesa domina in tutti gli ambiti della vita spirituale, la base del prof. l'arte musicale è l'attività dei musicisti nei templi e nei monasteri. prof. l'arte è rappresentata in un primo momento solo da cantanti che creano e si esibiscono epica. leggende a corte, nelle case nobiliari, tra guerrieri, ecc. (bardi, scaldi, ecc.). Nel tempo si sono sviluppate forme di musica cavalleresca amatoriale e semiprofessionale: in Francia – l'arte dei trovatori e trovatori (Adam de la Halle, XIII secolo), in Germania – i cantautori (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, 13 -12° secolo), così come le montagne. artigiani. Nella faida. castelli e città coltivavano tutti i generi, generi e forme di canti (epica, “aurora”, rondò, le, virelet, ballate, canzoni, laudas, ecc.). Nuove muse prendono vita. strumenti, incl. quelli che provenivano dall'Oriente (viola, liuto, ecc.), sorgono ensemble (composizioni instabili). Il folclore fiorisce tra i contadini. Ci sono anche i “professionisti del folk”: narratori, sintetici erranti. artisti (giocolieri, mimi, menestrelli, shpilmans, buffoni). M. esegue nuovamente il Ch. arr. applicato e spirituale-pratico. funzioni. La creatività agisce in unità con la performance (di regola – in una persona) e con la percezione. La collettività domina sia nel contenuto della massa che nella sua forma; l'inizio individuale si sottomette al generale, senza staccarsene (il musicista-maestro è il miglior rappresentante della comunità). Il rigoroso tradizionalismo e la canonicità regnano ovunque. Il consolidamento, la conservazione e la diffusione di tradizioni e standard (ma anche il loro graduale rinnovamento) è stato facilitato dal passaggio dai neumi, che indicava solo approssimativamente la natura del melodico. movimento, alla notazione lineare (Guido d'Arezzo, X secolo), che permetteva di fissare con precisione l'altezza dei toni, e quindi la loro durata.

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, forme e mezzi espressivi si arricchiscono. In Zap. L'Europa dal VI al VII secolo. sta prendendo forma un sistema rigorosamente regolato di chiesa monofonica (monodica, vedi Monofonica, Monodia). M. sulla base della diatonica. tasti (canto gregoriano), combinando recitazione (salmodia) e canto (inni). A cavallo tra il I e ​​il II millennio nasce la polifonia. Si stanno formando nuovi wok. (corale) e wok.-instr. generi (coro e organo): organum, mottetto, direzione, poi messa. in Francia nel XII secolo. la prima scuola di compositore (creativa) si formò presso la cattedrale di Notre Dame (Leonin, Perotin). A cavallo del Rinascimento (stile ars nova in Francia e in Italia, XIV sec.) nel prof. M. la monofonia è soppiantata dalla polifonia, M. comincia a liberarsi gradualmente dalla pura pratica. funzioni (servizio di riti ecclesiastici), esalta l'importanza dei generi secolari, incl. canzoni (Guillaume de Machaux).

A Vost. L'Europa e la Transcaucasia (Armenia, Georgia) sviluppano le proprie muse. culture con sistemi indipendenti di modi, generi e forme. A Bisanzio, in Bulgaria, Kievan Rus, poi Novgorod, fiorisce il canto di culto znamenny (vedi canto Znamenny), osn. sul sistema diatonico. voci, limitate solo al puro wok. generi (troparia, stichera, inni, ecc.) e utilizzando uno speciale sistema di notazione (ganci).

Contemporaneamente, in Oriente (califfato arabo, paesi dell'Asia centrale, Iran, India, Cina, Giappone) si stava formando una musa feudale. un tipo speciale di cultura. I suoi segni sono la diffusione capillare del professionismo secolare (cortese e popolare), acquisendo carattere virtuoso, limitazione alla tradizione orale e monodica. forme, raggiungendo, tuttavia, un'elevata sofisticazione in relazione alla melodia e al ritmo, la creazione di sistemi di muse nazionali e internazionali molto stabili. pensiero, combinando un rigorosamente definito. tipi di modi, generi, intonazione e strutture compositive (mugam, makam, ragi, ecc.).

