Sergei Mikhailovich Slonimsky |

Sergej Slonimskij

Merita di ereditare solo chi può applicare un'eredità alla vita. JW Goethe, “Faust”

È davvero uno di quei pochi compositori contemporanei che sono invariabilmente visti come un successore delle tradizioni. Di chi? Di solito chiamato M. Mussorgsky e S. Prokofiev. Non meno fermamente nei giudizi su Slonimsky, si sottolinea anche il contrario: la brillante individualità della musica, la sua memorabilità e il facile riconoscimento. La dipendenza dalle tradizioni e l'io di Slonimsky non si escludono a vicenda. Ma all'unità di questi due opposti se ne aggiunge un terzo: la capacità di creare in modo affidabile negli stili musicali di epoche e popoli diversi, sia che si tratti di un villaggio russo di epoca pre-rivoluzionaria nell'opera Virineya (1967, basata su il racconto di L. Seifullina) o Old Scotland nell'opera Mary Stuart (1980), che ha stupito anche gli ascoltatori scozzesi per la sua profondità di penetrazione. La stessa qualità di autenticità risiede nelle sue composizioni “antiche”: il balletto “Icaro” (1971); brani vocali “Song of Songs” (1975), “Farewell to a Friend in the Desert” (1966), “Monologues” (1967); opera Il maestro e Margherita (1972, Scene del Nuovo Testamento). Allo stesso tempo, l'autore stilizza l'antichità, unendo i principi musicali del folklore, le ultime tecniche compositive del XIX secolo. con una propria personalità. "Slonimsky, a quanto pare, ha quel dono speciale che distingue un compositore da tanti: la capacità di parlare vari linguaggi musicali, e allo stesso tempo il timbro di una qualità personale che risiede nelle sue opere", ritiene il critico americano.

Autore di molte opere, Slonimsky è imprevedibile in ogni nuova. Dopo la cantata "Songs of the Freemen" (1959, su testi popolari), in cui la straordinaria implementazione del folklore russo ha permesso di parlare di Slonimsky come uno degli ispiratori della "nuova ondata di folklore", è apparsa la Sonata per violino solo – un'opera della massima espressione e complessità moderna. Dopo l'opera da camera Il maestro e Margherita, apparve il Concerto per tre chitarre elettriche, strumenti solisti e orchestra sinfonica (1973), sintesi più originale di due generi e forme del pensiero musicale: il rock e la sinfonia. Una tale ampiezza e un netto cambiamento negli interessi figurativi e di trama del compositore hanno inizialmente scioccato molti, non chiarendo: qual è il vero Slonimsky? “…A volte, dopo il prossimo nuovo lavoro, i suoi fan diventano i suoi “negazionisti”, e questi ultimi diventano fan. Solo una cosa rimane costante: la sua musica suscita sempre l'interesse degli ascoltatori, ci pensano e ne discutono. A poco a poco si è rivelata l'inseparabile unità dei diversi stili di Slonimsky, ad esempio la capacità di conferire anche alla dodecafonia le caratteristiche del folklore melos. Si è scoperto che tecniche ultra-innovative come l'uso di un sistema non temperato (intonazioni di terzo e quarto di tono), ritmi di improvvisazione libera senza calma, sono caratteristiche del folklore. E uno studio attento della sua armonia ha rivelato come l'autore utilizzi in modo peculiare i principi dell'antica armonia e della polifonia popolare, ovviamente, insieme a un arsenale di mezzi di armonia romantica e moderna. Ecco perché in ciascuna delle sue nove sinfonie ha creato alcuni drammi musicali, spesso interconnessi da immagini - portatori delle idee principali, personificando diverse manifestazioni e forme del bene e del male. Altrettanto luminose, ricche, sinfoniche, le trame di tutte e quattro le sue composizioni teatrali musicali - un balletto e tre opere - si rivelano proprio nella musica. Questo è uno dei motivi principali del continuo interesse di artisti e ascoltatori per la musica di Slonimsky, ampiamente ascoltata in URSS e all'estero.

Nato nel 1932 a Leningrado, nella famiglia dell'eminente scrittore sovietico M. Slonimsky, il futuro compositore ereditò le tradizioni spirituali dell'intellighenzia creativa democratica russa. Fin dalla prima infanzia ricorda gli amici intimi di suo padre: E. Schwartz, M. Zoshchenko, K. Fedin, storie su M. Gorky, A. Grin, l'atmosfera di una vita di scrittore tesa, difficile e drammatica. Tutto ciò ha rapidamente ampliato il mondo interiore del bambino, ha insegnato a guardare il mondo attraverso gli occhi di uno scrittore, un artista. L'osservazione acuta, l'analiticità, la chiarezza nella valutazione di fenomeni, persone, azioni - svilupparono gradualmente in lui il pensiero drammatico.

