Lev Nikolaevich Oborin |

Leo Oborin

Lev Nikolaevich Oborin è stato il primo artista sovietico a vincere la prima vittoria nella storia delle arti dello spettacolo musicale sovietico in un concorso internazionale (Varsavia, 1927, Concorso Chopin). Oggi, quando le fila dei vincitori di vari tornei musicali marciano una dopo l'altra, quando in esse compaiono costantemente nuovi nomi e volti, con i quali “non ci sono numeri”, è difficile apprezzare appieno ciò che Oborin ha fatto 85 anni fa. È stato un trionfo, una sensazione, un'impresa. Gli scopritori sono sempre circondati dall'onore: nell'esplorazione dello spazio, nella scienza, negli affari pubblici; Oborin ha aperto la strada, che J. Flier, E. Gilels, J. Zak e molti altri hanno seguito con brillantezza. Vincere il primo premio in una seria competizione creativa è sempre difficile; nel 1927, nell'atmosfera di cattiva volontà che prevaleva nella Polonia borghese nei confronti degli artisti sovietici, Oborin era doppiamente, triplamente difficile. Non doveva la sua vittoria a un colpo di fortuna o altro, ma esclusivamente a se stesso, al suo grande ed estremamente affascinante talento.

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Oborin è nato a Mosca, nella famiglia di un ingegnere ferroviario. La madre del ragazzo, Nina Viktorovna, amava passare il tempo al pianoforte e suo padre, Nikolai Nikolaevich, era un grande amante della musica. Di tanto in tanto agli Oborin venivano organizzati concerti improvvisati: uno degli ospiti cantava o suonava, Nikolai Nikolayevich in questi casi fungeva volentieri da accompagnatore.

La prima insegnante del futuro pianista fu Elena Fabianovna Gnesina, ben nota nei circoli musicali. Successivamente, al conservatorio, Oborin ha studiato con Konstantin Nikolaevich Igumnov. “Era una natura profonda, complessa, peculiare. In un certo senso, è unico. Penso che i tentativi di caratterizzare l'individualità artistica di Igumnov con l'aiuto di uno o due termini o definizioni – sia esso “paroliere” o qualcos'altro dello stesso tipo – siano generalmente destinati al fallimento. (E i giovani del Conservatorio, che conoscono Igumnov solo da singole registrazioni e da singole testimonianze orali, a volte sono inclini a tali definizioni.)

A dire il vero, – ha continuato la storia del suo maestro Oborin, – Igumnov non è stato sempre pari, come pianista. Forse meglio di tutto ha giocato a casa, nella cerchia dei propri cari. Qui, in un ambiente familiare, confortevole, si sentiva a suo agio ea suo agio. Suonava musica in quei momenti con ispirazione, con genuino entusiasmo. Inoltre, a casa, sul suo strumento, tutto "veniva fuori" sempre per lui. In conservatorio, in classe, dove a volte si radunava molta gente (studenti, ospiti…), “respirava” al pianoforte non più così liberamente. Ha giocato parecchio qui, anche se, a dire il vero, non sempre e non sempre è riuscito in tutto ugualmente bene. Igumnov mostrava il lavoro studiato con lo studente non dall'inizio alla fine, ma in parti, frammenti (quelli che erano attualmente in lavorazione). Per quanto riguarda i suoi discorsi al grande pubblico, non è mai stato possibile prevedere in anticipo cosa fosse destinata a diventare questa performance.

C'erano clavirabend sorprendenti, indimenticabili, spiritualizzati dalla prima all'ultima nota, segnati dalla più sottile penetrazione nell'anima della musica. E insieme a loro c'erano spettacoli irregolari. Tutto dipendeva dal minuto, dall'umore, dal fatto che Konstantin Nikolayevich riuscisse a controllare i suoi nervi, a superare la sua eccitazione.