Durante il Rinascimento (14-16 secoli) in Occidente. e Centro, Europa musica feudale. la cultura comincia a diventare borghese. L'arte secolare fiorisce sulla base dell'ideologia dell'umanesimo. M. in mezzi. laurea è esente dall'obbligo pratico. destinazione. Sempre di più vengono alla ribalta la sua estetica. e sapere. funzioni, la sua capacità di servire come mezzo non solo per gestire il comportamento delle persone, ma anche per riflettere internamente. il mondo umano e la realtà circostante. In M. viene assegnato l'inizio individuale. Ottiene una maggiore libertà dal potere dei canoni tradizionali. stabilimenti. La percezione viene gradualmente separata dalla creatività e dalla performance, il pubblico si forma come indipendente. componente musicale. cultura. Fioritura instr. dilettantismo (liuto). Il wok domestico riceve lo sviluppo più ampio. suonare (nelle case dei cittadini, nei circoli degli amanti della musica). Per lui vengono creati semplici poliobiettivi. brani – villanella e frottola (Italia), chansons (Francia), nonché più difficili da eseguire e spesso raffinati nello stile (con caratteristiche cromatiche) a 4 o 5 gol. madrigali (Luca Marenzio, Carlo Gesualdo di Venosa), incl. ai versi del Petrarca, dell'Ariosto, del Tasso. In Germania sono attivi musicisti semi-professionisti. associazioni di cittadini-artigiani – laboratori di maestri cantori, dove numerosi. canzoni (Hans Sachs). Inni di massa sociale, nat. e movimenti religiosi: inno ussita (Repubblica Ceca), canto luterano (Riforma e guerra contadina del XVI secolo in Germania), salmo ugonotto (Francia).

Nel prof. M. raggiunge il suo massimo ritornello. la polifonia a cappella (polifonia di “stile rigoroso”) è puramente diatonica. magazzino nei generi di massa, mottetto o poligono secolare. canzoni con uso virtuoso di imitazioni complesse. forme (canonico). Principali scuole di compositore: la scuola franco-fiamminga o olandese (Guillaume Dufay, Johayanes Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando di Lasso), la scuola romana (Palestrina), la scuola veneziana (Andrea e Giovanni Gabrieli). I maggiori maestri del coro stanno andando avanti. creatività in Polonia (Vaclav di Shamotul, Mikolaj Gomulka), Repubblica Ceca. Contemporaneamente per la prima volta ottiene l'indipendenza instr. M., in uno sciame sviluppa anche l'imitazione. polifonia (preludi d'organo, ricercari, canzoni dei veneziani A. e G. Gabrieli, variazioni del compositore spagnolo Antonio Cabezon). Scientifico è rianimato. pensato a M., si creano nuovi mezzi. teorico-musicale. trattati (Glarean in Svizzera, G. Tsarlino e V. Galilei in Italia, ecc.).

In Russia, dopo la liberazione da Mong.-Tat. il giogo fiorisce M., nel prof. M. raggiunge un alto sviluppo del canto di Znamenny, dispiega la creatività. l'attività di compositori eccezionali - "cantanti" (Fyodor Krestyanin), nasce la polifonia originale ("tre versi"), sono attive le principali muse. collettive (coro dei “cantori sovrani”, XVI sec.).

Il processo di transizione in Europa dalle muse. la cultura di tipo feudale alla borghesia continua nel XVII secolo. e 17° piano. 1° secolo Si determina finalmente il predominio generale del laico M. (sebbene in Germania e in altri paesi la chiesa M. mantenga una grande importanza). Il suo contenuto copre una vasta gamma di argomenti e immagini, incl. filosofico, storico, moderno, civile. Insieme a suonare musica nell'aristocratico. salotti e feudi nobiliari, nelle case dei rappresentanti del “terzo ceppo”, nonché nel conto. istituzioni (università) è fortemente distribuito pubblico. vita musicale. I suoi focolari sono muse permanenti. istituzioni a carattere aperto: teatri d'opera, filarmonica. (concerto) circa-va. Le viole vengono sostituite dal moderno. strumenti ad arco (violino, violoncello, ecc.; eccezionali maestri della loro fabbricazione - A. e N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari di Cremona, Italia), fu creato il primo pianoforte (18, B. Cristofori, Italia ). La musica da stampa (che ebbe origine già alla fine del XV secolo) si sta sviluppando. La musica si espande. istruzione (conservatori in Italia). Dalle muse. la scienza si distingue dalla critica (I. Mattheson, Germania, inizio XVIII secolo).