L'educazione musicale di Slonimsky iniziò negli anni prebellici a Leningrado, continuò durante la guerra a Perm ea Mosca, presso la Central Music School; finì a Leningrado - in una scuola decennale, al conservatorio presso le facoltà di composizione (1955) e pianoforte (1958), e infine, in una scuola di specializzazione - in teoria musicale (1958). Tra gli insegnanti di Slonimsky ci sono B. Arapov, I. Sherman, V. Shebalin, O. Messner, O. Evlakhov (composizione). L'inclinazione all'improvvisazione, l'amore per il teatro musicale, la passione per S. Prokofiev, D. Shostakovich, M. Mussorgsky, manifestata fin dall'infanzia, determinarono in gran parte l'immagine creativa del futuro compositore. Dopo aver ascoltato molte opere classiche durante gli anni della guerra a Perm, dove il teatro Kirov fu evacuato, il giovane Slonimsky improvvisò intere scene d'opera, compose opere teatrali e sonate. E, probabilmente, era orgoglioso nella sua anima, sebbene fosse sconvolto dal fatto che un musicista come A. Pazovsky, allora direttore principale del teatro, non credesse che Sergei Slonimsky, dieci anni, avesse scritto lui stesso una storia d'amore sui versi di Lermontov .

Nel 1943, Slonimsky acquistò in una delle mercerie di Mosca il clavicembalo dell'opera Lady Macbeth del distretto di Mtsensk: l'opera proibita di Shostakovich fu demolita. L'opera è stata memorizzata e le pause alla Central Music School sono state annunciate come una "scena di sculacciate" sotto gli sguardi sconcertati e di disapprovazione degli insegnanti. La prospettiva musicale di Slonimsky è cresciuta rapidamente, la world music è stata assorbita genere per genere, stile per stile. Tanto più terribile per il giovane musicista fu il 1948, che ridusse il mondo della musica moderna a uno spazio angusto limitato dai muri del "formalismo". Come tutti i musicisti di questa generazione che hanno studiato nei conservatori dopo il 1948, è stato educato solo sull'eredità classica. Solo dopo il XNUMX° Congresso del PCUS iniziò uno studio profondo e spregiudicato della cultura musicale del XIX secolo. Compositore giovanile di Leningrado, Mosca ha recuperato intensamente il tempo perduto. Insieme a L. Prigogine, E. Denisov, A. Schnittke. S. Gubaidulina, hanno imparato l'uno dall'altro.

Allo stesso tempo, il folklore russo divenne la scuola più importante per Slonimsky. Molte spedizioni folcloristiche - "un intero conservatorio folcloristico", nelle parole dell'autore - si sono svolte per comprendere non solo la canzone, ma anche il carattere popolare, la via del villaggio russo. Tuttavia, la posizione artistica di principio di Slonimsky richiedeva un ascolto sensibile del folklore urbano moderno. Così le intonazioni delle canzoni turistiche e barde degli anni '60 sono entrate organicamente nella sua musica. La cantata “Voice from the Chorus” (su A. Blok's st., 1964) è il primo tentativo di unire stili distanti in un unico insieme artistico, definito poi da A. Schnittke “polistilistico”.

Il pensiero artistico moderno è stato formato da Slonimsky fin dall'infanzia. Ma la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 furono particolarmente importanti. Comunicando molto con i poeti di Leningrado E. Rein, G. Gerbovsky, I. Brodsky, con gli attori M. Kozakov, S. Yursky, con il leninista V. Loginov, il regista G. Poloka, Slonimsky è cresciuto in una costellazione di talenti brillanti. Combina perfettamente maturità e malizia, modestia, raggiungimento della scrupolosità e coraggio, una posizione di vita attiva. I suoi discorsi taglienti e onesti sono sempre conclusivi, sostenuti da un senso di giustizia e da una grande erudizione. L'umorismo di Sergei Slonimsky è pungente, preciso, aderente come una frase popolare ben mirata.

Slonimsky non è solo un compositore e pianista. È un improvvisatore brillante e molto artistico, un grande musicologo (autore del libro "Sinfonia di S. Prokofiev", articoli su R. Schumann, G. Mahler, I. Stravinsky, D. Shostakovich, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Balakirev, discorsi taglienti e polemici sulla creatività musicale contemporanea). È anche un insegnante, un professore al Conservatorio di Leningrado, infatti, il creatore di un'intera scuola. Tra i suoi studenti: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov – in totale più di 30 membri dell'Unione dei compositori, inclusi musicologi. Personaggio musicale e pubblico che si preoccupa di perpetuare la memoria e di eseguire opere immeritatamente dimenticate di M. Mussorgsky, V. Shcherbachev, persino R. Schumann, Slonimsky è uno dei più autorevoli musicisti sovietici contemporanei.

M.Ritsareva