I contatti con Igumnov hanno significato molto nella vita creativa di Oborin. Ma non solo loro. Il giovane musicista era generalmente, come si suol dire, "fortunato" con gli insegnanti. Tra i suoi mentori del conservatorio c'era Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, dal quale il giovane prese lezioni di composizione. Oborin non doveva diventare un compositore professionista; la vita successiva semplicemente non gli ha lasciato una tale opportunità. Tuttavia, gli studi creativi al momento dello studio hanno dato molto al famoso pianista - lo ha sottolineato più di una volta. "La vita è andata così", ha detto, che alla fine sono diventato un artista e un insegnante, e non un compositore. Tuttavia, ora facendo risorgere nella mia memoria i miei anni più giovani, mi chiedo spesso quanto siano stati utili e utili per me questi tentativi di comporre allora. Il punto non è solo che “sperimentando” alla tastiera ho approfondito la mia comprensione delle proprietà espressive del pianoforte, ma creando e praticando da solo varie combinazioni di texture, in generale, ho fatto progressi come pianista. A proposito, ho dovuto studiare molto – non per imparare le mie commedie, proprio come Rachmaninov, per esempio, non le ha insegnate, non potevo …

Eppure la cosa principale è diversa. Quando, mettendo da parte i miei manoscritti, ho affrontato la musica di altre persone, le opere di altri autori, la forma e la struttura di queste opere, la loro struttura interna e l'organizzazione stessa del materiale sonoro mi sono diventate in qualche modo molto più chiare. Ho notato che poi ho iniziato ad approfondire il significato di complesse trasformazioni intonazione-armoniche, la logica dello sviluppo di idee melodiche, ecc. in modo molto più consapevole. creare musica ha reso me, l'esecutore, servizi inestimabili.

Mi viene spesso in mente un episodio curioso della mia vita”, ha concluso Oborin parlando dei vantaggi della composizione per gli artisti. “In qualche modo all'inizio degli anni Trenta fui invitato a visitare Alexei Maksimovich Gorky. Devo dire che Gorky amava molto la musica e la sentiva sottilmente. Naturalmente, su richiesta del proprietario, ho dovuto sedermi allo strumento. Poi ho giocato molto e, a quanto pare, con grande entusiasmo. Aleksey Maksimovich ascoltava attentamente, appoggiando il mento sul palmo della mano e senza mai distogliere da me i suoi occhi intelligenti e gentili. Inaspettatamente, ha chiesto: "Dimmi, Lev Nikolaevich, perché non componi musica tu stesso?" No, rispondo, mi piaceva, ma ora non ho tempo: viaggi, concerti, studenti … "È un peccato, è un peccato", dice Gorky, "se il dono di un compositore è già insito in te per natura, deve essere protetto – è un valore enorme. Sì, e nella performance, probabilmente, ti aiuterebbe molto… ”Ricordo che io, giovane musicista, rimasi profondamente colpito da queste parole. Non dire niente – saggiamente! Lui, un uomo così lontano dalla musica, ha colto così rapidamente e correttamente l'essenza stessa del problema - esecutore-compositore'.

L'incontro con Gorky è stato solo uno di una serie di tanti incontri e conoscenze interessanti accaduti a Oborin negli anni 'XNUMX e 'XNUMX. A quel tempo era in stretto contatto con Shostakovich, Prokofiev, Shebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky. Era vicino al mondo del teatro – a Meyerhold, al “MKhAT”, e soprattutto a Moskvin; con alcuni di quelli sopra citati, aveva una forte amicizia. Successivamente, quando Oborin diventa un famoso maestro, la critica ne scriverà con ammirazione cultura interna, invariabilmente insito nel suo gioco, che in lui puoi sentire il fascino dell'intelligenza nella vita e sul palco. Oborin lo doveva alla sua giovinezza felicemente formata: famiglia, insegnanti, compagni di studio; una volta in una conversazione, ha detto di aver avuto un eccellente "ambiente nutriente" nei suoi anni più giovani.

Nel 1926 Oborin si diplomò brillantemente al Conservatorio di Mosca. Il suo nome era inciso in oro sulla famosa Tavola d'Onore marmorea che orna il foyer della Sala Piccola del Conservatorio. Ciò è accaduto in primavera e nel dicembre dello stesso anno è stato ricevuto a Mosca un prospetto per il Primo Concorso Pianistico Internazionale Chopin di Varsavia. Sono stati invitati musicisti dell'URSS. Il problema era che praticamente non c'era più tempo per prepararsi alla competizione. "Tre settimane prima dell'inizio della competizione, Igumnov mi ha mostrato il programma della competizione", ha ricordato in seguito Oborin. “Il mio repertorio comprendeva circa un terzo del programma obbligatorio del concorso. L'allenamento in tali condizioni sembrava inutile. Tuttavia, iniziò a prepararsi: insistette Igumnov e uno dei musicisti più autorevoli dell'epoca, BL Yavorsky, la cui opinione Oborin considerava al massimo grado. "Se vuoi davvero, allora puoi parlare", ha detto Yavorsky a Oborin. E ha creduto.