Nello sviluppo della creatività del compositore, questo periodo è stato segnato dalle influenze incrociate di tali arti. stili, come il barocco (instr. italiano e tedesco e coro M.), il classicismo (opera italiana e francese), il rococò (instr. M. francese) e una transizione graduale da generi, stili e forme precedentemente stabiliti a nuovi, mantenendo il predominio . posizione in Europa M. fino ai giorni nostri. Tra i generi monumentali, accanto al persistere di “passioni” (passioni) sulla religione. i temi e la messa, l'opera e l'oratorio vengono subito alla ribalta. Cantata (solo e corale), instr. concerto (solo e orchestrale), str. ensemble (trio, ecc.), brano solista con instr. scorta; la suite assume una nuova veste (la sua varietà è partita), che unisce i balli di tutti i giorni. Alla fine del periodo, la formazione del moderno. sinfonie e sonate, nonché balletti come indipendenti. genere. Parallelamente alla polifonia imitativa del “libero stile”, che raggiunge il suo apice, con l'ampio uso del cromatismo, sulla base degli stessi modi (maggiore e minore), quello maturato ancor prima, all'interno della polifonia e in danza quotidiana, si afferma. M., omofonico-armonico. magazzino (la voce alta è quella principale, il resto sono accompagnamento di accordi, vedi Omofonia), cristallizzazione armonica. funzioni e un nuovo tipo di melodia basata su di esse, è ampiamente diffusa la pratica del basso digitale, o basso generale (improvvisazione dell'esecutore sull'organo, clavicembalo o liuto di accompagnamento armonico a una melodia o recitativo basato sulla voce più bassa scritta a cura del compositore – basso con notazione condizionale digitale dell'armonia) . Contemporaneamente alle forme polifoniche (passacaglia, ciaccona, fuga) si sommano alcune omofoniche: rondò, vecchia sonata.

Nei paesi dove in questo momento si svolge (o finisce) il processo di formazione delle Nazioni Unite (Italia, Francia, Inghilterra, in parte Germania), nazionali altamente sviluppati. cultura musicale. Tra questi ci sono il dominio. il ruolo è mantenuto dall'italiano. Fu in Italia che nacque l'opera (Firenze, a cavallo tra XVI e XVII secolo), e furono create le prime opere classiche. esempi di questo nuovo genere (prima metà del 16° secolo, scuola veneta, C. Monteverdi), si formano le sue varietà stabili, che si diffondono in tutta Europa: un'opera seria, o opera seria, eroica. e tragico. personaggio, sul mitologico. e trame storiche (seconda metà del 17, scuola napoletana, A. Scarlatti), e comiche, o liriche buffe, di soggetto quotidiano (prima metà del 1, scuola napoletana, G. Pergolesi). Nello stesso paese apparvero l'oratorio (17) e la cantata (eccezionali esempi di entrambi i generi sono di G. Carissimi e A. Stradella). Infine, alla base degli amori d'oro. e conc. performance (i più grandi virtuosi del violino – J. Vitali, A. Corelli, J. Tartini) si sta sviluppando e aggiornando intensamente instr. M.: organo (prima metà del '2, G. Frescobaldi), orchestrale, ensemble, solo per archi. Strumenti. Nel 17° piano. 1 – implorare. 18° secolo i generi del concerto grosso (Corelli, Vivaldi) e solista instr. concerto (Vivaldi, Tartini), varietà (“chiesa” e “camera”) trio sonata (per 1600 archi o fiati e clavicembalo o organo – di Vitali) e sonata solista (per violino o per violino solo e clavicembalo – di Corelli, Tartini, per il clavicembalo di D. Scarlatti).

In Francia, ci sono nazionali speciali. generi op. per la musica t-ra: “lyric. tragedia ”(un tipo monumentale di opera) e opera-balletto (J. B. Lulli, J. F. Rameau), commedia-balletto (Lully in collaborazione con Moliere). Una galassia di eccezionali clavicembalisti, compositori e interpreti (fine XVII-inizio XVIII secolo, F. Couperin, Rameau), che sviluppò forme rondò (spesso in commedie di natura programmatica) e variazioni, venne alla ribalta. In Inghilterra, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, nell'era di Shakespeare, sorse la prima scuola europea di compositori di musica per pianoforte: i virginalisti (W. Bird e J. Toro). M. occupa un posto importante nel teatro shakespeariano. Al 2° piano. Eccezionali esempi del 17° secolo di nat. opera, coro, organo, str. e il clavicembalo M. (G. Purcella). Al 1° piano. La creatività del 18° secolo si sta sviluppando nel Regno Unito. attività di G. F. Handel (oratori, opera seria), allo stesso tempo. la nascita di un genere comico nazionale. opera - opera ballata. In Germania nel XVII secolo compaiono opere oratorie originali (“passioni”, ecc.) e i primi esempi di patrie. opera e balletto (G. Schutz), fiorisce org. arte (D. Buxtehude, I. Frberger, I. Pachebel). Al 1° piano. mezzi del 18° secolo. produzione in molti generi (“passioni”, altri generi di oratorio; cantate; fantasie, preludi, fughe, sonate per organo e clavicembalo, suite per clavicembalo; concerti per orchestra e per strumenti separati, ecc.) crea J. S. Bach, il cui lavoro è stato il risultato e l'apice di tutti i precedenti sviluppi dell'Europa. polifonia e tutti M. barocco. In Spagna nascono i teatri di musica originale. generi di tipo operistico con dialoghi colloquiali: zarzuela (contenuto drammatico), tonadilla (fumetto). In Russia, la polifonia nella musica di culto è in aumento (partes cantando tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo, i concerti per coro di V. Titov e N. Kalačnikov). Contemporaneamente, nell'era delle riforme di Pietro I, nacque la musica profes- sionale profana (canti panegirici) e si sviluppò lo sviluppo della musica quotidiana urbana (canti lirici, salmi). Lo sviluppo del M. 2nd floor. Il XVIII secolo e l'inizio del XIX secolo procede sotto l'influenza delle idee dell'Illuminismo e poi dei Grandi Francesi. rivoluzione, che non solo diede origine a una nuova musica di massa quotidiana (marce, canti eroici, anche marsigliesi, feste di massa e riti rivoluzionari), ma trovò anche una risposta diretta o indiretta in altre musiche. generi. Barocco, “stile galante” (rococò) e classicismo nobile lasciano il posto al posto dominante del borghese. classicismo (illuminista), che afferma le idee di ragione, uguaglianza delle persone, servizio alla società, alti ideali etici. In francese la massima espressione di queste aspirazioni fu l'opera operistica di K. Gluck, nelle opere austro-tedesche – sinfoniche, operistiche e da camera dei rappresentanti della scuola classica viennese J. Haydn, W. A. Mozart e L.

