Alfred Brandel |

Alfred Brandel

In qualche modo, gradualmente, senza sensazioni e rumori pubblicitari, verso la metà degli anni '70 Alfred Brendel è entrato in prima linea tra i maestri del pianismo moderno. Fino a poco tempo, il suo nome veniva chiamato insieme ai nomi di coetanei e compagni di studio: I. Demus, P. Badur-Skoda, I. Hebler; oggi si trova più spesso in combinazione con i nomi di luminari come Kempf, Richter o Gilels. È chiamato uno dei degni e, forse, il più degno successore di Edwin Fisher.

Per coloro che hanno familiarità con l'evoluzione creativa dell'artista, questa nomina non è inaspettata: è, per così dire, predeterminata da una felice combinazione di brillanti dati pianistici, intelletto e temperamento, che ha portato allo sviluppo armonioso del talento, anche sebbene Brendel non abbia ricevuto un'istruzione sistematica. La sua infanzia trascorse a Zagabria, dove i genitori del futuro artista tenevano un piccolo hotel e suo figlio servì un vecchio grammofono in un bar, che divenne il suo primo "insegnante" di musica. Per diversi anni ha preso lezioni dal maestro L. Kaan, ma allo stesso tempo era appassionato di pittura e all'età di 17 anni non aveva deciso quale delle due professioni preferire. Brendle ha dato il diritto di scegliere... al pubblico: ha organizzato contemporaneamente una mostra dei suoi dipinti a Graz, dove si è trasferita la famiglia, e ha tenuto un concerto da solista. A quanto pare, il successo del pianista si è rivelato grande, perché ora la scelta è stata fatta.

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La prima pietra miliare del percorso artistico di Brendel fu la vittoria nel 1949 al neocostituito Concorso Pianistico Busoni di Bolzano. Gli ha portato fama (molto modesta), ma soprattutto ha rafforzato la sua intenzione di migliorare. Da diversi anni frequenta corsi di perfezionamento tenuti da Edwin Fischer a Lucerna, prendendo lezioni da P. Baumgartner ed E. Steuermann. Vivendo a Vienna, Brendel si unisce alla galassia di giovani pianisti di talento che si sono fatti notare dopo la guerra in Austria, ma all'inizio occupa un posto meno importante rispetto agli altri suoi rappresentanti. Sebbene tutti fossero già abbastanza conosciuti in Europa e oltre, Brendle era ancora considerato "promettente". E questo è naturale in una certa misura. A differenza dei suoi coetanei, scelse, forse, il percorso più diretto, ma lontano dal più facile nell'arte: non si chiuse nel quadro cameristico, come Badura-Skoda, non si rivolse all'aiuto di strumenti antichi, come Demus, non si specializzò su uno o due autori, come Hebler, non corse “da Beethoven al jazz e ritorno”, come Gulda. Aspirava solo a essere se stesso, cioè un musicista "normale". E alla fine ha dato i suoi frutti, ma non subito.

Verso la metà degli anni '60, Brendel riuscì a viaggiare in molti paesi, visitò gli Stati Uniti e vi registrò persino su dischi, su suggerimento della compagnia Vox, quasi la collezione quasi completa delle opere per pianoforte di Beethoven. La cerchia di interessi del giovane artista era già abbastanza ampia in quel momento. Tra le registrazioni di Brendle, troveremo opere che sono tutt'altro che standard per un pianista della sua generazione: Quadri di un'esposizione di Mussorgsky, Islamey di Balakirev. Petrushka di Stravinsky, Pezzi (op. 19) e Concerto (op. 42) di Schoenberg, opere di R. Strauss e Fantasia contrappuntistica di Busoni, e infine il Quinto Concerto di Prokofiev. Insieme a questo Brendle è molto e volentieri impegnato in formazioni cameristiche: ha inciso il ciclo di Schubert “La bella ragazza del mugnaio” con G. Prey, la Sonata per due pianoforti di Bartok con percussioni, i Quintetti per pianoforte e fiati di Beethoven e Mozart, l'ungherese di Brahms Danze e Concerto per due pianoforti di Stravinsky … Ma al centro del suo repertorio, nonostante tutto, ci sono i classici viennesi – Mozart, Beethoven, Schubert, ma anche – Liszt e Schumann. Già nel 1962, la sua serata di Beethoven fu riconosciuta come l'apice del prossimo Festival di Vienna. “Brandl è senza dubbio il rappresentante più significativo della giovane scuola viennese”, scrisse all'epoca il critico F. Vilnauer. “Beethoven gli suona come se avesse familiarità con le conquiste degli autori contemporanei. Fornisce una prova incoraggiante che tra il livello attuale della composizione e il livello di coscienza degli interpreti c'è una profonda connessione interiore, cosa così rara tra le routine ei virtuosi che si esibiscono nelle nostre sale da concerto. Era un riconoscimento del pensiero interpretativo profondamente moderno dell'artista. Ben presto, anche uno specialista come I. Kaiser lo definì "un filosofo del pianoforte nel campo di Beethoven, Liszt, Schubert", e la combinazione di un temperamento burrascoso e un intellettualismo prudente gli valse il soprannome di "filosofo del pianoforte selvaggio". Tra gli indubbi pregi del suo modo di suonare, i critici attribuiscono l'accattivante intensità del pensiero e del sentimento, un'eccellente comprensione delle leggi della forma, dell'architettura, della logica e della scala delle gradazioni dinamiche e della ponderatezza del piano performativo. "Questo è interpretato da un uomo che ha capito e chiarito perché e in quale direzione si sviluppa la forma della sonata", scrisse Kaiser, riferendosi alla sua interpretazione di Beethoven.