A Varsavia, Oborin si è mostrato molto bene. Gli è stato assegnato all'unanimità il primo premio. La stampa estera, non nascondendo la sua sorpresa (si diceva già sopra: era il 1927), parlò con entusiasmo della performance del musicista sovietico. Il noto compositore polacco Karol Szymanowski, valutando la performance di Oborin, ha pronunciato le parole che i giornali di molti paesi del mondo hanno scavalcato contemporaneamente: “Un fenomeno! Non è un peccato adorarlo, perché crea la Bellezza.

Di ritorno da Varsavia, Oborin inizia un'attiva attività concertistica. È in aumento: la geografia dei suoi tour si sta espandendo, il numero delle esibizioni è in aumento (la composizione deve essere abbandonata - non c'è abbastanza tempo o energia). Il lavoro concertistico di Oborin si è sviluppato particolarmente ampiamente negli anni del dopoguerra: oltre all'Unione Sovietica, suona negli Stati Uniti, Francia, Belgio, Gran Bretagna, Giappone e in molti altri paesi. Solo la malattia interrompe questo flusso ininterrotto e rapido di tour.

… Coloro che ricordano il pianista all'epoca degli anni Trenta parlano all'unanimità del raro fascino del suo modo di suonare: disinvolto, pieno di freschezza giovanile e immediatezza di sentimenti. IS Kozlovsky, parlando del giovane Oborin, scrive di aver colpito con "lirismo, fascino, calore umano, una sorta di radiosità". La parola "splendore" qui attira l'attenzione: espressiva, pittoresca e figurativa, aiuta a capire molto nell'aspetto di un musicista.

E un altro corrotto in esso: la semplicità. Forse la scuola Igumnov ha avuto un effetto, forse le caratteristiche della natura di Oborin, la composizione del suo personaggio (molto probabilmente entrambi), - solo che c'era in lui, come artista, una straordinaria chiarezza, leggerezza, integrità, armonia interiore. Ciò fece un'impressione quasi irresistibile sul grande pubblico e anche sui colleghi del pianista. In Oborin, il pianista, hanno sentito qualcosa che risaliva alle lontane e gloriose tradizioni dell'arte russa: hanno davvero determinato molto nel suo stile di esecuzione concertistica.

Un posto importante nei suoi programmi era occupato dalle opere di autori russi. Ha suonato meravigliosamente Le quattro stagioni, il primo concerto per pianoforte di Dumka e Ciajkovskij. Si potevano spesso ascoltare i Quadri di un'esposizione di Mussorgsky, così come le opere di Rachmaninov: il secondo e il terzo concerto per pianoforte, i preludi, le immagini degli studi, i momenti musicali. Impossibile non ricordare, toccando questa parte del repertorio di Oborin, e la sua incantevole interpretazione della “Piccola Suite” di Borodin, le Variazioni su un tema di Lyadov di Glinka, Concerto per pianoforte e orchestra op. 70 A. Rubinstein. Era un artista di una piega veramente russa - nel suo carattere, aspetto, atteggiamento, gusti artistici e affetti. Era semplicemente impossibile non sentire tutto questo nella sua arte.

E un altro autore deve essere nominato quando si parla del repertorio di Oborin: Chopin. Ha suonato la sua musica dai primi passi sul palco fino alla fine dei suoi giorni; una volta scrisse in uno dei suoi articoli: "Il sentimento di gioia che hanno i pianisti Chopin non mi lascia mai". È difficile ricordare tutto ciò che Oborin ha suonato nei suoi programmi di Chopin: studi, preludi, valzer, notturni, mazurche, sonate, concerti e molto altro. È difficile da enumerare che ha suonato, è ancora più difficile esibirsi oggi, as ce l'ha fatta. "Il suo Chopin - cristallino e brillante - ha catturato indivisa qualsiasi pubblico", ha ammirato J. Flier. Non è un caso, ovviamente, che Oborin abbia vissuto il suo primo e più grande trionfo creativo della sua vita in un concorso dedicato alla memoria del grande compositore polacco.