Accade significa. progressi in tutti i settori prof. M. Gluck e Mozart, ciascuno a suo modo, stanno riformando il genere operistico, cercando di superare l'ossificata convenzionalità dell'aristocratico. opera "seria". In diversi paesi, le democrazie vicine tra loro si stanno sviluppando rapidamente. generi: opera buffa (Italia – D. Cimarosa), comico. opera (Francia – JJ Rousseau, P. Monsigny, A. Gretry; Russia – VA Pashkevich, EI Fomin), Singspiel (Austria – Haydn, Mozart, K. Dittersdorf). Durante la Grande Rivoluzione francese appare “opera di salvezza” sull'eroico. e melodramma. trame (Francia – L. Cherubini, JF Lesueur; Austria – Fidelio di Beethoven). Separato come indipendente. genere di balletto (Gluck, Beethoven). Nell'opera di Haydn, Mozart, Beethoven, è fisso e riceve un classico. l'incarnazione del genere sinfonico nel suo moderno. comprensione (ciclo in 4 parti). In precedenza, nella creazione della sinfonia (così come nella formazione finale dell'orchestra sinfonica di tipo moderno), il ceco (J. Stamitz) e il tedesco hanno svolto un ruolo importante. musicisti che hanno lavorato a Mannheim (Germania). Parallelamente, il classico tipo grande sonata e str. ensemble (trio, quartetto, quintetto). La forma della Sonata Allegra si sta sviluppando e se ne sta formando una nuova, dialettica. il metodo del pensiero musicale è il sinfonismo, che ha raggiunto il suo apice nell'opera di Beethoven.

Nei popoli M.slavi (Russia, Polonia, Repubblica Ceca), continua lo sviluppo del wok. generi (coro. concerto in Russia – MS Berezovsky, DS Bortnyansky, romance quotidiano), compaiono le prime patrie. opera, si prepara il terreno per la creazione di nat. classici della musica. Attraverso l'Europa. prof. M. polifonico. gli stili sono per lo più sostituiti da quelli omofonico-armonici; il sistema funzionale dell'armonia è finalmente formato e consolidato.