Insieme a questo, a quel tempo erano evidenti anche molte carenze del modo di suonare di Brendle: manierismo, fraseggio deliberato, debolezza della cantilena, incapacità di trasmettere la bellezza della musica semplice e senza pretese; non a caso uno dei revisori gli consigliò di ascoltare attentamente l'interpretazione di E. Gilels della sonata di Beethoven (Op. 3, n. 2) "per capire cosa si nasconde in questa musica". Apparentemente, l'artista autocritico e intelligente ha ascoltato questi suggerimenti, perché il suo modo di suonare diventa più semplice, ma allo stesso tempo più espressivo, più perfetto.

Il salto di qualità che ha avuto luogo ha portato Brendle al riconoscimento universale alla fine degli anni '60. Il punto di partenza della sua fama è stato un concerto alla Wigmore Hall di Londra, dopo il quale fama e contratti sono letteralmente caduti sull'artista. Da allora ha suonato e registrato molto, senza però cambiare la sua intrinseca meticolosità nella selezione e nello studio delle opere.

Brendle, con tutta l'ampiezza dei suoi interessi, non si sforza di diventare un pianista universale, ma, al contrario, è ora piuttosto incline all'autocontrollo nell'ambito del repertorio. I suoi programmi includono Beethoven (le cui sonate ha registrato due volte su dischi), la maggior parte delle opere di Schubert, Mozart, Liszt, Brahms, Schumann. Ma non suona affatto Bach (credendo che ciò richieda strumenti antichi) e Chopin ("Amo la sua musica, ma richiede troppa specializzazione, e questo mi minaccia di perdere i contatti con altri compositori").

Rimanendo invariabilmente espressivo, emotivamente saturo, il suo modo di suonare è ora diventato molto più armonioso, il suono è più bello, il fraseggio è più ricco. Indicativa al riguardo è la sua esecuzione del concerto di Schoenberg, unico compositore contemporaneo, insieme a Prokofiev, rimasto nel repertorio del pianista. Secondo uno dei critici, si avvicinò più di Gould all'ideale, alla sua interpretazione, "perché riuscì a salvare anche la bellezza che Schoenberg voleva, ma non riuscì a espellere".

Alfred Brendel ha attraversato un percorso estremamente diretto e naturale da virtuoso alle prime armi a grande musicista. "A dire il vero, è l'unico che ha pienamente giustificato le speranze che allora erano riposte su di lui", ha scritto I. Harden, riferendosi alla giovinezza di quella generazione di pianisti viennesi a cui appartiene Brendel. Tuttavia, così come il rettilineo scelto da Brendle non è stato affatto facile, così ora il suo potenziale è ancora lontano dall'essere esaurito. Ciò è dimostrato in modo convincente non solo dai suoi concerti e registrazioni da solista, ma anche dalle attività incessanti e variegate di Brendel in vari campi. Continua ad esibirsi in ensemble da camera, registrando tutte le composizioni a quattro mani di Schubert con Evelyn Crochet, la vincitrice del Concorso Tchaikovsky che conosciamo, o eseguendo i cicli vocali di Schubert con D. Fischer-Dieskau nelle sale più grandi d'Europa e d'America; scrive libri e articoli, conferenze sui problemi dell'interpretazione della musica di Schumann e Beethoven. Tutto ciò persegue un obiettivo principale: rafforzare i contatti con la musica e con gli ascoltatori, e i nostri ascoltatori hanno finalmente potuto vederlo "con i propri occhi" durante il tour di Brendel in URSS nel 1988.

Grigoriev L., Platek Ya., 1990