… Nel 1953 ebbe luogo la prima esecuzione del duetto Oborin – Oistrakh. Qualche anno dopo nacque un trio: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. Da allora, Oborin è diventato noto al mondo musicale non solo come solista, ma anche come musicista d'insieme di prima classe. Fin da giovane amava la musica da camera (anche prima di incontrare i suoi futuri partner, suonava in duetto con D. Tsyganov, eseguito insieme al Beethoven Quartet). In effetti, alcune caratteristiche della natura artistica di Oborin - flessibilità esecutiva, sensibilità, capacità di stabilire rapidamente contatti creativi, versatilità stilistica - lo hanno reso un membro indispensabile di duetti e trii. Sul conto di Oborin, Oistrakh e Knushevitsky, c'era un'enorme quantità di musica riprodotta da loro: opere di classici, romantici, autori moderni. Se parliamo dei loro successi di punta, allora non si può non nominare la sonata per violoncello Rachmaninoff interpretata da Oborin e Knushevitsky, così come tutte e dieci le sonate di Beethoven per violino e pianoforte, eseguite contemporaneamente da Oborin e Oistrakh. Queste sonate furono eseguite, in particolare, nel 1962 a Parigi, dove artisti sovietici furono invitati da una nota casa discografica francese. Nel giro di un mese e mezzo, hanno registrato la loro esibizione su dischi e, in una serie di concerti, lo hanno anche presentato al pubblico francese. Fu un momento difficile per l'illustre duo. “Abbiamo lavorato davvero duramente e duramente”, ha detto in seguito DF Oistrakh, “non siamo andati da nessuna parte, ci siamo astenuti da allettanti passeggiate per la città, rifiutando numerosi inviti ospitali. Tornando alla musica di Beethoven, ho voluto ripensare ancora una volta l'impianto generale delle sonate (che conta!) e riviverne ogni dettaglio. Ma è improbabile che il pubblico, dopo aver visitato i nostri concerti, abbia avuto più piacere di noi. Ci divertivamo ogni sera quando suonavamo le sonate dal palco, eravamo infinitamente felici, ascoltando la musica nel silenzio dello studio, dove si creavano tutte le condizioni per questo”.

Insieme a tutto il resto, insegnava anche Oborin. Dal 1931 fino agli ultimi giorni della sua vita, diresse una classe affollata al Conservatorio di Mosca - allevò più di una dozzina di studenti, tra i quali si possono citare molti famosi pianisti. Di norma, Oborin faceva attivamente tournée: viaggiava in varie città del paese, trascorreva molto tempo all'estero. Accadeva così che i suoi incontri con gli studenti non fossero troppo frequenti, non sempre sistematici e regolari. Questo, ovviamente, non poteva che lasciare una certa impronta nelle classi della sua classe. Qui non si doveva contare su un'assistenza pedagogica quotidiana e premurosa; a molte cose, gli "Oborint" dovevano scoprirlo da soli. A quanto pare, in una situazione così educativa c'erano sia i loro vantaggi che i loro svantaggi. Adesso si tratta di qualcos'altro. Incontri rari con l'insegnante in qualche modo particolarmente valutato molto i suoi animali domestici - questo è ciò che vorrei sottolineare. Erano apprezzati, forse, più che nelle classi di altri professori (anche se non meno eminenti e meritati, ma più “domestici”). Queste lezioni-incontro con Oborin furono un evento; preparato per loro con particolare cura, atteso, è successo, quasi fosse una festa. È difficile dire se ci fosse una differenza fondamentale per uno studente di Lev Nikolayevich nell'esibirsi, diciamo, nella Sala Piccola del Conservatorio in una qualsiasi delle serate studentesche o nel suonare un nuovo pezzo per il suo insegnante, appreso in sua assenza. Questa sensazione accresciuta Responsabilità prima dello spettacolo in classe era una sorta di stimolante – potente e molto specifico – nelle lezioni con Oborin. Ha determinato molto nel lavoro psicologico ed educativo dei suoi rioni, nel suo rapporto con il professore.

Non c'è dubbio che uno dei principali parametri con cui si può e si deve giudicare il successo dell'insegnamento è legato a autorità insegnante, una misura del suo prestigio professionale agli occhi degli studenti, il grado di influenza emotiva e volitiva sui suoi allievi. L'autorità di Oborin nella classe era indiscutibilmente alta e la sua influenza sui giovani pianisti era eccezionalmente forte; bastava questo per parlare di lui come di una grande figura pedagogica. Le persone che hanno comunicato da vicino con lui ricordano che alcune parole pronunciate da Lev Nikolaevich si sono rivelate a volte più pesanti e significative di altri discorsi più magnifici e fioriti.