Nel 19° secolo nella maggior parte dei paesi europei e nel nord. L'America completa l'educazione delle muse. cultura "classica". tipo borghese. Questo processo si svolge sullo sfondo e sotto l'influenza della democratizzazione attiva di tutte le società. e musica. vita e il superamento delle barriere di classe ereditate dal feudalesimo. Da saloni aristocratici, teatri di corte e cappelle, piccolo conc. sale destinate a una ristretta cerchia di pubblico privilegiato, M. si addentra nei vasti locali (e anche sulla piazza), aperti all'accesso democratico. ascoltatori. Ci sono molte nuove muse. teatri, conc. istituzioni, illuminare. organizzazioni, editori musicali, musica. uch. istituzioni (compresi i conservatori di Praga, Varsavia, Vienna, Londra, Madrid, Budapest, Lipsia, San Pietroburgo, Mosca e altri; un po' prima, alla fine del XVIII secolo, fu fondato un conservatorio a Parigi). Appaiono le muse. riviste e giornali. Il processo di performance è finalmente separato dalla creatività in quanto indipendente. tipo di attività musicale, rappresentato da un numero enorme di ensemble e solisti (gli artisti più importanti del XIX secolo e dell'inizio del XX secolo: pianisti – F. Liszt, X. Bulow, AG e NG Rubinstein, SV Rachmaninov; violinisti – N. Paganini, A. Vieton, J. Joachim, F. Kreisler; cantanti – G. Rubini, E. Caruso, FI Chaliapin; violoncellista P. Casals, direttori – A. Nikish, A. Toscanini). Delimitazione prof. la creatività con le prestazioni e l'attrazione per un pubblico di massa contribuiscono al loro rapido sviluppo. Allo stesso tempo, la stratificazione di ciascuno dei nat. culture in propriamente borghesi e democratiche. La commercializzazione della musica è in crescita. vita contro cui stanno combattendo i musicisti progressisti. M. occupa un posto sempre più importante in ambito sociale e politico. vita. Si sviluppa una rivoluzione democratica generale e poi una rivoluzione operaia. canzone. I suoi migliori campioni ("International", "Red Banner", "Varshavyanka") sono acquisiti da International. significato. Accanto al nat precedentemente formato. Fioriscono scuole di giovani compositori di nuovo tipo: russo (fondato da MI Glinka), polacco (F. Chopin, S. Moniuszko), ceco (B. Smetana, A. Dvorak), ungherese (F. Erkel, F. Liszt) , norvegese (E. Grieg), spagnolo (I. Albeniz, E. Granados).

Nel lavoro del compositore di un certo numero di europei. paesi nel 1° semestre. Si afferma il romanticismo del XIX secolo (tedesco e austriaco M. – ETA Hoffmann, KM Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann; francese – G. Berlioz; ungherese – Liszt; polacco – Chopin, russo – AA Alyabiev, AN Verstovsky). I suoi tratti caratteristici in M. (rispetto al classicismo): l'accresciuta attenzione al mondo emotivo dell'individuo, l'individualizzazione e drammatizzazione dei testi, la promozione del tema della discordia tra individuo e società, tra l'ideale e la realtà, e un richiamo allo storico. (metà del secolo), scene popolari-leggendarie e popolari-quotidiane e immagini della natura, interesse nazionale, storico. e geografica l'originalità della realtà riflessa, un'incarnazione più concreta del nazionale sulla base di canti di popoli diversi, il rafforzamento del ruolo della voce, l'inizio del canto, nonché il colorito (in armonia e orchestrazione), un'interpretazione più libera delle tradizioni. generi e forme e la creazione di nuovi (poema sinfonico), il desiderio di una diversa sintesi di M. con le altre arti. È in corso lo sviluppo della musica programmata (basata su trame e temi dell'epopea popolare, della letteratura, della pittura, ecc.), instr. miniatura (preludio, momento musicale, improvvisazione, ecc.) e un ciclo di miniature programmatiche, romance e wok da camera. ciclo, “grande opera” di tipo decorativo sul leggendario e storico. temi (Francia – J. Meyerbeer). In Italia, l'opera buffa (G. Rossini) raggiunge la vetta, nat. varietà di opere romantiche (liriche – V. Bellini, G. Donizetti; eroiche – primi G. Verdi). La Russia sta formando i propri classici della musica nazionale, acquisendo importanza mondiale, si formano tipi originali di folk-storico. ed epico. opere, ma anche sinfonie. M. sulla cuccetta. temi (Glinka), il genere romance raggiunge un alto livello di sviluppo, in cui le caratteristiche psicologiche maturano gradualmente. e realismo quotidiano (AS Dargomyzhsky).

Tutto R. e 2° piano. Nel XIX secolo alcuni compositori dell'Europa occidentale continuano a essere romantici. direzione nell'opera (R. Wagner), sinfonia (A. Bruckner, Dvorak), software instr. M. (Liszt, Grieg), canzone (X. Wolf) o cercare di combinare i principi stilistici del romanticismo e del classicismo (I. Brahms). Rimanendo in contatto con la tradizione romantica, i modi originali sono italiani. opera (il suo culmine è opera di Verdi), francese. opera lirica (Ch. Gounod, J. Wiese, J. Massenet) e balletto (L. Delibes), opera polacca e ceca (Moniuszko, Smetana). Nel lavoro di un certo numero di occidentali europei. compositori (Verdi, Bizet, Wolf, ecc.), le tendenze al realismo si stanno intensificando. Si manifestano in modo particolarmente chiaro e ampio nella M. russa di questo periodo, che è ideologicamente connessa con il democratico. società. movimento e letteratura avanzata (il defunto Dargomyzhsky; i compositori di The Mighty Handful sono MA Balakirev, AP Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov e Ts. A. Cui; PI Tchaikovsky). Basato sul nar russo. canzoni, così come M. East rus. i compositori (Mussorgsky, Borodin e Rimsky-Korsakov) stanno sviluppando nuove melodie e ritmiche. e armonico. fondi che arricchiscono significativamente l'Europa. sistema di tasti.