Poche parole, va detto, erano generalmente preferibili a Oborin rispetto a lunghi monologhi pedagogici. Piuttosto un po' chiuso che eccessivamente socievole, era sempre piuttosto laconico, avaro di dichiarazioni. Tutti i tipi di divagazioni letterarie, analogie e parallelismi, confronti colorati e metafore poetiche: tutto questo era l'eccezione nelle sue lezioni piuttosto che la regola. Parlando della musica stessa - il suo carattere, le immagini, il contenuto ideologico e artistico - era estremamente conciso, preciso e rigoroso nelle espressioni. Non c'era mai nulla di superfluo, di facoltativo, di fuorviante nelle sue affermazioni. C'è un tipo speciale di eloquenza: dire solo ciò che è rilevante, e niente di più; in questo senso Oborin è stato davvero eloquente.

Lev Nikolaevich è stato particolarmente breve durante le prove, un giorno o due prima dello spettacolo, il prossimo allievo della sua classe. “Ho paura di disorientare lo studente”, ha detto una volta, “almeno in qualche modo per scuotere la sua fede nel concetto stabilito, ho paura di“ spaventare ”la vivace sensazione di esecuzione. Secondo me è meglio che un insegnante nel periodo pre-concertista non insegni, non istruisca ripetutamente un giovane musicista, ma semplicemente lo sostenga, lo rallegri…”

Altro momento caratteristico. Le istruzioni e le osservazioni pedagogiche di Oborin, sempre specifiche e mirate, erano solitamente rivolte a ciò a cui era connesso pratico lato nel pianismo. Con prestazioni in quanto tali. Come, ad esempio, suonare questo o quel posto difficile, semplificandolo il più possibile, rendendolo tecnicamente più semplice; quale diteggiatura potrebbe essere più adatta qui; quale posizione delle dita, delle mani e del corpo sarebbe la più comoda e appropriata; quali sensazioni tattili porterebbero al suono desiderato, ecc. – queste e simili domande molto spesso venivano in primo piano nella lezione di Oborin, determinandone la speciale costruttività, il ricco contenuto "tecnologico".

Era eccezionalmente importante per gli studenti che tutto ciò di cui Oborin parlava fosse “fornito” – come una sorta di riserva aurea – dalla sua vasta esperienza esecutiva professionale, basata sulla conoscenza dei segreti più intimi del “mestiere” pianistico.

Come, diciamo, eseguire un pezzo con l'aspettativa del suo suono futuro nella sala da concerto? Come correggere la produzione del suono, la sfumatura, la pedalizzazione, ecc. a questo proposito? Consigli e raccomandazioni di questo tipo sono venuti dal maestro, molte volte e, soprattutto, personalmente che ha testato tutto in pratica. C'è stato un caso in cui, durante una delle lezioni che si sono svolte a casa di Oborin, uno dei suoi studenti ha suonato la prima ballata di Chopin. "Bene, bene, non male", ha riassunto Lev Nikolayevich, dopo aver ascoltato il lavoro dall'inizio alla fine, come al solito. “Ma questa musica suona troppo da camera, direi addirittura “stanza”. E tu ti esibirai nella Sala Piccola… Te ne sei dimenticato? Si prega di ricominciare e tenerne conto…”

Questo episodio ricorda, tra l'altro, una delle istruzioni di Oborin, che è stata ripetuta più volte ai suoi studenti: un pianista che suona dal palco deve avere un "rimprovero" chiaro, comprensibile, molto articolato - "dizione esecutiva ben piazzata", come ha detto Lev Nikolayevich in una delle classi. E quindi: "Più in rilievo, più grande, più definito", ha spesso chiesto durante le prove. “Un relatore che parla dal podio parlerà in modo diverso rispetto a faccia a faccia con il suo interlocutore. Lo stesso vale per un pianista da concerto che suona in pubblico. L'intera sala dovrebbe sentirlo, e non solo le prime file della platea.