Dal Ser. 19° secolo a Zap. Europa, si sta formando un nuovo teatro musicale. genere – operetta (Francia – F. Herve, J. Offenbach, Ch. Lecoq, R. Plunket; Austria – F. Suppe, K. Millöker, J. Strauss-son, poi compositori Hung., rappresentanti del “neo-viennese ” scuola di F. Legar e I. Kalman). Nel prof. la creatività si distingue da sola. la linea della “luce” (danza quotidiana) M. (valzer, polke, galoppo di I. Strauss-son, E. Waldteuffel). Nasce la scena dello spettacolo. M. come indipendente. industria della musica. vita.

In con. 19° secolo e inizio 20° secolo in Europa A Mosca inizia un periodo di transizione, che corrisponde all'inizio dell'imperialismo come la più alta e ultima fase del capitalismo. Questo periodo è segnato da una crisi di numerosi predecessori. tendenze ideologiche e stilistiche.

Le tradizioni consolidate sono ampiamente riviste e spesso aggiornate. In connessione con il cambiamento del generale “clima spirituale”, stanno emergendo nuovi metodi e stili. Le risorse musicali si stanno espandendo. espressività, c'è un'intensa ricerca di mezzi in grado di trasmettere una percezione acuta e raffinata della realtà. Allo stesso tempo crescono le tendenze all'individualismo e all'estetismo, in alcuni casi si rischia di perdere un grande tema sociale (il modernismo). In Germania e Austria finisce la linea romantica. nasce la sinfonia (G. Mahler, R. Strauss) e nasce la musica. espressionismo (A. Schoenberg). Si svilupparono anche altre nuove tendenze: in Francia l'impressionismo (C. Debussy, M. Ravel), in Italia il verismo (opere di P. Mascagni, R. Leoncavallo e, in una certa misura, G. Puccini). In Russia, le linee provenienti dai “Kuchkists” e Tchaikovsky (SI Taneev, AK Glazunov, AK Lyadov, SV Rakhmaninov) continuano e si sviluppano in parte, allo stesso tempo. sorgono anche nuovi fenomeni: una specie di musica. simbolismo (AN Skryabin), modernizzazione di nar. favolosità e antichità "barbarica" ​​(inizio IF Stravinsky e SS Prokofiev). Le basi dei classici della musica nazionale in Ucraina (NV Lysenko, ND Leontovich), in Georgia (ZP Paliashvili), Armenia (Komitas, AA Spendarov), Azerbaigian (U. Gadzhibekov), Estonia (A. Kapp), Lettonia (J. Vitol), Lituania (M. Čiurlionis), Finlandia (J. Sibelius).

Sistema musicale europeo classico. il pensiero, basato sull'armonia funzionale maggiore-minore, sta subendo profondi cambiamenti nel lavoro di numerosi compositori. Dip. gli autori, preservando il principio della tonalità, ne espandono la base utilizzando modi naturali (diatonici) e artificiali (Debussy, Stravinsky), la saturano di abbondanti alterazioni (Scriabin). Altri generalmente abbandonano questo principio, passando alla musica atonale (Schoenberg, American C. Ive). L'indebolimento delle connessioni armoniche ha stimolato la rinascita del teorico. e interesse creativo per la polifonia (Russia – Taneyev, Germania – M. Reger).

Dal 1917 al 18 musica borghese. la cultura entra in un nuovo periodo della sua storia. Il suo sviluppo è fortemente influenzato da fattori sociali come il coinvolgimento di milioni di persone nella politica. e società. vita, la potente crescita della massa libererà. movimenti, l'emergere in un certo numero di paesi, in contrapposizione alle nuove società borghesi. sistema – socialista. Significa. impatto sul destino di M. nel moderno. la società borghese ebbe anche un rapido sviluppo scientifico e tecnico. progresso, che ha portato alla nascita di nuovi mass media: cinema, radio, televisione, registrazioni. Di conseguenza, la metafisica si è diffusa a livello globale, penetrando in tutti i "pori" delle società. vita, radicata con l'aiuto dei mass media nella vita di centinaia di milioni di persone. Vi si unirono enormi nuovi contingenti di ascoltatori. La sua capacità di influenzare la coscienza dei membri della società, tutti i loro comportamenti, è notevolmente aumentata. Muse. vita nel capitalista sviluppato. i paesi acquisirono un carattere esternamente tempestoso, spesso febbrile. I suoi segni erano l'abbondanza di feste e concorsi, accompagnati da clamore pubblicitario, il rapido cambio di moda, un caleidoscopio di sensazioni provocate artificialmente.