Forse lo strumento più potente nell'arsenale di Oborin l'insegnante è stato a lungo mostrare attraverso le sue creazioni (illustrazione) sullo strumento; solo negli ultimi anni, a causa di una malattia, Lev Nikolaevich ha iniziato ad avvicinarsi meno spesso al pianoforte. In termini di priorità “operativa”, in termini di efficacia, il metodo di visualizzazione, si potrebbe dire, eccelleva rispetto a quello esplicativo verbale. E non è nemmeno che una specifica dimostrazione sulla tastiera dell'una o dell'altra tecnica esecutiva abbia aiutato gli “Oborints” nel loro lavoro su suono, tecnica, pedalata, ecc. tutto questo portato con sé è qualcosa di più sostanziale. Suonare Lev Nikolaevich sul secondo strumento fonte di ispirazione la giovinezza musicale, ha aperto nuovi orizzonti e prospettive precedentemente sconosciuti nel pianismo, ha permesso loro di respirare l'emozionante aroma di un grande palcoscenico da concerto. Questo gioco a volte ha svegliato qualcosa di simile alla "invidia bianca": dopotutto, si scopre che as и che si può fare al pianoforte... Una volta mostrare l'uno o l'altro lavoro al pianoforte Oborinsky portava chiarezza alle situazioni più difficili da eseguire per lo studente, tagliava i "nodi gordiani" più intricati. Nelle memorie di Leopold Auer sul suo insegnante, il meraviglioso violinista ungherese J. Joachim, ci sono delle righe: so!” accompagnato da un sorriso rassicurante.” (Auer L. La mia scuola di violino. – M., 1965. S. 38-39.). Scene simili si svolgevano spesso nella classe Oborinsky. È stato suonato qualche episodio pianisticamente complesso, è stato mostrato uno “standard” – e poi è stato aggiunto un riassunto di due o tre parole: “Secondo me, quindi…”

… Quindi, cosa ha insegnato alla fine Oborin? Qual era il suo “credo” pedagogico? Qual era il fulcro della sua attività creativa?

Oborin ha introdotto i suoi studenti a una trasmissione veritiera, realistica, psicologicamente convincente del contenuto figurativo e poetico della musica; questo era l'alfa e l'omega del suo insegnamento. Lev Nikolayevich poteva parlare di cose diverse nelle sue lezioni, ma tutto ciò alla fine ha portato a una cosa: aiutare lo studente a comprendere l'essenza più intima dell'intenzione del compositore, a realizzarla con la mente e il cuore, ad entrare in “co-paternità ” con il creatore di musica, per incarnare le sue idee con la massima convinzione e persuasività. "Più completo e profondo l'esecutore comprende l'autore, maggiore è la possibilità che in futuro credano all'esecutore stesso", ha ripetutamente espresso il suo punto di vista, a volte variando la formulazione di questo pensiero, ma non la sua essenza.

Ebbene, capire l'autore – e qui Lev Nikolayevich parlava in pieno accordo con la scuola che lo ha cresciuto, con Igumnov – significava nella classe Oborinsky decifrare il testo dell'opera il più accuratamente possibile, “esaurirlo” completamente e il fondo, per rivelare non solo la cosa principale nella notazione musicale, ma anche le sfumature più sottili del pensiero del compositore, fissate in essa. "La musica, rappresentata da segni su carta da musica, è una bella addormentata, ha ancora bisogno di essere disincantata", ha detto una volta in una cerchia di studenti. Per quanto riguarda l'accuratezza del testo, i requisiti di Lev Nikolayevich per i suoi allievi erano i più severi, per non dire pedanti: nulla di approssimativo nel gioco, fatto frettolosamente, "in generale", senza la dovuta completezza e accuratezza, veniva perdonato. "Il miglior giocatore è quello che trasmette il testo in modo più chiaro e logico", queste parole (sono attribuite a L. Godovsky) potrebbero servire da eccellente epigrafe a molte delle lezioni di Oborin. Eventuali peccati contro l'autore – non solo contro lo spirito, ma anche contro le lettere delle opere interpretate – erano qui considerati come qualcosa di scandaloso, come cattive maniere di un interprete. Con tutto il suo aspetto, Lev Nikolaevich ha espresso estremo dispiacere in tali situazioni …

Non un singolo dettaglio di trama apparentemente insignificante, non un singolo eco nascosto, nota confusa, ecc., sfuggì al suo occhio professionalmente acuto. Evidenziare con attenzione uditiva contro tutti i и contro tutti i in un'opera interpretata, insegnava Oborin, l'essenza è “riconoscere”, comprendere una data opera. “Per un musicista sentire - si intende capire“, – è caduto in una delle lezioni.

Non c'è dubbio che abbia apprezzato le manifestazioni di individualità e indipendenza creativa nei giovani pianisti, ma solo nella misura in cui queste qualità hanno contribuito all'identificazione regolarità oggettive composizioni musicali.