Nei paesi capitalisti spiccano ancora più nettamente due culture, opposte nella loro ideologia. direzioni reciproche: borghese e democratica (compresi elementi socialisti). Burz. la cultura si presenta in due forme: élite e “di massa”. Il primo di questi è antidemocratico; spesso nega il capitalista. stile di vita e critica i borghesi. morale, però, solo dalle posizioni piccolo-borghesi. individualismo. Burz. La cultura “di massa” è pseudo-democratica e serve effettivamente gli interessi delle dominazioni, delle classi, distogliendo le masse dalla lotta per i loro diritti. Il suo sviluppo è soggetto alle leggi del capitalismo. produzione di merci. È stata creata un'intera "industria" del peso leggero, che ha portato enormi profitti ai suoi proprietari; M. è ampiamente utilizzato nella sua nuova funzione pubblicitaria. La cultura musicale democratica è rappresentata dalle attività di molti musicisti progressisti che lottano per il contenimento. una causa che afferma le idee di umanesimo e nazionalità. Esempi di tale cultura sono, oltre alle opere di teatro musicale. e conc. generi, tante canzoni rivoluzionarie. movimento e lotta antifascista degli anni '1920-'40. (Germania -X. Eisler), moderno. canti di protesta politica. Nel suo sviluppo, insieme al prof. Grandi masse di semi-professionisti e dilettanti hanno suonato e continuano a svolgere un ruolo importante come musicisti.

Nel 20° secolo la creatività del compositore nel capitalista. paesi si distingue per una diversità e una diversità di tendenze stilistiche senza precedenti. L'espressionismo raggiunge il suo apice, caratterizzato da un netto rifiuto della realtà, una maggiore soggettività e l'intensità delle emozioni (la Nuova Scuola Viennese - Schoenberg e i suoi studenti A. Berg e A. Webern, e il compositore italiano L. Dallapiccola - sviluppò un sistema di dodecafonia melodica atonale). Diffuso è il neoclassicismo, caratterizzato dal desiderio di allontanarsi dalle contraddizioni inconciliabili del moderno. società. vita nel mondo delle immagini e delle muse. forme del XVI-XVIII secolo, razionalismo fortemente pronunciato (Stravinsky negli anni 16-18; Germania – P. Hindemith; Italia – O. Respighi, F. Malipiero, A. Casella). L'influenza di queste tendenze in un modo o nell'altro è stata vissuta anche da altri grandi compositori, che, nel complesso, sono però riusciti a superare i limiti delle correnti dovute al loro legame con il democratico. e realistico. tendenze dell'epoca e da Nar. creatività (Ungheria – B. Bartok, Z. Kodai; Francia – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau; Germania – K. Orff; Polonia – K. Shimanovsky; Cecoslovacchia – L. Janacek, B. Martinu; Romania – J. Enescu, Gran Bretagna – B. Britten).

Negli anni '50. ci sono diverse correnti musicali. avant-garde (Germania – K. Stockhausen; Francia – P. Boulez, J. Xenakis; USA – J. Cage; Italia – L. Berio, in parte L. Nono, che si distingue per le sue posizioni politiche avanzate), completamente in rottura con il classico. tradizioni e coltivando musica specifica (montaggio di rumori), musica elettronica (montaggio di suoni ottenuti con l'arte), sonorismo (montaggio di suoni musicali disparati di timbri insoliti), aleatorio (combinazione di suoni separati o sezioni di forma musicale secondo il principio del caso ). L'avanguardia, di regola, esprime lo stato d'animo piccolo-borghese nell'opera. individualismo, anarchismo o estetismo sofisticato.

Un tratto caratteristico del mondo M. XX secolo. – il risveglio a una nuova vita e la crescita intensiva delle muse. culture dei paesi in via di sviluppo dell'Asia, Africa, Lat. L'America, la loro interazione e riavvicinamento con le culture europee. genere. Questi processi sono accompagnati da una dura lotta di musicisti progressisti, da un lato, contro le influenze livellanti dell'Europa occidentale. e nordamericano. elitario e pseudo-massa M., contagiato dal cosmopolitismo, e dall'altro contro i reazionari. tendenze di conservazione nat. culture in forma incrollabile. Per queste culture, i paesi del socialismo servono come esempio per risolvere il problema del nazionale e internazionale in Moldova.

Dopo la vittoria del Grande Ottobre socialista. rivoluzione nel paese sovietico (dopo la seconda guerra mondiale del 2-1939 e in numerosi altri paesi che intrapresero la via del socialismo), si formò una musica musicale. cultura di un tipo fondamentalmente nuovo: socialista. Si distingue per un carattere coerentemente democratico e nazionale. Una vasta e ramificata rete di musica pubblica è stata creata nei paesi socialisti. istituzioni (teatri, società filarmoniche, istituzioni educative, ecc.), gruppi operistici e concertistici che svolgono attività musicali ed estetiche. illuminazione ed educazione di tutto il popolo. In collaborazione con il prof. causa sviluppare musica di massa. creatività e performance nelle forme di spettacoli amatoriali e folcloristici. Tutte le nazioni e nazionalità, incl. e non aveva precedentemente scritto musica. culture, hanno avuto l'opportunità di rivelare e sviluppare pienamente le caratteristiche originali della loro gente. M. e allo stesso tempo si uniscono alle vette del mondo il prof. arte, per padroneggiare generi come l'opera, il balletto, la sinfonia, l'oratorio. Le culture musicali nazionali interagiscono attivamente tra loro, scambiando personale, idee creative e risultati, il che porta al loro stretto incontro.

Ruolo da protagonista nella musica mondiale. rivendicare ve 20 secolo. appartiene ai gufi. M. Molti compositori eccezionali sono venuti alla ribalta (tra cui i russi: N. Ya. Myaskovsky, Yu. A. Shaporin, SS Prokofiev, DD Shostakovich, V. Ya. Shebalin, DB Kabalevsky, TN Khrennikov, GV Sviridov, RK Shchedrin; tartaro – N. Zhiganov; Daghestan – G. Gasanov, Sh. Chalaev; Ucraino – LN Revutsky, BN Lyatoshinsky; Bielorusso – EK Tikotsky, AV Bogatyrev, georgiano – Sh. Harutyunyan, AA Babadzhanyan, EM Mirzoyan; Azero – K. Karaev, F . Amirov; kazako – EG Brusilovsky, M. Tulebaev; uzbeko – M. Burkhanov; turkmeno – V. Mukhatov; estone – E. Kapp, G. Ernesaks, E. Tamberg; lettone – J. Ivanov, M. Zarin; lituano – B. Dvarionas, E. Balsis), nonché artisti (EA Mravinsky, EP Svetlanov, GN Rozhdestvensky, KN Igumnov, VV Sofronitsky, ST Richter, EG Gilels, DF Oistrakh, LB Kogan, LV Sobinov, AV Nezhdan ova, IS Kozlovsky , S. Ya. Lemeshev, ZA Dolukhanova), musicologi (BV Asafiev) e altra musica. figure.

Ideologico ed estetico. la base dei gufi. La matematica è composta dai principi di partigianeria e nazionalità nell'arte, il metodo del realismo socialista, che prevede una varietà di generi, stili e maniere individuali. Nelle civette M. trovò una nuova vita, tante tradizioni. generi musicali. Opera, balletto, sinfonia, mantenendo il classico. forma grande e monumentale (in gran parte perduta in Occidente), sono state aggiornate dall'interno sotto l'influenza dei temi della rivoluzione e della modernità. Sulla base della rivoluzione storica. e popolo-patriottico. coro sbocciato a tema. e wok.-symp. M. (oratorio, cantata, poesia). gufi. la poesia (insieme al classico e al folklore) ha stimolato lo sviluppo del genere romantico. Nuovo genere prof. la creatività compositiva era la canzone – di massa e quotidiana (AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. e Dan. Ya. Pokrassy, ​​​​IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov, AI Ostrovsky, AN Pakhmutova, AP Petrov). gufi. la canzone ha avuto un ruolo enorme nella vita e nella lotta di Nar. messe e ha avuto una forte influenza su altre muse. generi. In tutte le muse. le culture dei popoli dell'URSS hanno ricevuto moderne. rifrazione e sviluppo della tradizione del folklore, e allo stesso tempo sulla base del socialista. contenuto è stato arricchito e trasformato nat. stili che hanno assorbito molte nuove intonazioni e altri mezzi espressivi.

Significa. successi nella costruzione della musica. Le culture sono state raggiunte anche in altri paesi socialisti, dove molti compositori eccezionali hanno lavorato e continuano a lavorare (RDT—H. Eisler e P. Dessau; Polonia—V. Lutoslawski; Bulgaria—P. Vladigerov e L. Pipkov; Ungheria—Z .Kodály, F. Sabo, Cecoslovacchia – V. Dobiash, E. Suchon).

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