Di conseguenza, sono stati determinati i requisiti di Lev Nikolaevich per il gioco degli studenti. Musicista di gusto rigoroso, si potrebbe dire, purista, un po' accademico all'epoca degli anni Cinquanta e Sessanta, si oppose risolutamente all'arbitrarietà esecutiva soggettivista. Tutto ciò che era eccessivamente orecchiabile nelle interpretazioni dei suoi giovani colleghi, affermando di essere insolito, scioccante per l'originalità esteriore, non era privo di pregiudizi e diffidenza. Così, una volta parlando dei problemi della creatività artistica, Oborin ha ricordato A. Kramskoy, concordando con lui sul fatto che “l'originalità nell'arte fin dai primi passi è sempre alquanto sospetta e indica piuttosto ristrettezza e limitazione che talento ampio e versatile. Una natura profonda e sensibile all'inizio non può che lasciarsi trasportare da tutto ciò che è stato fatto di buono prima; tali nature imitano…”

In altre parole, ciò che Oborin cercava dai suoi studenti, volendo sentire nel loro gioco, poteva essere caratterizzato in termini di: semplice, modesto, naturale, sincero, poetico. L'esaltazione spirituale, l'espressione un po' esagerata nel processo di fare musica: tutto questo di solito urtava Lev Nikolayevich. Lui stesso, come si diceva, sia nella vita che sul palco, allo strumento, era sobrio, equilibrato nei sentimenti; approssimativamente lo stesso "grado" emotivo lo attirava nell'esecuzione di altri pianisti. (In qualche modo, dopo aver ascoltato il gioco troppo capriccioso di un artista esordiente, ha ricordato le parole di Anton Rubinstein che non dovrebbero esserci molti sentimenti, un sentimento può essere solo con moderazione; se ce n'è molto, allora è è falso …) Coerenza e correttezza nelle manifestazioni emotive , armonia interiore nella poetica, perfezione dell'esecuzione tecnica, accuratezza stilistica, rigore e purezza: queste e simili qualità di esecuzione hanno evocato la reazione invariabilmente di approvazione di Oborin.

Ciò che ha coltivato nella sua classe potrebbe essere definito come un'educazione professionale musicale elegante e sottile, instillando modi esecutivi impeccabili nei suoi studenti. Allo stesso tempo, Oborin è partito dalla convinzione che “un insegnante, per quanto esperto ed esperto possa essere, non può rendere uno studente più talentuoso di quanto non sia per natura. Non funzionerà, qualunque cosa venga fatta qui, qualunque siano i trucchi pedagogici usati. Il giovane musicista ha un vero talento – prima o poi si farà conoscere, scoppierà; no, non c'è niente da aiutare qui. Un'altra cosa è che è sempre necessario gettare solide basi di professionalità sotto i giovani talenti, per quanto grande sia misurato; introdurlo alle norme del buon comportamento nella musica (e forse non solo nella musica). Esiste già un dovere e un dovere diretto dell'insegnante.

In una tale visione delle cose, c'era una grande saggezza, una calma e sobria consapevolezza di ciò che un insegnante può fare e di ciò che è al di fuori del suo controllo...

Oborin è stato per molti anni un esempio ispiratore, un modello artistico elevato per i suoi colleghi più giovani. Hanno imparato dalla sua arte, lo hanno imitato. Ripetiamo, la sua vittoria a Varsavia ha suscitato molti di coloro che lo hanno seguito. È improbabile che Oborin avrebbe svolto questo ruolo di primo piano, di fondamentale importanza nel pianismo sovietico, se non fosse stato per il suo fascino personale, le sue qualità puramente umane.

A ciò viene sempre data una notevole importanza negli ambienti professionali; da qui, per molti aspetti, l'atteggiamento nei confronti dell'artista e la risonanza pubblica delle sue attività. "Non c'era contraddizione tra Oborin l'artista e Oborin l'uomo", ha scritto Ya. I. Zak, che lo conosceva da vicino. “Era molto armonioso. Onesto nell'arte, era impeccabilmente onesto nella vita... Era sempre amichevole, benevolo, veritiero e sincero. Era una rara unità di principi estetici ed etici, una lega di alta abilità artistica e la più profonda decenza. (Zak Ya. Talento brillante / / LN Oborin: Articoli. Memorie. – M., 1977. P. 121.).

G. Cypin